Ce qui étonne d’ emblee dans les œuvres présentées dans cette exposition, et dont une majeure partie provient de la collection personnelle du mécène Hortensia Herrero, c’est leur aspect monumental :  chaque toile couvre, à elle seule, un mur entier jusqu’à l’ immense Danaë de 2016-2021 qui s étend sur 4 mètres de hauteur et 13 de longueur.

Anselm Kiefer multiplie les matériaux, les mêle, les entremêle, les sublime : pour la grande majorité des œuvres, on trouve de l’ huile, de l’ acrylique, de la gomme laque, des sédiments d’ électrolyse, du fusain sur toile et des émulsions diverses car rien ne ravit davantage l’ artiste que les choses qui peinent à se mélanger. Il y aura aussi de la craie, du fer et du plomb dans La jeune fille et la mort (2018), de la feuille d’ or dans Driade (2025) et puis de la corde et de l’ argile dans Electra (2024). Et tout ça s agglomère, se superpose, s ajouté au point que la lumière s en vient tracer des failles et des fissures dans une matière épaisse, un monde en volume, un univers adipeux. D’ ailleurs, lorsqu’ on voit, dans les vidéos qui accompagnent le parcours, travailler Kiefer, sanglé dans un large tablier de cuir, maniant la perche de métal, la masse et le croc, il prend des allures de forgeron, de fondeur de métaux, de métallurgiste, de manœuvre, bref d’ apprenti sorcier ou de Vulcain. Amselm Kiefer est de ceux qui donnent la parole à la matière, qui la font vivre et penser.

Amselm Kiefer est né deux mois avant la fin de la seconde guerre mondiale, dans un pays ravagé par les bombes avant de l’ être par le remords. Et toute sa vie est consacrée à racheter la condition humaine des atrocités de Dresde, Auschwitz et Hiroshima.

Son unique toile de taille réduite (70 par 95) et qui est aussi la plus ancienne (1974) représente une sorte de Manifeste visuel des intentions de Kiefer : on y voit une palette de peintre, un peu translucide, et dressée verticalement devant un paysage, allant ainsi du ciel jusqu’au sol. La toile s’intitule Ciel-Terre et dit le besoin fondamental du peintre d’ atteindre à la réconciliation universelle : l’ artiste, estime -t-il, est celui qui peut rendre à ce monde l’ espoir et la vie.
D’ où cette obsession de recréer de la matière nouvelle, enfin libérée des outrages de l’ Histoire.
De toutes les compositions sublimes réunies par le Centre Herrero, la plus parlante est sans doute Danaë. Anselm Kiefer reprend la légende de Danaë, enfermée par son père loin du désir des hommes, et que vient rejoindre Zeus, métamorphosé en fleuve d’ or, pour la féconder et lui assurer une descendance.

Ce fleuve d’ or, promesse d’ un avenir, Anselm Kiefer le fait couler, dans sa toile, sur l’ aéroport de Tempelhof. Il s’agissait de l’ aéroport officiel, considéré, durant la guerre, comme le symbole même de l’ architecture nazie, mais qui, après la guerre, servie à l’ aviation américaine à approvisionner les habitants de la poche de Berlin Ouest. Par la suite, l’ aéroport a été rasé pour devenir l’ un des plus grands parcs de promenade et de jeux de la ville. Zeus a fécondé Danaë malgré la malédiction.
Et Anselm Kiefer, à son tour, du haut de ses 81 ans, continue à féconder l’ univers de ses toiles reconciliatrices.

Centro de Arte Hortensia Herrero. Calle del Mar, 31 – 46003 València

Image en-tête : site internet du centre d’Art Hortension Herrero

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Maxime D’Aboville a  conservé, de ses précédentes prestations historico-théâtrales, sa blouse grise d’instituteur de la 3^e République mais il prend des accents de prophète ou de mage pour nous conter l’Histoire de Napoléon, l’homme qui se voulait la ré-incarnation d’Alexandre et de César, pas moins.

Et pour un peu l’on s’y croirait : la voix ample et sonore du comédien se brise, parfois, comme une vague sur le récif, et parfois envahit l’espace comme une bourrasque de vent imprévue. Elle fait rouler les mots, cette voix, comme un souffle le ferait, puis elle les caresse avec délicatesse, elle se fait ouragan ou asthmatique, c’est selon. Cet homme, Maxime D’Aboville n’est pas un comédien, c’est un magicien, un musicien, un chef d’orchestre : même la Grande Sarabande de Haendel semble avoir été écrite pour lui. On dirait, tant il impressionne dans sa prestation, reconnaître du Fabrice Lucchini, à l’époque, lointaine, où Lucchini travaillait vraiment et ne se prenait pas pour Lucchini.

Il faut dire que Maxime D’Aboville est allé chercher ses mots parmi les plus grands, Hugo, Chateaubriand, Tolstoï, D’Ormesson… Et, par instants, vraiment, il n’est plus tout à fait Maxime D’Aboville mais il est un peu tous ces géants à la fois et il est également Napoléon lui-même. Pas pour rien qu’au bout d’un moment du spectacle, il s’en va se coiffer lui-même du bicorne qui jusque là reposait sur l’estrade en fond de scène. Il s’en coiffe, un peu à la façon dont Napoléon, lors de son sacre, posa lui-même la couronne d’Empereur sur son front.

Nonobstant, on pourra s’étonner des raisons invoquées par le metteur en scène, Maxime D’Aboville lui-même, pour monter ce spectacle : « En cette année présidentielle, il semble pertinent de revisiter cette figure de Napoléon, si emblématique et fondatrice de notre identité politique » (dossier de presse). On pourra s’étonner également de telle citation de Chateaubriand (lequel Chateaubriand ne portait guère l’Empereur dans son cœur) : « Les français (…) n’aiment point la liberté ; l’égalité seule est leur leur idole. Or, l’égalité et le despotisme ont des liaisons secrètes. »

Est-il réellement utile ou nécessaire de revenir sur l’histoire de Napoléon, ce mégalomane qui fit tuer des millions d’européens au seul nom de ses intérêts personnels et qui institua en France un code pénal profondément moraliste, réactionnaire et misogyne ? Il est peut-être des figures historiques plus adaptées aux besoins de la campagne présidentielle à venir, du moins le souhaite-t-on aux français.

NAPOLEON
Textes de HUGO, CHATEAUBRIAND, TOLSTOÏ, JEAN D’ORMESSON
Un spectacle conçu et interprété par Maxime d’ABOVILLE
Décor : Marguerite DANGUY DES DÉSERTS
Lumières : Dorian MJAHED-LUCAS

À partir du 31 août 2026, tous les lundis à 19h

Théâtre Poche Montparnasse – 75 boulevard du Montparnasse – 75006 Paris

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Sauf que, sauf que Fabienne trouve à redire : un couple heureux, à notre époque, c’est démodé, ringard, has been. De nos jours, on se sépare, on divorce, on se trompe, on change de sexualité, on fait tout … sauf s’aimer à long terme.

Quelle solution ? C’est simple, il suffit de trouver une maîtresse à monsieur et un amant à madame, et enfin, enfin, ils deviendront, à leur tour, un « couple normal ». Ils font mentalement le tour des connaissances et se décident : ce sera Anne-Sophie pour lui, ce sera Etienne pour elle.

Mais, à la suite d’un très surprenant malentendu (totalement invraisemblable mais ce n’est qu’un détail), au lieu de vivre leur adultère tranquillement et chacun de son côté, ils ont imaginé, elle comme lui, d’inviter leur partenaire respectif à la maison.

Les voilà donc réunis, madame, monsieur, la maîtresse, l’amant, dans une distribution qui n’est pas sans évoquer celle de la plus pure tradition du théâtre de boulevard le plus éculé. Nous sommes « Au théâtre ce soir », ou quasi, retour dans les années soixante-dix…

Le reste de la pièce va consister en  l’énumération fastidieuse de toutes les caractéristiques de la société actuelle (symbolisées, ces caractéristiques, par le fait que madame et monsieur se décident enfin à se tromper mutuellement) comme autant de désastres potentiels qui menacent l’humanité. Tout y passe et rien ne trouve grâce aux yeux de l’auteur : le véganisme, les réseaux sociaux, la bisexualité, la libération des mœurs, le libertinage amoureux, l’art contemporain, la biodynamie (même les vins ne sont plus ce qu’ils étaient), les nouvelles technologies, les smartphones, le poly amour, l’IA. Même Sandrine Rousseau se fait égratigner au passage (peut-être, à travers elle, les féministes sont-elles visées sans qu’on ose aller trop loin ?) !

On a même droit, en fin de pièce, à un monologue pesant et nostalgico-réactionnaire sur la musique qui était tout de même autre chose à l’époque de Chet Baker, sur le cinéma qui n’a jamais été aussi fin et drôle que réalisé par les Marx brothers et sur l’amour qui n’est plus ce qu’il était…

Voici donc des gens qui font du théâtre à la façon dont Cnews fait de la politique, c’est à dire en allant gratter au fin fond de l’humanité ce qu’il y a de plus facile, de moins raisonné, de plus apparemment évident. Le texte est à peu près aussi vide qu’un discours d’Emmanuel Macron et pourrait, sans faillir, être plébiscité par Pascal Praud : on fait comme si l’intégralité de tous les mécanismes d’émancipation de l’individu, comme si la remise en cause des relations bourgeoises et traditionnelles, omettaient la vérité supérieure de l’amour avec un grand A majuscule.

Cette pièce est le triomphe de l’approximatif et du ringard le plus absolu : c’est le bon sens populaire qui s’en prend à l’évolution des mentalités, c’est l’eau de rose contre les crises de sociétés, c’est la fleur bleue contre Schopenhauer. Ça sent le vieillot, le douteux, le moisi, ce regret du bon vieux temps où l’on s’aimait sans se poser de questions… Comme si, justement, l’intelligence, le bon sens et la pertinence ne consistaient pas à se poser sans cesse des questions.

auteur Simon Diken
mise en scène Vincent Messager
avec Paul Belmondo, Alexandra Vandernoot, Isabelle Laporte, Erwin Zirmi
création lumières Thierry Ravillard

durée 1 h 25

Jusqu’au 22 septembre 2026

Les lundis, samedis et dimanches. 14h30,16h30 et 19h00

Apollo Théâtre, 18 rue du Faubourg du Temple 75011 Paris

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C’est alors que, dans la loge de Louison, vont se succéder tous les autres comédiens et collaborateurs du spectacle : la maladroite Karine, assistante à la mise en scène, le trop consensuel et très conventionnel Pierre, le metteur en scène, la Diva sur le retour, Laurence, qui vient faire profiter de sa grande expérience et l’assistant personnel de Grégoire, Tonio, qui n’est plus étonné par rien.

On connaît la longue litanie des arguments qui sont utilisés dans ce genre d’occasion et qui ont permis à plus d’un Patrick Bruel de bénéficier d’un silence poli et gêné durant bien des années : il est célèbre et tu n’es rien, personne ne va te soutenir, tu vas ruiner toi-même ta carrière, il apporte trop au spectacle pour se passer de lui, le projet repose sur sa notoriété, etc.

Il faudra à Louison bien de l’énergie et de la force de conviction pour s’opposer à cette avalanche de discours fatalistes et relativistes : il est si facile de mettre la poussière sous le tapis.

Tel est le point de départ et l’essentiel de la pièce de Coralie Lascoux. La cause est noble, certes, et l’on ne peut que soutenir une telle démarche. Oui mais, si le thème est excellent, la pièce en revanche ne l’est pas. Une fois passées les premières vingt minutes, les personnages s’engluent dans une répétition sans intérêt, l’intrigue ne progresse pas, et l’on n’éprouve plus que lassitude pour la mésaventure de la pauvre Louison. Que dire aussi de cette parenthèse grotesque, en plein milieu du spectacle, imaginant les hommes confrontés aux mêmes demandes sexuelles déplacées et remarques blessantes dans les castings professionnels ? C’en est si mauvais qu’on a le sentiment d’assister à un spectacle de patronage ou à une mauvaise pièce plus ou moins bricolée par une troupe amateur au fin fond du Cantal.

Coralie Lascoux (qui tient le rôle de Laurence) semble une personnalité attachante et sympathique, elle est capable d’auto-dérision ( c’est vrai qu’elle a un petit air de Karine Viard, comme elle s’en amuse elle-même) mais elle devrait apprendre que ce n’est hélas pas avec les bons sentiments que l’on fait du bon théâtre.

autrice Coralie Lascoux
mise en scène Coralie Lascoux assistée de Chloé Fleury
avec Camille Remy, Emilie Pfeffer, Thomas Lempire, Coralie Lascoux et Thomas Pelikan
création lumières Florian Guerbe
production Le Ricochet Théâtre

durée 1 h 05

Jusqu’au 30 août 2026

Théâtre Le Funambule Montmartre, 53 rue des Saules- 75018 Paris

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Le tapis au sol est riche, le canapé paraît moelleux, la vaisselle raffinée indique l’aisance, la chaîne Hifi et les livres connotent la culture, le vin blanc est déjà ouvert et au frais dans un seau à champagne. Nous sommes dans un milieu privilégié où l’argent n’est pas un problème ; il n’y aura d’ailleurs aucune allusion à une quelconque difficulté sociale, puisque, chez Pinter, les personnages sont concentrés sur leurs préoccupations les plus intimes.

Sur un fond de percussions quelque peu africaines, un couple, homme et femme, exécute dans la pénombre une sorte de farandole joyeuse aux allures sexuelles, puis il disparaît.

Lorsque le silence revient, le mari, Richard, rentre chez lui, comme tous les soirs à la même heure,  pose son attaché-case et sa veste de costume, se sert l’apéritif du soir. Tout est calme, convenu et bourgeois. Madame, Sarah, apparaît pour l’accueillir avec douceur et amabilité. Il est élégant et chic, elle est belle, soignée et souriante. Ils vivent dans un univers lisse de convenances et de politesse obligée.

Peut-être, à peine, le vernis de ces convenances s’effrite-t-il un instant lorsqu’il est fait allusion au fait que Madame ait un amant et qu’il était présent l’après-midi même. Encore un peu plus effrité lorsqu’on apprend que Monsieur a une maîtresse et que cette dernière se trouve être une prostituée. Serions-nous face à un ménage à trois ou à quatre ? Auquel cas, la pièce ne serait qu’une nouvelle variation sur le thème archi connu du vaudeville, avec amant dans le placard, porte qui claque, et conventions sociales malmenées sans danger ?

On se doute bien, avec Pinter, qu’il n’en est rien. Même dans une œuvre de jeunesse, L’amant date de 1962, Harold Pinter s’y entendait mieux que personne pour bousculer les règles traditionnelles du théâtre bourgeois. Et il donne ici une brillante démonstration de son art d’explorer les arcanes perverses du couple occidental.

Harold Pinter savait montrer à quel point les apparences sont fragiles et comme, dans les structures familiales modernes, l’amour n’est jamais que l’accouplement provisoire de deux solitudes et de deux névroses.

La belle mise en scène spectaculaire et très chorégraphiée de Grégoire Besançon met en valeur le texte tout à la fois terriblement quotidien et parfaitement incisif de Pinter.

La belle mise en scène spectaculaire et très chorégraphiée de Grégoire Besançon met en valeur le texte tout à la fois terriblement quotidien et parfaitement incisif de Pinter. Et, le soir où nous avons assisté à la pièce, c’était lui-même, Grégoire Besançon, et la charmante Marie-Lou Seince qui incarnaient Richard et Sarah.

auteur Harold Pinter
mise en scène Grégoire Besançon
avec Dorothée Malfoy-Noël ou Marie-Lou Seince, Grégoire Besançon ou Lucas Valot
production Compagnie Mirage(s)

durée 1h10

Jusqu’au 27 août 2026

Théâtre Le Funambule Montmartre, 53 rue des Saules- 75018 Paris

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Le fil conducteur de l’ensemble est d’une ténuité qui rivalise avec le néant : Sophie est dans la rue, en train de téléphoner, et elle est abordée par un homme dont elle suppose qu’il s’agit d’un dragueur mais qui se révèle être Rémi, son ancien camarade de classe au collège, vingt-cinq ans auparavant. À ce moment précis, et sans qu’on l’ait sollicité, un Dieu invisible et facétieux intervient et leur redonne vaguement l’apparence qu’ils avaient, l’un et l’autre, à l’époque de leur adolescence. Certes, Rémy est encore barbu, et, hormis le port d’un jean et d’un sweat trop grands, les signes extérieurs d’adolescence ne sont pas flagrants, mais soit…

Dès lors, voilà les deux compères partis à s’interroger et à interroger la salle : qu’est-ce donc que l’adolescence ? Comment parlent les adolescents d’aujourd’hui ? À quoi rêvent-ils ? Qu’espèrent-ils ?

Le but ultime de cette pochade aussi légère qu’une bulle de Champomy abandonnée dans la nature depuis belle lurette semble être de nous convaincre que :  1 l’adolescence est éternelle, 2 c’est seulement un passage de la vie, 3 cela ne dure pas longtemps. Le programme, on le voit, est d’une telle densité qu’à côté on en viendrait à considérer le Blanche-Neige de Walt Disney pour une relecture de Kant.

Outre cette série de découvertes fondamentales que même Cyril Hanouna aurait été capable d’énumérer, on a, de surcroît, droit à un certain nombre de clichés passe partout sur la grande difficulté d’être parent aujourd’hui, la triste fascination des jeunes pour les écrans, l’insurmontable inutilité de l’école et la déprimante personnalité des enseignants.

Nous nous trouvons devant une sorte de Guignol revisité dans lequel on n’alerterait plus le héros sur la présence du méchant gendarme mais on alerterait l’ado sur celle du méchant parent : attention, les enfants, vous allez me dire si la maman a réagi d’une façon qui vous convienne, sinon on l’oblige à tout changer !

L’ensemble est plat comme la Beauce aux abords de Chartres et à peu près aussi édifiant que les paroles d’une chanson de Didier Barbelivien. Ce n’est pas parce qu’on veut faire un spectacle tout public que l’on est, pour autant, obligé de passer par les voies de la démagogie et des pire clichés sur l’éducation, l’enfance et l’adolescence.

Écriture et mise en scène Coralie Lascoux
avec Coralie Lascoux et Jérôme Bruno 
production Le Ricochet Théâtre
durée 1h15

Jusqu’au 30 août 2026

Théâtre Le Funambule Montmartre, 53 rue des Saules- 75018 Paris

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En décembre 1926, la célébrissime romancière anglaise Agatha Christie est portée disparue durant onze jours. Sa voiture est retrouvée vide de tout occupant au bord de l’étang de Silent Pool, tout près de sa propriété. Pas mal de légendes locales circulent au sujet de cet étang et qui, fatalement, sont relancées par la disparition d’Agatha Christie. La romancière sera finalement retrouvée mais bien des ombres demeurent dans ce fait divers.

Tel est le point de départ du nouveau spectacle de la Compagnie Les ballons rouges (qui nous enchanta naguère avec sa version de Léocadia de Jean Anouilh) : un mystère dans la vie de la Reine des mystères, un polar bien réel dans l’existence de celle qui signa les plus ingénieux polars de l’histoire littéraire, et comme une sorte de fascinante mise en abîme du fictionnel qui s’en viendrait surgir au sein même de la réalité.

De quoi frétiller par avance, d’autant plus lorsqu’on dispose d’une troupe d’excellents comédiens tout à la fois dynamiques et inventifs.

La mise en scène de la pièce, d’ailleurs, est absolument irréprochable. Le décor est composé de trois panneaux mobiles sur roulettes aux façades interchangeables et qui représentent les différents lieux de l’action et ils sont, ces panneaux, ingénieusement déplacés, écartés, rapprochés, pour créer une sorte de foisonnant parcours tout à la fois simple et efficace.

La pièce, de plus, est baigné par un humour qui va de la réplique cinglante mais polie jusqu’au burlesque. Il est toujours élégant de ne pas (trop) se prendre au sérieux.

Pour autant l’ensemble ne fonctionne pas. Le texte sans relief recrée une sorte d’énigme « à la manière de » qui adhère totalement aux poncifs du genre polar début XXe : démultiplication des fausses pistes, personnages exagérés et  grotesques afin d’être rapidement identifiés, duo d’enquêteur constitué du lourdaud prétentieux et de la fine mouche discrète, évocation systématiques des avancées de l’enquête pour ne pas égarer le spectateur, léger détail révélateur suffisamment évident pour que le dit spectateur se sente aussi malin que les enquêteurs, etc. Si bien que, très vite, on en vient à un sentiment de lassitude et de répétition : certains gags d’ailleurs ne se privent pas de revenir si souvent qu’ils n’en sont plus si drôles.

Quelle étrange idée que d’avoir récréé, ni plus ni moins, du Agatha Christie, avec une bribe de la vie de celle-ci ? La penserait-on, Agathe Christie, si dépourvue d’imagination qu’elle se soit contentée, toute son œuvre durant, de reproduire ce qui se produisait autour d’elle ? N’y aurait-il absolument aucune modification entre ce qui se déroule dans la réalité et la façon dont s’organise la fiction ?

On suit, avec un peu d’ennui, les aventures du superintendant Kenward, de l’Inspectrice Hastings, de la vieille anglaise charmante mais quelque peu folle Nan Gardner, du snob éditeur Collins, du mari Archibald Christie qui ne succombe plus aux charmes de sa romancière d’épouse, et l’on a du mal à comprendre l’intérêt de cette pochade élégante.

Ce n’est pas la très brève allusion à la condition des femmes dans l’Angleterre des années vingt qui va permettre de moderniser cette vieille chose un peu poussiéreuse (comme le sont par ailleurs devenues les histoires d’Agatha Christie) et que dire de cette évocation récurrente d’un pseudo ostracisme des anglais envers les écossais (les irlandais apprécieront) ? Un spectacle qui, manifestement, a été très travaillé pour un résultat, hélas, fastidieux et lassant.

De Carla Girod, Drys Penthier et Axel Stein-Kurdzielewicz
Mise en scène David Legras et Axel Stein-Kurdzielewicz
Avec La Compagnie des Ballons Rouges

Mercredi > samedi 21h| Dimanche 18h

Durée : 1h30

Jusqu’au 23 août 2026

Lucernaire, 53 rue Notre-Dame-des-Champs – 75006 Paris

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Elles sont quatre femmes réunies plus ou moins par hasard dans une belle propriété normande au bord de la mer. Céleste est la maîtresse de maison, belle femme d’âge un peu mûr mais qui porte encore beau et reçoit, comme elle le fait souvent, sa grande amie Hortense, même âge, même condition sociale et qui, d’emblée, raconte sa rencontre, dans le train, avec un bel instituteur dont elle est immédiatement tombée amoureuse, oubliant ipso facto qu’elle était déjà mariée. Les deux aristocrates vont être rejointes par Coralie, la nièce de Céleste, qui tient à lui raconter un événement fâcheux : elle si sage, si pudique, si comme il faut, a expérimenté une relation tarifiée avec un inconnu, uniquement par curiosité. Et Coralie n’est pas venue seule puisqu’elle présente Zoé, sa grande amie, laquelle est comédienne en une époque où la frontière entre l’actrice et la prostituée reste de l’ordre de la nuance.

Les quatre femmes ne se connaissent guère, deux sont très jeunes, les deux autres plus âgées, elles ne sont pas exactement de la même condition sociale, mais qu’importe ? La seule condition du petit séjour balnéaire était de ne surtout pas faire venir un homme. Non pas qu’elles n’aiment pas les hommes, bien au contraire, mais elles veulent rester « entre elles » pour évoquer leurs expériences, se raconter leurs vies, se livrer sans censure.

Et cette collection de petits secrets entre femmes, en l’occurrence, c’est une série de courts récits de Guy de Maupassant, réunis les uns à la suite des autres comme une sorte de patchwork théâtral.

Telle est, d’emblée, la première limite de cette « pièce », celle de ne pas être précisément une pièce : non pas un texte conçu pour la scène mais une suite de nouvelles, contes et récits, que chaque personnage, à son tour, va présenter comme  une confidence faite à une amie ou un ragot rapporté à propos d’une voisine ou d’une sœur. Le procédé est redondant : il faut que je vous dise, il faut que je vous dise… Et c’est ainsi que chacune son tour exécute son petit numéro agrémenté, pour « faire vrai » de rires étouffés, de cris inutiles et de gestuelle exagérée. Il faut bien varier le ton, la hauteur des voix, les poses lascives pour faire oublier que l’on ne fait jamais que parler, sans faire, sans montrer, sans vivre. Et la petite mise en abîme qui survient en plein milieu, Coralie et Zoé jouent devant Céleste et Hortense, théâtre dans le théâtre, n’en vient que plus cruellement encore insister sur le caractère si peu théâtral de l’ensemble.

Quel que soit l’incontestable talent des quatre comédiennes, elles ont du mal à faire oublier à quel point la stratégie dramatique est parfaitement poussive.

Seconde limite, celle du contenu. Maupassant, on le sait, était ce qu’on nommait « un homme à femmes », expression bien adaptée à celui qui ne se maria jamais mais multiplia, sa vie durant, les aventures galantes, dans tous les milieux, allant jusqu’à contracter une syphilis dont il mourra dans des conditions épouvantables. Le regard de Maupassant sur les femmes est celui de son époque : il les considère comme de charmantes petits bêtes bavardes et ingénues, préoccupées par leurs dentelles et leur maquillage, et qui, tout en feignant d’être pudiques et timides, cachent une irrésistible attirance pour l’homme, le vrai, le moustachu, le viril. D’après Maupassant, la grande affaire des femmes est d’aller s’oublier un moment avec l’homme (la présence masculine hors scène de Joseph, le domestique, viril et obsédé sexuel) dans une meule de foin dont on rapporte d’ailleurs quelques fâcheux épis dans les cheveux.

On aura du mal à prendre pour postulat féministe avant l’heure, cette caricature de la gent féminine en volière adorable et qu’il faut endurer au nom du plaisir. A l’évidence, dans cet univers, si les femmes sont libres, c’est pour aller commettre quelques bêtises : ces animaux-là, au final, sont bien pires que les hommes, capables de coups de cœur, coups de tête, coups de folie.

Et l’on ne pourra que s’interroger sur l’intérêt de souligner ainsi les limites de la pensée d’un auteur, qui, par ailleurs, se trouve être un grand écrivain, mais pas vraiment un connaisseur de la psyché féminine.

Que dire, enfin, de l’anachronique présence, en plein milieu du décor, d’un poste de TSF style années 1940, alors que l’action est censée se dérouler quelques temps après la parution de Madame Bovary de Flaubert (1857) ? S’agissait-il de traduire visuellement le caractère éternel de la pensée de Maupassant ? Mais alors pourquoi pas un PC connecté sur Internet ?

De Guy de Maupassant
Adaptation Roger Defossez
Mise en scène Gwenhaël de Gouvello
Avec Eurydice El-Etr ou Nancy Loïs, Marie Grach, Karine Pinoteau et Alexandra Sarramona
Scénographie Emilien Andro
Lumières Jean Christophe Violo
Costumes Maxence Rapetti-Mauss

Jusqu’au 23 août 2026

Lucernaire, 53 rue Notre-Dame-des-Champs – 75006 Paris

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Et s’il fallait, pour le commun des survivants, soigner, réparer, reconstruire, les artistes, eux, héritaient de la terrible nécessité de dire : dire la peur, dire le sang, dire les larmes, dire l’éprouvante paralysie devant le spectacle de ce que les hommes sont capables de commettre sur d’autres hommes.

Pour les peintres, tout de suite, l’abstraction parut de l’ordre de l’évidence : les villes n’étaient plus que ruines, la nature avait été dévastée, l’homme n’avait plus figure d’homme, impossible donc de les représenter.

Il faudra plus de vingt ans, à la lueur du Pop art et au sein d’une société devenue de consommation, pour que les artistes, à nouveau, songent à « faire ressemblant ».

C’est de cette double décade (1945-1965) que nous parle l’exposition du Centre Pompidou de Málaga.

Le monde, en 1945, n’est plus ce qu’il était : la Grenade de Wols, à l’image des oranges de Tintin, est bleue (1946),

son Aile de papillon n’a rien de gracieuse tant elle est sombre (1947)

et sa Turquoise (1949) est tout sauf turquoise, précisément.

Georges Mathieu, lorsqu’il exécute son Hommage au Maréchal de Turenne (13 janvier 1952) le fait avec une sorte d’ironie cinglante. Sur un fond rouge uniforme, de larges signes menaçants et fougueux composent un message totalement sibyllin, comme s’il était devenu dérisoire d’évoquer un soldat ayant vécu à une époque où la guerre, pour atroce qu’elle pouvait être, n’avait pas des allures de génocide.

Déjà, pendant le conflit, lorsqu’il se lançait, clandestinement, dans sa série des 46 otages (1942-1945), Jean Fautrier (L’écorché, 1944) recouvrait sa toile d’une épaisse couche de blanc d’Espagne, d’huile et de colle qu’il saupoudrait ensuite de poudre de pastel avant de tracer des signes humains : un visage, une main, un dos. Et cette matière particulière, tout à la fois savoureuse et étrange, sensuelle et repoussante, évoque l’apparence d’un corps nu, comme si l’artiste avait voulu, dans son œuvre, rendre un peu de chair à ceux-là qui se la firent arracher par les bourreaux.

Le monde n’est plus ce qu’il était. La guerre a privé l’univers de ses couleurs et ils sont nombreux, tels Antonio Saura (Ines, 1957) ou Pierre Soulage (Peinture 195 par 130 cm, 2 juillet 1953) à recouvrir leurs toiles de larges traînées d’un noir aussi sinistre que celui des barreaux d’une prison.

François Arnal représente, en mars 1954, un immense Combat de coqs. La toile, certes, est en grande partie abstraite mais l’on distingue bien, de part et d’autre, la silhouette agressive des adversaires séparés par une série d’explosions furieuses comme si l’affrontement animal, celui de simples coqs, avait perdu toute raison et toute mesure. Comme s’il n’était plus possible que de se gausser de cette guerre abominable et la nommer, de façon cynique : combat de coqs !

Sam Francis, lui, entre 1950 et 1952, peint des toiles blanches mais ce blanc est de partout traversé de zébrures grises et bleutées comme si le blanc, cette valeur absolue, ce symbole archétypal de pureté et de perfection, était devenu impossible désormais à atteindre (Autre blanc, 1952).

Les artistes sont également nombreux, à l’exemple de Zao Wou-Ki en 1958, à supprimer toute référence au réel en ne donnant plus de titre à leurs tableaux, comme si les mots, maintenant, ne servaient plus à rien. L’artiste chinois, comme Soulage, choisit comme titres la date d’exécution, Manolo Millares donne un numéro, Simon Hantaï intitule son œuvre Peinture : tout est dit, le sujet, c’est la peinture, c’est le moment, c’est l’instant, et plus du tout quelque référence à un modèle, quelque chose de dicible.

Pour autant, Zao Wou-Ki ne renie pas son héritage culturels et ses grands paysages mentaux torturés conservent des traces de signes calligraphiques (05-05-64, 1964). D’autres disciplines également sont convoquées : la musique chez Toshimitsu Imaie (Solitude sonore, 1956),

la sculpture chez Kev Sato (Soleil axial, 1959_1960) lorsqu’il accumule des couches picturales qu’il laisse ensuite sécher durant des jours avant de les augmenter encore,

ou bien la danse chez Kazuo Shigara (Planète nature, 1960, photo en-tête) lorsque, suspendue en l’air, il macule sa toile de peinture rouge avec les pieds.

D’une manière générale, le geste est majeur : il est indispensable pour l’artiste de s’engager, et, pour ce faire, il est nécessaire d’engager le corps tout entier.

Le hongrois Simon Hantaï pose une matière picturale qu’il racle ensuite au moyen d’un objet métallique comme s’il s’agissait de pénétrer sous la surface, de fracturer les apparences, de gratter jusqu’à l’os, jusqu’à la blessure initiale. Le canarien Manolo Millares lacère sa toile, la recoud puis la recouvre de peinture : l’idée est, au fond, semblable, elle consiste à exercer un geste violent et ultime qui fasse écho à la violence que nous infligea l’Histoire. Et son Tableau 120 (1960) donne à voir une sorte de Christ en croix fait de blessures et de déchirements, comme si le Christ de ces temps modernes n’avait plus ni visage ni foi.

Quant à Judith Reigl, dans son Centre de dominance (1958), elle a projeté sr sa toile un épais tourbillon de peinture noire qu’elle a ensuite étiré de manière centripète à l’aide d’une lame courbe créant ainsi une façon de configuration cosmique autour d’un centre qui n’existe pas. Et elle laisse ainsi, dernière toile dans la dernière pièce, le spectateur sur cette interrogation : certes la Terre continue de tourner en 1945 mais autour de quoi ? Autour de qui et pourquoi ?

Photo : Alain Girodet, Grand Palais, Juin 2026 – Tous droits réservés

Exposition jusqu’au 7 septembre 2026- Centre Pompidou Málaga, Málaga – Passage Doctor Carrillo Casaux
29016 Port de Málaga, Espagne

Photo d’en-tête : detail de Citizen Konseimao (Planète Nature) de Kazuo Shiraga, 1960

Photos de l’exposition : @Alain Girodet avril 2026

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Anne Consigny a choisi d’adapter ‘Barrage contre le Pacifique’.

‘Barrage contre le Pacifique’ , c’est Duras avant Duras. La grande Marguerite n’avait pas encore, en écrivant ce court roman, trouvé son style à elle, sa voix à elle, sa musique à elle : elle n’était pas encore devenue cette parole inégalée qu’on reconnaît entre mille, comme celle de Proust ou celle de Flaubert. Pour autant, si la facture est plus classique, ‘Barrage contre le Pacifique’ est un texte fluide et dense à la fois, dans lequel une mère courage affronte l’inexorable montée des eaux venant ravager ses terres cultivées. Cela se passe quelque part dans les années trente, et dans une Indochine coloniale qui n’était pas tendre pour les femmes, et surtout les femmes seules. Cette mère qui ne sera jamais nommée doit, de plus, élever ses enfants, Joseph et Suzanne, dans des conditions financières problématiques et elle aura fort à faire pour protéger sa fille des assauts douteux de Monsieur Jo, ce riche propriétaire du nord.

Anne Consigny est une interprète idéale, avec sa longue silhouette à la fois frêle et forte, capable de mimer sans excès, de bercer sans mièvrerie et de gronder sans colère : elle peut largement se permettre de briser le quatrième mur sans pour autant endommager l’atmosphère de magie du spectacle.

Elle n’a besoin de rien autour d’elle, un plateau nu, un chapeau de paille, un escabeau de bois et une boule à facettes, pour dire l’étouffante chaleur de l’Indochine, le charme désuet des cabarets à colons et les aléas de l’agriculture tropicale. Un peu de fumée pour rendre la chaleur de sauna qui règne dans l’air, et le reste, tout le reste, sera créé magiquement par sa silhouette, sa danse, ses gestes et ses mimiques.

Anne Consigny dans ‘Barrage contre le Pacifique’ de Marguerite Duras, c’est du grand art sous sa forme la plus dépouillée et la plus naturelle.

Adaptation, mise en scène et interprétation : Anne CONSIGNY
Assistante mise en scène : Cécile BAYLE – BARREYRE
Conception Lumière : Patrick CLITUS
Son : François TURPIN
Costume : Cidalia DA COSTA
Conseillère Artistique : Pascale CONSIGNY

Du mardi au samedi à 19h, jusqu’au 11 juillet 2026

Théâtre Poche Montparnasse – 75 boulevard du Montparnasse – 75006 Paris

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