Entre deux pénibles entrechats, l’homme finit par avouer qu’il n’est autre que Robert Bouvier lui-même, soit le directeur du théâtre de Neufchâtel, et que, la troupe du Kirov, initialement prévue pour venir donner une représentation, étant encore bloquée à la frontière, il s’est dévoué, lui, le directeur, pour assurer le remplacement.

Maintenant que le stratagème est dévoilé, Robert Bouvier décide, pour un peu meubler l’attente, de nous raconter sa vie.

Tel est le point de départ, et le prétexte, du spectacle.

Robert Bouvier dans son propre rôle va nous narrer par le menu, sans ordre ni façon, comment il est devenu directeur du théâtre de Neufchâtel, puis comment il est devenu comédien (donc vraiment sans ordre!).

Certes, les anecdotes sont, pour certaines, savoureuses, certes on apprécie de connaître, un peu, l’envers du décor, certes le parcours du petit Suisse devenu grand directeur est édifiant, certes le personnage est sympathique, mais on avouera que l’intérêt demeure des plus limités.

Robert Bouvier s’essaye, à son tour, à un exercice qui semble devenu des plus tendances dans le petit monde de la création théâtrale contemporaine : le seul en scène sur fond autobiographique avec démultiplication des personnages campés, à chaque fois, par un changement à vue, un accessoire signifiant, une modification posturale ou un accent typique. Mais le seul en scène est un art délicat et qui exige une rigueur magistrale ; il exige, cet art, de soigneusement éviter les deux écueils de la virtuosité et du surjeu, entre Charybde et Scylla.

C’est un Suisse bien sympathique, Robert Bouvier, et l’on s’en voudrait de le lui reprocher : ça va bien se passer, on l’espère pour lui !

• auteur Joëlle Bouvier, Robert Bouvier et Simon Romang
• mise en scène Joëlle Bouvier et Simon Romang
• avec Robert Bouvier 
• création lumières Pascal Di Mito
• musique originale Lucas Warin
• production Compagnie du Passage
• durée 1h20

Jusqu’au 9 juin 2026 – lundi et mardi, 9h ou 21h

Théâtre Le Funambule Montmartre, 53 rue des Saules- 75018 Paris

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Bien sûr, il ne sait pas, ce Philippe-là, qu’un jour il deviendra Philippe Besson, écrivain célèbre et célébré.

Pour l’instant, dans sa province tranquille, cet adolescent est mal dans sa peau, mal dans sa vie, et il tombe éperdument amoureux de Thomas, qu’il a juste croisé au lycée.

Au fond de la scène, c’est  la chambre de Philippe : un tapis ovale  plein de coussins dont certains pailletés, plein de livres bien entendu, et juste une lampe de bureau. Et dans cette chambre, dans le secret de cette chambre, il parle de son amour, il s’en parle à lui-même et il en parle à Pensée, son alter ego féminin, son double fantasmé, idéal, absolu, sa jumelle de rêve. C’est Anne-Laure Ségla qui joue le rôle de Pensée, splendide danseuse sculpturale, aussi noire de peau que Philippe est blanc, aussi folle qu’il est sage, aussi tentatrice qu’il est inhibé. Elle le pousse, sans cesse, à gommer ses peurs, à solder ses complexes, à franchir ses limites pour vivre vraiment sa vie.

Et la magie du spectacle nous offre un Philippe vivant enfin son amour fou dans une suite éblouissante de numéros chantés, dansés, ambiancés, rythmés, magnifiés, si bien que rarement on a vu, sur une scène, une adaptation théâtrale d’un texte romanesque aussi réussie et enthousiasmante. A vrai dire cela n’a plus guère les allures d’un roman mais bien plutôt d’une véritable orgie pour les pupilles et les tympans.

Il faut bien dire que le metteur en scène, Valentin Nerdenne (également interprète du rôle principal) n’a pas lésiné sur les moyens : pendant qu’en fond de scène les deux garçons emmitouflés sous un drap, tels deux fantômes complices, miment un acte amoureux, la noire silhouette féline d’ Anne-Laure Ségla, sanglée dans une torride robe rouge, se livre à un ballet sulfureux sur le « Great gig in the sky » du Pink Floyd…

Mais la fête ne dure pas, la beauté des sentiments se fane, l’automne de la raison succède à l’été des passions : cet amour-là était de ceux qui n’étaient pas simple à vivre en 1984. C’est en  1990 seulement que l’OMS  va rayer l’homosexualité de la liste des maladies mentales : 1990, c’est avant-hier, et même si la situation des gays et lesbiennes est un peu plus simple de nos jours, il n’est pas certain que, pour autant, les difficultés aient totalement disparu.

« Arrête avec tes mensonges » était la ritournelle habituelle de la mère de Philippe, sans se douter qu’elle s’adressait à un futur écrivain et comme si elle voulait brimer, en lui, l’imagination, cette fée intérieure. Mais c’est également la ritournelle que l’on voudrait, encore et toujours, clamer haut et fort à ceux qui s’avisent encore de dicter des comportements personnels, intimes, sexuels aux autres.

C’est l’histoire d’un homme amoureux : rien ne devrait au fond être plus simple au monde.

Du 6 au 30 mai 2026

Mercredi et jeudi à 21h15, vendredi et samedi à 19h

Durée 1h20

Texte Valentin Nerdenne, adapté du roman de Philippe Besson
Mise en scène Valentin Nerdenne
Distribution Anne-Laure Ségla, Corentin Etienne, Thomas Laurent, Valentin Nerdenne
Scénographie Salomé Bégou et Eliott Petit
Costumes Maison U&l et Valentin Nerdenne
Création lumière Téné Niakaté et Coline Thuissard
Création sonore Greg Bette
Équipe technique Coline Thuissard

Théâtre de Belleville, 16 passage Piver- 75011 Paris

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C’est que, tout à la fois et perpétuellement, la vie s’arrête et la vie continue, le spectacle s’achève mais le spectacle reprend, le grand spectacle de la vie, ou bien la vie, elle-même, vécue comme un spectacle. Ce n’est plus possible de faire de la danse ? Elle en a passé l’âge ? Peu importe, elle va faire autre chose, jouer du piano, chanter, jouer la comédie…

C’est à ce grand spectacle pour une femme seule que nous convie Kelly Rivière, le grand spectacle de la vie d’une femme qui se trouve se nommer Kelly Rivière, première étape d’un jeu de mise en abîme qui va se poursuivre sous nos yeux, et avec notre complicité de quatrième mur, une heure vingt durant.

La vie ne serait-elle qu’un rêve ? Le rêve devient-il parfois la vie ? Aller retour fascinant aux allures de pirouette de la pensée, d’autant plus évident dans l’univers des gens du spectacle.

Kelly Rivière va nous conter, par le menu, dans le détail, mais non sans ellipses habiles et force traits d’humour, les aléas de l’existence d’une intermittente du spectacle, la quarantaine passée, maman d’un petit Liam, et qui enchaîne les castings peu probants, les dates mal payées, les simili embauches s’avérant de redoutables pièges pour qui ne peut pas prétendre à la réussite exemplaire d’une Catherine Frot.

Tout en détaillant son cas particulier, Kelly Rivière rend hommage, de façon plus générale, à tous les petits, les sans grades, les stars à demi éteintes de la scène et du music-hall, tous ceux qui font ce métier sans en récolter vraiment les fruits, seulement parce qu’ils ne plus tout jeunes, ou pas assez résilients, ou qu’ils ont la malchance, tel Debronckart, cité dans le spectacle, de se prénommer Jacques à l’époque où triomphe Brel.

Kelly Rivière convoque sur la scène tous ceux qui, parmi ses proches, l’ont encouragée (la grand-mère paternelle, Mamie Nana, son meilleur ami, Max, son père, son fils) tous ceux qui l’ont franchement découragée (sa mère, sa belle-mère) et la foule des petits dictateurs du métier, directeurs de casting sans aucune indulgence, metteurs en scène mégalomanes, etc. Elle a réuni la grande foule de ceux qui s’étonnent qu’on puisse avoir envie de jouer la comédie, de danser, de chanter, de créer, alors que le succès n’est pas évident, pas immédiat, pas fulgurant.

Et ils sont, du coup, nombreux, sur la scène, ils sont nombreux dans sa tête à elle, Kelly Rivière, et elle nous les campe, tous, à elle toute seule, ceux qui lui ont fait un signe de la main comme ceux qui lui ont décoché des coups de pied en traître, avec une énergie, une vivacité et un enthousiasme communicatifs. On sent bien qu’elle n’en veut à personne et que tous, à leur manière, ont contribué à construire cette personnalité atypique et généreuse.

On sent bien que, décidément, pour Kelly Rivière, la vie n’est jamais que le rêve qu’on avait pu en faire, à l’avance, et que l’on a décidé de poursuivre. Une belle leçon d’optimisme et d’humanité.

Durée 1h20

Vendredi à 19h – Samedi à 18h30

Jusqu’au 27 juin 2026

De et avec Kelly Rivière
Collaboration à l’écriture/dramaturgie David Jungman
Collaboration artistique Maïa Sandoz
Regards complices Jalie Barcilon, Sarah Siré
Collaboration à la chorégraphie Gilles Nicolas
Travail piano-chant Susy Firth
Lumières Laurent Schneegans
Création son Vincent Hulot
Scénographie Estelle Gautier
Costumes Elisabeth Cerqueira

Théâtre Actuel La Bruyère – 5, rue La Bruyère – 75009 Paris

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Ce soir-là, à Grignan, l’orage menace et le tonnerre retentit de plus en plus violemment, lorsque Sophie reçoit la visite inattendue de Pierre-Abdul Khalzidi, un étrange journaliste qui se dit envoyé par le New-York Times. L’homme parle français parfaitement et sans une once d’accent, mais il faut dire qu’il est né d’une mère française et d’un père palestinien, ce qui le place à cheval entre plusieurs cultures différentes.

Pierre-Abdul est venu pour enquêter sur Paul Chardin, non pas le musicien, que tout le monde connaît à travers ses enregistrements, mais l’homme, qui est demeuré plus secret.

Dans un premier temps, Sophie et Pierre-Abdul vont se livrer à une sorte de duel à fleurets mouchetés, s’opposant très nettement sur les raisons et les buts de l’enquête : faut-il fouiller le passé à tout prix, comme le font si souvent les américains, ou le taire, comme le font trop souvent les français ?

Puis ils vont s’associer, s’entraider, travailler à chercher la vérité.

Paul Chardin, aux côtés de son ami et mentor Cortot, participa-t-il activement à « l’épuration de la musique » pendant les années de l’occupation ? Procéda-t-il réellement à la mise à l’index, l’arrestation et la déportation de musiciens juifs français ? Et, dans sa propre famille, fut-il l’instigateur de l’arrestation de son demi-frère, François, tout à la fois communiste et résistant, et à la déportation de sa belle sœur, juive, et de ses neveux ?

Tout au long de la minutieuse et palpitante enquête, les fantômes de la famille vont être convoqués, soit sous la forme incarnée de deux comédiens qui campent le père et le grand-père de Sophie, soit sous la forme fantasmatique de projections vidéos. C’est un peu comme si les sculptures de soie de Sophie prenaient ainsi formes humaines, celles des personnages du passé familial, et que la légèreté de la soie peu à peu se densifie de la pesanteur de la grande Histoire et des petites histoires emmêlées. Sophie créait des poupées désincarnées, Paul-Abdul va lui apporter de la matière charnelle pour que les fantômes puissent s’emparer de l’espace, le traverser, et, enfin, disparaître à jamais. On assiste ainsi à une sorte de séance analytique en œuvre ou à un exorcisme laïque dont la morale serait : il faut revisiter le passé pour permettre au présent d’exister totalement.

Tout dans ce spectacle est une profondeur émouvante : depuis le jeu des comédiens, tous remarquables, les apparitions fantomatiques très bien réalisées, la mise en scène brillante et jusqu’à la bande son frémissante d’émotion signée Mme Miniature.

↘ Production : Reine Blanche Productions
TEXTE=Élisabeth Bouchaud, adaptation du roman Le livre de raison de Jacques Attali (Ed. Fayard)
MISE EN SCÈNE=Élisabeth Bouchaud + Benoît Di Marco
JEU=Adrien Madinier + Matila Malliarakis + Isis Ravel + Nicolas Vial
AVEC LA PARTICIPATION DE=Élisabeth Bouchaud + Benoît Di Marco + Hervé Dubourjal + Clémentine Lebocey
SCÉNOGRAPHIE=Luca Antonucci
CRÉATION LUMIÈRES=Philippe Sazerat
CRÉATION VIDÉO=Thomas Bouvet
CRÉATION SON=Mme Miniature + Tom Beauseigneur
COSTUMES=Thelma Di Marco Bourgeon + Élise Massih Mevel

Du 16 avril au 17 mai 2026

Théâtre de la Reine Blanche,2 bis Pass. Ruelle- 75018 Paris

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Telles sont donc les données de la tragédie : le pouvoir impose au peuple des lois ou des décrets, au nom d’une certaine rigueur morale ou d’une certaine nécessité politique, mais certains, parfois, parmi les plus chétifs, parmi les plus humbles, refusent d’appliquer ces lois ou ces décrets. Les valeurs humaines s’opposent aux diktats institutionnels, l’âme s’oppose au pouvoir, l’humanité à l’ordre.

On imagine sans mal la résonance que dût avoir la pièce d’Anouilh dans la France de 1944. L’œuvre est créée au Théâtre de l’Atelier, le 4 février 1944, dans un pays occupé depuis quatre années. La guerre prive Paris d’électricité, et, il a beau faire très froid cet hiver-là, le toit du théâtre est percé afin de pouvoir jouer à la lumière du jour. On raconte que Suzanne Flon, qui tenait le rôle d’Ismène, était obligée de porter un pantalon de ski sous sa robe de soirée pour résister au froid.

Dans ce contexte de l’occupation, l’appel à la désobéissance civile que professait Anouilh devait sonner comme un vrai coup de tonnerre. Difficile, pour les spectateurs, de ne pas songer à la situation politique du pays, devant ce récit édifiant d’une femme seule qui résiste aux ordres d’un Roi et à la passivité d’un pays.

Aujourd’hui encore, Antigone est une héroïne qui parle à tous, dans toutes les situations où des minorités opprimées tentent de faire entendre leur voix face aux mesures imposées par les puissants. Les Antigone, aujourd’hui, portent un gilet jaune.

En 2026, au Poche Montparnasse, Didier Long propose une mise en scène épurée à l’extrême. Les six comédiens présents en permanence sur la scène, soit « éteints » assis, en fond de scène, sur des cubes inégaux, soit « éveillés » à l’avant-scène, tiennent tous les rôles et se répartissent également celui du chœur antique, et, en plus, ils assurent la bande-son faite de mélopées, de chants traditionnels et de percussions.

Si Hermine Granville, dans le rôle d’Antigone, manque quelque peu de présence tragique, en revanche Eric Laugérias campe un Créon impressionnant, et, dans l’ensemble, ce spectacle est crédible et émouvant.

Photos : Sébastien Toubon, Copyright

De Jean ANOUILH

Mise en scène Didier LONG

Avec Éric LAUGÉRIAS

Hermine GRANVILLE

Cassandre de KERRAOUL

Valérie VOGT ou Séverine VINCENT

Robin HAIRABIAN

Antony COCHIN ou Didier LONG

Jusqu’au 12 juillet 2026, du mardi au samedi à 21h, le dimanche à 17h

Théâtre Poche Montparnasse – 75 boulevard du Montparnasse – 75006 Paris

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Simplement, c’est vite dit : encore fallait-il deviner que ce texte, savoureux comme un ragoût d’exception mijoté par un chef, pouvait, tel quel ou presque, s’imposer sur une scène. Encore fallait-il être sensible au fait qu’en racontant l’histoire de l’infortunée Félicité, Flaubert en avait systématiquement adopté le point de vue et que, tout aussi bien, pour parodier une formule célèbre, il aurait pu déclarer : « Félicité, c’est moi ».

Félicité, elle porte un nom qui la destine d’emblée aux honneurs quand sa vie n’en sera que la négation absolue. Elle est fille de rien, née de pas grand-chose, sans culture ni éducation, ne sachant ni lire ni écrire et pas davantage compter, n’ayant pour tout bien sur cette terre que son bon sens et sa bonhomie : bref, un cœur simple !

Et Félicité, elle qui ne sait rien faire, va consacrer ses forces et sa vie à faire pour les autres : pour un ingrat goujat rencontré par hasard, pour sa maîtresse Madame Aubain, pour les enfants de celle-ci, Paul et Virginie, pour son neveu, Victor, et enfin pour Loulou, qui n’est autre qu’un perroquet.

Et à ces êtres qu’elle sert, qu’elle aide, qu’elle aime, Félicité va donner une valeur sacrée : son véritable Dieu à elle, ce n’est pas celui des églises, ce sera celui ou celle à qui elle va offrir de l’amour, au point de confondre son dernier amour terrestre, le perroquet Loulou, avec l’Esprit saint des Évangiles.

Et si cette femme ne sait rien des choses de l’esprit, rien de ce qui doit se faire ou se dire dans le beau monde, rien de ce qui marque et impressionne en société, en revanche, cette femme sait aimer les autres, au point de risquer sa vie face à un taureau furieux, au point d’affronter la nuit, les kilomètres de marche, le danger, pour aider, soutenir, encourager.

Et sur les grandioses et amères déchirures d’archet du 14^e quatuor de Schubert, dans un décor épuré de planches de bois disposées en croix, Isabelle Andréani, outre son immense talent de comédienne, use de son embonpoint sympathique, tour à tour grotesque et touchant, pour nous raconter cette histoire bouleversante : rien peut-être au monde n’est plus complexe à comprendre qu’un cœur de femme lorsqu’il est simple !

Photos : Laurencine Lot

Adaptation : Isabelle Andréani

Mise en scène : Xavier Lemaire

Avec : Isabelle Andréani

Scénographie : Caroline Mexme

LES DIMANCHES à 15h, jusqu’au 31 avril

Théâtre Poche Montparnasse – 75 boulevard du Montparnasse – 75006 Paris

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Au sol, un large tapis très usé, un petit meuble bas supportant des statuettes votives, souvenirs sans doute de quelque voyage, et un cendrier, une chaise de bois et, inévitable, un divan. Dans l’air ambiant règne encore la fumée des innombrables cigares en ces lieux consommés. C’est alors que surviennent, tout doucement, les notes acides et mélancoliques de l’adagietto de la cinquième Symphonie de Mahler tandis que sont projetés sur un grand écran des images hésitantes en noir et blanc, qui sont, probablement, celles d’un rêve ou d’un fantasme auquel, ordinairement, on a si peu accès.

Et le voici qui entre, marchant à petit pas las, terriblement vieilli, courbé, prostré, et qu’on le reconnaît.

Nous sommes à Vienne en 1934, Sigmund Freud a 78 ans et il lutte, tout à la fois, contre la bête immonde de l’extérieur, ce chancelier allemand qui menace d’envahir son pays, et contre l’autre bête, celle de l’intérieur, ce cancer de la mâchoire qui le fait souffrir depuis longtemps et finira par avoir raison de lui.

Dans cette Autriche d’il y a à peine cent ans, Sigmund Freud, le père fondateur de la Psychanalyse, mène son dernier combat pour la vie et pour son œuvre.

Dans les discussions avec sa fille Anna (remarquable prestation faite d’intensité et de retenue de Moana Ferré) comme dans les monologues, Freud (Hervé Dubourjal, tout à la fois interprète brillant et metteur en scène délicat) s’interroge : le concept majeur de son œuvre, celui d’œdipe, a été créé l’année même de la mort de son propre père, Jakob, et ce concept est issu de la tragédie grecque de Sophocle dont il a, involontairement, gommé  une part essentielle.

Anna, sa fille, est passée, dans les dernières années viennoises, du statut de patiente de son père à celui d’analyste du même. Aurait-elle raison ? Et si les bases mêmes de la Psychanalyse, cette invention fondamentale de la thérapie psychique, reposait sur des bases fragiles, faussées dans leurs conceptions mêmes ? Et si, au final, Freud, en culpabilisant la victime, avait offert au coupable masculin l’impunité absolue ?

Le texte d’Aude de Tocqueville et Jean-Marie de Sinety interroge les certitudes de la grande Révolution, celle de l’inconscient. On aborde au passage les alternatives possibles, celle de Jung et celle de Lacan.

Outre l’intérêt absolument vital de ces interrogations, le spectacle Freud dernier combat est une expérience théâtrale troublante. La configuration même de la petite salle de la Reine blanche, le dispositif scénique bi-frontal, autant que le jeu remarquable des comédiens, crée une sorte d’effet de vraisemblance rare, quelque chose, pour reprendre une formule freudienne, d’une « inquiétante étrangeté ». Comme si notre présence à nous, public, n’était que tolérée et temporaire tout autour de ce père qui pleure et de cette fille qui soigne.

TEXTE=Aude de Tocqueville + Jean-Marie de Sinety
MISE EN SCÈNE=Hervé Dubourjal
AVEC=Hervé Dubourjal + Moana Ferré
DÉCOR=Emmanuelle Verani
LUMIÈRES=Jean-Marie Prouvèze
COSTUMES=Sandrine Weill
VIDÉO=Jean Allevato

Du 10 avril au 3 mai 2026

Théâtre de la Reine Blanche,2 bis Pass. Ruelle- 75018 Paris

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Ce sera la table de la cuisine et, tout autour, trois chaises, alors que pourtant, lorsque le rideau se lève, ils ne sont que deux, la mère et le fils.

Comme si cette troisième chaise, forcément vide, n’était présente que pour évoquer le fantôme du père défunt, ce gynécologue qui se targuait de trop bien connaître les femmes. A moins que cette troisième chaise ne soit destinée à accueillir celle dont il va être question, quelque peu fantomatique elle aussi puisqu’elle apparaîtra pour mieux disparaître, l’invitée du fils, sa compagne de vie qu’il est venu, lui, le fils, présenter à sa mère.

« Une femme », telle sera la toute première réplique de la pièce, prononcée sur un ton tout à la fois interrogateur, étonné et suspicieux. C’est que, si le fils évoque la survenue dans sa vie de cette femme, Colette, l’interrogation, l’étonnement, la suspicion viennent du fait que, jusqu’à présent, dans la vie de ce fils artiste, écrivain, créateur, et puis perturbé, angoissé, traumatisé, il n’avait été question que d’hommes.

Alors ils s’en vont, la mère et le fils, détricoter l’intégralité de la grande tapisserie complexe de l’enfance, des heurts et malheurs, des jalousies et des peurs, des incidents et des maladresses qui ont fait sa vie à lui, à ce fils, qui font nos vies à tous.

Derrière les comédiens, l’espace est barré par un très long rideau de fils qui cache sans cacher, masque sans masquer, et derrière lequel ils vont, à tour de rôle, parfois même ensemble, s’évader, se réfugier, s’isoler : derrière ce rideau si peu rideau, c’est tout à la fois l’espace de la maison, les souvenirs, les lieux un peu abandonnés, là où se rangent les verres à vin qu’on n’a pas sorti depuis longtemps, et le passé qu’on n’a pas trop envie de sortir, et la larme qu’on n’a pas envie de voir couler, et l’inconscient, et le trop conscient…

Les grandes illusions, ce sont un peu toutes celles que ce fils a pu se faire durant sa vie, l’illusion d’avoir chassé les démons de l’enfance, l’illusion d’avoir pu se reconstruire, ou bien l’illusion de « normalité sociale » que peut représenter cette jeune fille présentée à la mère.

En composant ce dialogue incisif entre une mère et son fils, Arthur Dreyfus ne pouvait que l’interpréter lui-même tant ce texte comporte d’éléments autobiographique qui semblent encore fortement résonner en lui. C’est doux amer comme l’existence, tendre comme une lettre d’amour mais sévère comme un constat d’huissier : un très beau texte magnifiquement interprété par l’auteur et par la sublime Hélène Alexandridis.

Lundi-Vendredi à 19h30
Samedi 11 à 16h30
Samedi 18 à 16h30

Jusqu’au 18 avril 2026

Texte Arthur Dreyfus
Mise en scène Laurent Charpentier assisté par Yann Pichot 
Scénographie Gaspard Pinta
Création lumière Laïs Foulc
Création sonore Madame Miniature et Samuel Robineau

Durée : 1h15

Avec Hélène Alexandridis, Arthur Dreyfus, Louise Hardouin et Laurent Charpentier

Théâtre Les Plateaux Sauvages :- 5 rue des Plâtrières 75020 Paris

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Elle travaille dans une association à but humanitaire qui distribue de la nourriture aux nécessiteux, les rejetés du monde qui, eux, ont de sérieuses raisons de complexer. Elle est entourée, dans le boulot, dans un coin de Belleville, de tout un aréopage de collègues féminines sous la direction d’une patronne acariâtre et autoritaire, plus un factotum venu d’ailleurs, Axel, dont elle est secrètement amoureuse. La pauvrette est une lectrice assidue d’Eugène Onéguine, qui la fait littéralement rêver d’un monde meilleur, et, dans sa vie, depuis toujours, elle n’arrive pas à dire ce qu’elle pense, surtout si elle pense « Non », et, au surplus, elle est affublée d’un drôle de prénom : Cyrana.

Mais c’est surtout l’histoire d’une jeune et sympathique comédienne qui s’est créée, à elle toute seule, un « seule en scène » sur mesure en prenant comme idée centrale : Cyrano avait un grand nez, Cyrana, elle, a de grosses fesses. On passe du tarin aux miches. Et c’est sur cette base, qu’on avouera quelque peu fragile, qu’elle a bâti une heure et quart de spectacle et qu’elle tient, toute seule, le rôle principal, Cyrana, mais aussi toutes les collègues de Cyrana, et le factotum dont elle est amoureuse, et la patronne irascible, et la foule des nécessiteux.

Pour que l’ensemble puisse à peu près tenir debout et se lire, elle donne à ses personnages des expressions outrancières, des accents caractéristiques, des postures acrobatiques et un vocabulaire fleuri. C’est plein de gouaille et d’énergie, et l’on comprend évidemment pourquoi Jean-Pierre Jeunet (dans certains films duquel Juliette Wiatr est apparue) a été séduit : lui qui adore les caricatures ambulantes ne pouvait qu’adhérer au projet. Il ajoute la voix off venant commenter l’action et qui est devenue une sorte de marque de fabrique de sa création, plus quelques éclairages criards pour bien souligner le propos.

Mais l’ensemble tourne à vide et s’avère rapidement lassant : hormis une tirade des nez devenue tirade des fesses et qui peut engendrer un sourire, le reste de « l’adaptation » et de la modernisation de Cyrano de Bergerac reste dépourvu d’intérêt. L’opposition entre l’apparence disgracieuse de Cyrano et l’extrême raffinement de son expression verbale et écrite trouvait sa place dans le cadre de la préciosité, situation d’époque : difficile de croire, aujourd’hui, à une relation amoureuse qui se fonderait sur la galanterie du vocabulaire et des formules. Nous sommes à l’ère d’Internet, du porno en vente libre et de l’amour abonné à Meetic. C’est un peu étrange de gommer, comme le fait Juliette Wiatr,  ce qui constitue la densité même de la société actuelle. Rostand était nettement plus subtil mais n’est, hélas, pas Rostand qui veut !

• Texte : Juliette Wiatr
• Mise en scène : Jean-Pierre Jeunet et Pierre-Louis Gallo
• Interprétation : Juliette Wiatr
• Durée: 1h15

Du 25 mars au 11 avril 2026 avec dates exceptionnelles les samedis 18 et 25 avril à 21h et les dimanches 19 et 26 avril à 17h.

Théâtre La Manufacture des Abbesses :- 7 rue Véron 75018 Paris

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Rien n’a encore été dit mais la tension dramatique est déjà présente.

Lui, c’est Alexeï Navalny, le principal opposant au régime de Poutine, l’homme qui a osé se présenter aux élections présidentielles, qui a osé tenir tête au régime. Elle, c’est Yulia, la compagne de toujours d’Alexeï, le soutien de ses combats, son inspiratrice, sa force autant que son épouse. Et l’on est quelque part,  à Berlin, un jour de janvier 2021. Alexeï a décidé de repartir à Moscou. Il vient de l’apprendre à Yulia. Alexeï a subi une tentative d’empoisonnement, il se remet à peine et difficilement de 18 jours de coma et il sait, pertinemment, qu’à peine arrivé à Moscou, il se retrouvera incarcéré, sommairement jugé, inévitablement condamné, perdu.

Alexeï et Yulia : ils sont deux, deux contre le temps qui cogne, deux contre la mort qui rode, deux contre la folie de certains hommes. Et voilà qu’il lui annonce qu’il va partir, qu’il va la quitter, qu’il va mourir. Et elle ne veut pas, elle s’oppose, elle veut le retenir. À tout prix.

Sous leurs pieds, un grand rectangle, semblable à un tatami ou à un ring de boxe, de couleur rouge, sur lequel ils vont et viennent, vêtus de noir, comme s’ils s’affrontaient à grand coups de mots, d’idées, d’arguments.

D’un côté le devoir, la fidélité à ses principes, la nécessité morale de l’engagement, de l’autre la vie, le bonheur, le droit de garder autour de soi les bras de celle qu’on aime. Le choix est impossible…

Leur partition, à tous deux, est rude, courageuse, essentielle. Les échanges verbaux sont âpres et poétiques à la fois, comme dans les meilleurs moments des Justes de Camus, lorsque l’échange philosophique se drape de l’émotion du vécu et des sentiments humains. Il y a là de quoi alimenter une thèse d’état en plusieurs milliers de pages et de quoi pleurer le restant de ses jours. Et cela nous parle, à nous, de la nécessité de résister, de la légitimité de mourir pour ses convictions à défaut de pouvoir vivre pour son bonheur.

Ce texte bouleversant, qui est l’œuvre à quatre mains de Sabrina Kouroughil et Gaëtan Vassart, est né d’une absence de texte : cette pièce vient d’une pièce qui n’est plus. Dans son journal de prison, Alexeï Navalny regrette énormément qu’on lui confisque tous ses écrits, et, en particulier, un dialogue auquel il tenait et qu’il avait composé en reconstituant le dialogue qu’il avait eu avec son épouse, Yulia, la veille de son retour en Russie. Le dialogue original est retourné au néant, détruit par la dictature de Poutine. Mais ce spectacle, l’œuvre de Sabrina et Gaëtan, le fait renaître : un très bel exemple de phénix théâtral !

Texte, mise en scène et jeu Sabrina Kouroughli et Gaëtan Vassart
Conseil dramaturgique Marion Stoufflet
Lumières Erik Priano
Son Christophe Séchet

Théâtre de Belleville, 16 passage Piver- 75011 Paris

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