Au sol, un large tapis très usé, un petit meuble bas supportant des statuettes votives, souvenirs sans doute de quelque voyage, et un cendrier, une chaise de bois et, inévitable, un divan. Dans l’air ambiant règne encore la fumée des innombrables cigares en ces lieux consommés. C’est alors que surviennent, tout doucement, les notes acides et mélancoliques de l’adagietto de la cinquième Symphonie de Mahler tandis que sont projetés sur un grand écran des images hésitantes en noir et blanc, qui sont, probablement, celles d’un rêve ou d’un fantasme auquel, ordinairement, on a si peu accès.

Et le voici qui entre, marchant à petit pas las, terriblement vieilli, courbé, prostré, et qu’on le reconnaît.

Nous sommes à Vienne en 1934, Sigmund Freud a 78 ans et il lutte, tout à la fois, contre la bête immonde de l’extérieur, ce chancelier allemand qui menace d’envahir son pays, et contre l’autre bête, celle de l’intérieur, ce cancer de la mâchoire qui le fait souffrir depuis longtemps et finira par avoir raison de lui.

Dans cette Autriche d’il y a à peine cent ans, Sigmund Freud, le père fondateur de la Psychanalyse, mène son dernier combat pour la vie et pour son œuvre.

Dans les discussions avec sa fille Anna (remarquable prestation faite d’intensité et de retenue de Moana Ferré) comme dans les monologues, Freud (Hervé Dubourjal, tout à la fois interprète brillant et metteur en scène délicat) s’interroge : le concept majeur de son œuvre, celui d’œdipe, a été créé l’année même de la mort de son propre père, Jakob, et ce concept est issu de la tragédie grecque de Sophocle dont il a, involontairement, gommé  une part essentielle.

Anna, sa fille, est passée, dans les dernières années viennoises, du statut de patiente de son père à celui d’analyste du même. Aurait-elle raison ? Et si les bases mêmes de la Psychanalyse, cette invention fondamentale de la thérapie psychique, reposait sur des bases fragiles, faussées dans leurs conceptions mêmes ? Et si, au final, Freud, en culpabilisant la victime, avait offert au coupable masculin l’impunité absolue ?

Le texte d’Aude de Tocqueville et Jean-Marie de Sinety interroge les certitudes de la grande Révolution, celle de l’inconscient. On aborde au passage les alternatives possibles, celle de Jung et celle de Lacan.

Outre l’intérêt absolument vital de ces interrogations, le spectacle Freud dernier combat est une expérience théâtrale troublante. La configuration même de la petite salle de la Reine blanche, le dispositif scénique bi-frontal, autant que le jeu remarquable des comédiens, crée une sorte d’effet de vraisemblance rare, quelque chose, pour reprendre une formule freudienne, d’une « inquiétante étrangeté ». Comme si notre présence à nous, public, n’était que tolérée et temporaire tout autour de ce père qui pleure et de cette fille qui soigne.

TEXTE=Aude de Tocqueville + Jean-Marie de Sinety
MISE EN SCÈNE=Hervé Dubourjal
AVEC=Hervé Dubourjal + Moana Ferré
DÉCOR=Emmanuelle Verani
LUMIÈRES=Jean-Marie Prouvèze
COSTUMES=Sandrine Weill
VIDÉO=Jean Allevato

Du 10 avril au 3 mai 2026

Théâtre de la Reine Blanche,2 bis Pass. Ruelle- 75018 Paris

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Ce sera la table de la cuisine et, tout autour, trois chaises, alors que pourtant, lorsque le rideau se lève, ils ne sont que deux, la mère et le fils.

Comme si cette troisième chaise, forcément vide, n’était présente que pour évoquer le fantôme du père défunt, ce gynécologue qui se targuait de trop bien connaître les femmes. A moins que cette troisième chaise ne soit destinée à accueillir celle dont il va être question, quelque peu fantomatique elle aussi puisqu’elle apparaîtra pour mieux disparaître, l’invitée du fils, sa compagne de vie qu’il est venu, lui, le fils, présenter à sa mère.

« Une femme », telle sera la toute première réplique de la pièce, prononcée sur un ton tout à la fois interrogateur, étonné et suspicieux. C’est que, si le fils évoque la survenue dans sa vie de cette femme, Colette, l’interrogation, l’étonnement, la suspicion viennent du fait que, jusqu’à présent, dans la vie de ce fils artiste, écrivain, créateur, et puis perturbé, angoissé, traumatisé, il n’avait été question que d’hommes.

Alors ils s’en vont, la mère et le fils, détricoter l’intégralité de la grande tapisserie complexe de l’enfance, des heurts et malheurs, des jalousies et des peurs, des incidents et des maladresses qui ont fait sa vie à lui, à ce fils, qui font nos vies à tous.

Derrière les comédiens, l’espace est barré par un très long rideau de fils qui cache sans cacher, masque sans masquer, et derrière lequel ils vont, à tour de rôle, parfois même ensemble, s’évader, se réfugier, s’isoler : derrière ce rideau si peu rideau, c’est tout à la fois l’espace de la maison, les souvenirs, les lieux un peu abandonnés, là où se rangent les verres à vin qu’on n’a pas sorti depuis longtemps, et le passé qu’on n’a pas trop envie de sortir, et la larme qu’on n’a pas envie de voir couler, et l’inconscient, et le trop conscient…

Les grandes illusions, ce sont un peu toutes celles que ce fils a pu se faire durant sa vie, l’illusion d’avoir chassé les démons de l’enfance, l’illusion d’avoir pu se reconstruire, ou bien l’illusion de « normalité sociale » que peut représenter cette jeune fille présentée à la mère.

En composant ce dialogue incisif entre une mère et son fils, Arthur Dreyfus ne pouvait que l’interpréter lui-même tant ce texte comporte d’éléments autobiographique qui semblent encore fortement résonner en lui. C’est doux amer comme l’existence, tendre comme une lettre d’amour mais sévère comme un constat d’huissier : un très beau texte magnifiquement interprété par l’auteur et par la sublime Hélène Alexandridis.

Lundi-Vendredi à 19h30
Samedi 11 à 16h30
Samedi 18 à 16h30

Jusqu’au 18 avril 2026

Texte Arthur Dreyfus
Mise en scène Laurent Charpentier assisté par Yann Pichot 
Scénographie Gaspard Pinta
Création lumière Laïs Foulc
Création sonore Madame Miniature et Samuel Robineau

Durée : 1h15

Avec Hélène Alexandridis, Arthur Dreyfus, Louise Hardouin et Laurent Charpentier

Théâtre Les Plateaux Sauvages :- 5 rue des Plâtrières 75020 Paris

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Elle travaille dans une association à but humanitaire qui distribue de la nourriture aux nécessiteux, les rejetés du monde qui, eux, ont de sérieuses raisons de complexer. Elle est entourée, dans le boulot, dans un coin de Belleville, de tout un aréopage de collègues féminines sous la direction d’une patronne acariâtre et autoritaire, plus un factotum venu d’ailleurs, Axel, dont elle est secrètement amoureuse. La pauvrette est une lectrice assidue d’Eugène Onéguine, qui la fait littéralement rêver d’un monde meilleur, et, dans sa vie, depuis toujours, elle n’arrive pas à dire ce qu’elle pense, surtout si elle pense « Non », et, au surplus, elle est affublée d’un drôle de prénom : Cyrana.

Mais c’est surtout l’histoire d’une jeune et sympathique comédienne qui s’est créée, à elle toute seule, un « seule en scène » sur mesure en prenant comme idée centrale : Cyrano avait un grand nez, Cyrana, elle, a de grosses fesses. On passe du tarin aux miches. Et c’est sur cette base, qu’on avouera quelque peu fragile, qu’elle a bâti une heure et quart de spectacle et qu’elle tient, toute seule, le rôle principal, Cyrana, mais aussi toutes les collègues de Cyrana, et le factotum dont elle est amoureuse, et la patronne irascible, et la foule des nécessiteux.

Pour que l’ensemble puisse à peu près tenir debout et se lire, elle donne à ses personnages des expressions outrancières, des accents caractéristiques, des postures acrobatiques et un vocabulaire fleuri. C’est plein de gouaille et d’énergie, et l’on comprend évidemment pourquoi Jean-Pierre Jeunet (dans certains films duquel Juliette Wiatr est apparue) a été séduit : lui qui adore les caricatures ambulantes ne pouvait qu’adhérer au projet. Il ajoute la voix off venant commenter l’action et qui est devenue une sorte de marque de fabrique de sa création, plus quelques éclairages criards pour bien souligner le propos.

Mais l’ensemble tourne à vide et s’avère rapidement lassant : hormis une tirade des nez devenue tirade des fesses et qui peut engendrer un sourire, le reste de « l’adaptation » et de la modernisation de Cyrano de Bergerac reste dépourvu d’intérêt. L’opposition entre l’apparence disgracieuse de Cyrano et l’extrême raffinement de son expression verbale et écrite trouvait sa place dans le cadre de la préciosité, situation d’époque : difficile de croire, aujourd’hui, à une relation amoureuse qui se fonderait sur la galanterie du vocabulaire et des formules. Nous sommes à l’ère d’Internet, du porno en vente libre et de l’amour abonné à Meetic. C’est un peu étrange de gommer, comme le fait Juliette Wiatr,  ce qui constitue la densité même de la société actuelle. Rostand était nettement plus subtil mais n’est, hélas, pas Rostand qui veut !

• Texte : Juliette Wiatr
• Mise en scène : Jean-Pierre Jeunet et Pierre-Louis Gallo
• Interprétation : Juliette Wiatr
• Durée: 1h15

Du 25 mars au 11 avril 2026 avec dates exceptionnelles les samedis 18 et 25 avril à 21h et les dimanches 19 et 26 avril à 17h.

Théâtre La Manufacture des Abbesses :- 7 rue Véron 75018 Paris

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Rien n’a encore été dit mais la tension dramatique est déjà présente.

Lui, c’est Alexeï Navalny, le principal opposant au régime de Poutine, l’homme qui a osé se présenter aux élections présidentielles, qui a osé tenir tête au régime. Elle, c’est Yulia, la compagne de toujours d’Alexeï, le soutien de ses combats, son inspiratrice, sa force autant que son épouse. Et l’on est quelque part,  à Berlin, un jour de janvier 2021. Alexeï a décidé de repartir à Moscou. Il vient de l’apprendre à Yulia. Alexeï a subi une tentative d’empoisonnement, il se remet à peine et difficilement de 18 jours de coma et il sait, pertinemment, qu’à peine arrivé à Moscou, il se retrouvera incarcéré, sommairement jugé, inévitablement condamné, perdu.

Alexeï et Yulia : ils sont deux, deux contre le temps qui cogne, deux contre la mort qui rode, deux contre la folie de certains hommes. Et voilà qu’il lui annonce qu’il va partir, qu’il va la quitter, qu’il va mourir. Et elle ne veut pas, elle s’oppose, elle veut le retenir. À tout prix.

Sous leurs pieds, un grand rectangle, semblable à un tatami ou à un ring de boxe, de couleur rouge, sur lequel ils vont et viennent, vêtus de noir, comme s’ils s’affrontaient à grand coups de mots, d’idées, d’arguments.

D’un côté le devoir, la fidélité à ses principes, la nécessité morale de l’engagement, de l’autre la vie, le bonheur, le droit de garder autour de soi les bras de celle qu’on aime. Le choix est impossible…

Leur partition, à tous deux, est rude, courageuse, essentielle. Les échanges verbaux sont âpres et poétiques à la fois, comme dans les meilleurs moments des Justes de Camus, lorsque l’échange philosophique se drape de l’émotion du vécu et des sentiments humains. Il y a là de quoi alimenter une thèse d’état en plusieurs milliers de pages et de quoi pleurer le restant de ses jours. Et cela nous parle, à nous, de la nécessité de résister, de la légitimité de mourir pour ses convictions à défaut de pouvoir vivre pour son bonheur.

Ce texte bouleversant, qui est l’œuvre à quatre mains de Sabrina Kouroughil et Gaëtan Vassart, est né d’une absence de texte : cette pièce vient d’une pièce qui n’est plus. Dans son journal de prison, Alexeï Navalny regrette énormément qu’on lui confisque tous ses écrits, et, en particulier, un dialogue auquel il tenait et qu’il avait composé en reconstituant le dialogue qu’il avait eu avec son épouse, Yulia, la veille de son retour en Russie. Le dialogue original est retourné au néant, détruit par la dictature de Poutine. Mais ce spectacle, l’œuvre de Sabrina et Gaëtan, le fait renaître : un très bel exemple de phénix théâtral !

Texte, mise en scène et jeu Sabrina Kouroughli et Gaëtan Vassart
Conseil dramaturgique Marion Stoufflet
Lumières Erik Priano
Son Christophe Séchet

Théâtre de Belleville, 16 passage Piver- 75011 Paris

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Tel est le postulat de départ de cette pièce qui nous conte la détresse du couple, le terrifiant cheminement médical dans l’univers du cancer, l’horreur du décès, l’extrême difficulté du deuil et de la reconstruction.

Ils sont cinq sur la scène, quatre femmes et un homme, pour incarner les parents du bébé et tout l’entourage : les proches, les parents des parents, les médecins, le personnel soignant, les parents des autres enfants, les amis…

Certes, le sujet est touchant et fort : il était par conséquent superflu de recourir au pathos pour le traiter. C’est pourtant le parti-pris qui a été choisi par la compagnie « Les Wonderbiches » pour entreprendre ce ballet morbide autour d’un bébé poupée de chiffon qu’on enlace, qu’on embrasse, qu’on ausculte, qu’on caresse, qu’on soigne, qu’on pique, qu’on veut réparer, etc.

L’ensemble est sympathique et l’on voit bien que les comédiens déploient toutes leurs forces et leurs capacités mais il demeure peu convaincant. Et que dire, que penser, de cet espace scénique limité, côté jardin et côté cour, par des cordes comme un ring de boxe ? Le spectacle, d’ailleurs, commence, de façon très incongrue, par deux comédiennes en train de s’échauffer sur ce supposé ring. On voit la métaphore bien entendu, « la vie est une lutte, un perpétuel combat, il faut se relever à chaque fois, ne pas céder à l’adversaire, être fort, etc » mais justement, la métaphore est tellement évidente qu’elle en devient lourde à être ainsi tout le long rappelée par le dispositif scénique.

Quant à la progression dramatique, elle est accidentée, peu lisible, emplie de moments qui n’apportent rien et font retomber le petit peu d’émotion qui était né au moment du décès de l’enfant.

Le témoignage écrit par Chloé Duperrin, le livre qui est à l’origine de la pièce, est sans nul doute important, pour elle, et l’adaptation et la mise en scène de Cécile Parichet sont louables, et généreux, mais que peut nous apporter un tel spectacle ? L’exemple individuel est bien entendu émouvant, comme le serait n’importe quel récit d’un moment de vie délicat fait par n’importe lequel d’entre nous, les humains, mais en quoi cet exemple peut-il nous concerner et déboucher sur une prise de conscience ou un désir de changement ? Ce n’est pas avec des bons sentiments qu’on fait de bons spectacles.

• De : Chloé Duperrin
• Adaptation : Cécile Parichet
• Mise en scène : Cécile Parichet
• Avec : Alexi Ridgway, Cécile Parichet, Yelu Bao, Sarah Eskenazi, Marine Manec’h, Julien Massetti, Romane Noulé

Jusqu’au 5 mai 2026

Théâtre Le Funambule Montmartre, 53 rue des Saules- 75018 Paris

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Or, non seulement on en parle peu, ou pas, mais le problème est entretenu, et quasi encouragé, par les réseaux sociaux et un certain nombre de ces défis absurdes qu’aiment à se lancer les jeunes entre eux,pour s’affirmer, se différencier, s’exprimer.

Les TCA concernent majoritairement les femmes car ce sont elles, dans leur grande majorité, encore maintenant en 2026, qui sont victimes de la dictature des apparences, de l’obligation de se conformer à des stéréotypes de beauté et de minceur, de s’aligner sur l’image des magazines et des peoples. « Les vaches laitières » s’intitule le spectacle d’Aurélie Bargème car telle est l’expression dont elle s’est vue, elle, Aurélie Bargème, publiquement affublée à une période de sa vie. Et il en est bien d’autres encore, tout aussi méprisantes, insultantes, monstrueuses, tant une femme n’a pas le droit, ne peut pas, être différente, trop grosse ou trop maigre, trop différente de ce qu’on attend d’une femme. De cette situation nous sommes tous co-responsables, tous, les hommes bien entendu, mais également certaines femmes.

Aurélie Bargème s’en est allée puiser dans son propre vécu pour écrire ce spectacle étonnant, original et déstabilisant. Qu’on ne s’y trompe pas, s’il est question d’un thème grave et douloureux, le spectacle, lui, demeure joyeux, drôle et tonifiant : on est ému mais on ne pleure pas, on est touché mais on n’en meurt pas, on est concerné et c’est tant mieux.

Pour œuvrer, Aurélie Bargème, qui tient le rôle principal de Victoire (un avatar d’elle-même) s’est entourée de Maxime Perrin, excellent musicien capable de créer une ambiance tout à la fois rythmée et élégante à l’accordéon, au clavier et aux percussions, et de Marie Petiot, éblouissante comédienne, véritable lutin endiablé capable de donner vie à toute une pléiade de personnages, à la fois drôlatiques et, à chaque fois, justes, qui vont de l’adolescente dégingandée à la vieillarde rigide en passant par la psy incongrue.

La mise en scène de Didier Brice est brillante, avec ce rideau transparent qui permet de voyager dans le passé, quand les comédiens sont derrière, au présent quand ils sont devant, et cet immense réfrigérateur, symbole, ô combien, de la nourriture emmagasinée et du ventre nourricier, que son absence de fond transforme, lorsque les comédiens s’y introduisent, en lieu de transition, tunnel vers l’ailleurs, ouverture sur soi-même…

Le tout est drôle, enlevé, énergique, mené avec brio et bonne humeur, pour nous compter, sur le ton de la blague, de la comédie, de la confidence complice, l’Odyssée tragique du rapport faussé qu’une jeune femme a pu mener avec la nourriture qu’elle ingérait, de l’engrenage atroce entre boulimie et vomissement, du voyage absurde du Charybde de la prise de poids en Scylla de la tentative risible de régime.

Au passage, le spectacle aborde le problème des causes ( la religion, la famille, les autres, l’éducation, la normalité, la société) celui des conséquences tant physiques que psychiques, et ce n’est jamais ni lourd ni désespérant, car l’autrice a su trouver le très juste équilibre entre le récit de son expérience individuelle et ce qui peut concerner les données collectives du mal. Un spectacle à conseiller vivement à tout le monde, jeunes et moins jeunes, car il met en lumière pas mal des impasses dans lesquelles se trouve notre société contemporaine. Les vaches laitières ont aussi de beaux yeux est une œuvre de salubrité publique.

de et avec Aurélie Bargème

Photos : Jean Reynès

autrice Aurélie Bargème

mise en scène Didier Brice 

avec Aurélie Bargème, Marie Petiot, Maxime Perrin

création lumières Moïse Hill

musique originale Maxime Perrin

chorégraphie Nathalie Lefèvre

décor Florian Guerbe

production La compagnie 172 

durée 1h15

Du 10 mars au 29 avril 2026

Théâtre Le Funambule Montmartre, 53 rue des Saules- 75018 Paris

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Et d’abord, bien sûr, tout naturellement, il nous met en garde contre la plus grande escroquerie au monde, l’imposture généralisée, le traditionnel jeu de dupes, et qui, nonobstant, continue d’alimenter, sans faiblir, les réseaux sociaux, la littérature (grande ou petite), le cinéma, les séries télés et les propriétaires de sites de rencontres : l’amour, le grand, le vrai, l’éternel, l’immortel, celui qui provoque le coup de foudre et la passion insurpassable, celui des comédies romantiques et des fantasmes d’adolescents que nous sommes encore tous.

Il prend place dans le fauteuil rose, le docteur Love, et, à la façon d’un animateur de radio, il écoute, par téléphone via le standard, les questions d’auditeurs imaginaires : autant de questions et autant de thèmes abordés. Il y aura la fidélité, la longévité du couple, le besoin de sexualité, le rapport à la tendresse, les relations homosexuelles, l’importance (ou la non importance) du poil et de l’érection, etc.

Yves Cusset, le docteur Love, c’est une silhouette un peu dégingandée et bedonnante, quelque part entre Jim Carrey, Jerry Lewis et Gaston Lagaffe, avec l’état d’esprit d’un anarchiste libertaire qui fréquenterait Charlie Hebdo, et Yves Cusset nous déconstruit l’amour au nom de la liberté, de la tolérance et d’une certaine façon de gagner enfin l’égalité hommes femmes, d’abolir les fadaises sur la virilité masculine et de conquérir une vraie autonomie psychologique des individus, sans drogues ni anti-dépresseurs. Chemin faisant, Yves Cusset cite, sans la moindre hiérarchie ni le moindre jugement de valeur, Verlaine, Mallarmé, Kierkegaard, Charles Trenet, Aya Nakamura, Barbara, Coluche, Didier Barbelivien, et bien d’autres encore. Yves Cusset possède un sens de la formule et un amour des jeux de mots dignes tout autant de Jacques Lacan que de Raymond Devos. Son spectacle tente de redonner une authenticité aux rapports humains, qu’ils soient sociaux, sexuels ou autres, et de nous aider à sortir des clichés réactionnaires trop souvent égrenés par l’habitude, la tradition, la flemme ou les média. Il sera, cet été, à Avignon, avec son bagout, son imagination, sa culture et sa bonne humeur. N’oubliez pas d’aller lui faire signe : le personnage est des plus sympathiques, autant que des plus truculents, et son spectacle devrait être remboursé par la Sécurité sociale !

de et avec Yves Cusset

Théâtre Le Funambule Montmartre, 53 rue des Saules- 75018 Paris

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Tel est le point de départ de ce roman d’aventures paru en 1851 et qui raconte l’effroyable course à la mort qu’engageaient certains téméraires, comme le fit d’ailleurs Melville lui-même, pour rapporter des cadavres du plus grand mammifère de la planète.

La baleine était la victime d’une pêche intensive, outre sa chair, fréquemment consommée, on utilisait ses fanons pour les parapluies et les corsets, son huile raffinée comme moyen d’éclairage, son spermaceti pour les cosmétiques et son ambre gris pour la parfumerie. Autrement dit cette pêche aussi dangereuse que sauvage n’avait pas un intérêt commercial des plus criants, mais l’on était à l’ère où l’homme épuisait les ressources naturelles de la planète comme si elles avaient été à sa disposition personnelle.

Cet affrontement terrifiant de l’homme contre la bête, cette corrida maritime, n’avait finalement pour objet que de prouver à l’homme, par lui-même, sa toute puissance.

Achab face à Moby Dick, c’est Nemo face au calamar géant dans Jules Verne, c’est Gilliath face à la pieuvre dans Victor Hugo. Mais c’est aussi, d’une certaine manière, Saint-Michel face au dragon version laïque : le vainqueur n’est pas forcément celui qu’on croit, et les forces du bien ou du mal ne sont pas forcément aussi simplement réparties qu’on pourrait le penser. Car ici, la baleine est blanche, immaculée, comme l’espoir, comme la vie, comme la pureté, tandis qu’Achab est neurasthénique, acharné, porteur d’une pulsion de mort et d’une soif pathologique de revanche personnelle. Cette tragédie des océans est peut-être le premier psychodrame écologique de l’histoire de la Littérature : Achab veut se faire Dieu quand Moby Dick, symbole du renouveau éternel de la nature, le méprise.

Et cette fable titanesque aux accents shakespeariens (bien rendus par l’impeccable traduction d’Henriette Guex-Rolle), cette légende des mers nous est, ici, racontée par une autre légende, de la scène et du cinéma : Brigitte Fossey.

Et la dame est si manifestement « habitée » par son sujet, elle brûle de manière si évidente d’une fièvre intérieure, elle est si merveilleusement et habilement « habillée de lumière » par l’art de Jacques Rouveyrollis, qu’on en vient à totalement oublier qu’il ne s’agit après tout que d’une « lecture théâtralisée ». La petite dame arpente la scène, portant son texte d’une main, et manipulant les éléments d’un décor sommaire (un drap tendu, tout à la fois grande voile que l’on cargue et linceul pour les morts de la mer), avec, en guise de bande son, quelques extraits de la symphonie fantastique d’Hector Berlioz. Et le musicien romantique est très bien venu pour donner le ton parfait à cette « lecture fantastique ».

Lecture adaptée et interprétée par Brigitte FOSSEY

Traduction Henriette GUEX-ROLLE

Lumière : Jacques ROUVEYROLLIS

TOUS LES LUNDIS À 19H

Jusqu’au 30 mars 2026

Théâtre Poche Montparnasse – 75 boulevard du Montparnasse – 75006 Paris

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Un autre couple de même âge arrive : ce sont Paulo et Laura, les parents d’Antoine.

Quant au jeune couple, en revanche, il ne se présentera jamais : ils ont soigneusement organisé la soirée de façon à laisser les parents se débrouiller entre eux. Laurène et Antoine avait parfaitement anticipé que ce serait compliqué.

Tel est le point de départ, plaisant, de la comédie de Manon Rony, et l’on ne peut que songer, avec une telle intrigue, aux pièces et scénarios dont nous enchantèrent Agnès Jaoui et Jean-Pierre Bacry.

Les couples parentaux commencent à échanger, de manière un peu maladroite et gênée. Tout, absolument tout, les sépare : Richard est chirurgien dentiste, bien installé, à l’évidence, dans son petit confort bourgeois et Maureen n’a jamais travaillé à l’extérieur pour s’occuper de leurs trois filles, tandis que Paulo (Paul mais tout le monde dit Paulo), beaucoup plus familier, voire à la limite de la vulgarité, travaille dans l’informatique et que Laura est professeur de français en collège. On n’évolue pas dans les mêmes sphères, d’ailleurs on ne parle pas le même langage et l’on ne boit pas les mêmes alcools.

Les allusions perfides, les sous-entendus caustiques et les remarques un brin méprisantes se succèdent. Et plus la pesante (et parfaitement inutile) attente se poursuit, plus se creuse le fossé culturel, idéologique, philosophique entre les deux couples présents. On se bat, verbalement, à grand coups de « colonisation culturelles », de portefeuilles plus ou moins garnis, de misogynie implicite dans les Schtroumpf de Peyo et de soirées télés devant Cyril Hanounah.

L’Ouest parisien affronte l’Est, Neuilly attaque Belleville, la rue de Passy s’en prend au boulevard de Charonne. L’argument, sur le papier, est excellent, et les comédiens tous absolument irréprochables, mais si l’on songe à Jaoui-Bacry, c’est avec beaucoup de frustration et un peu de nostalgie.

L’affrontement entre les deux couples demeure, malgré tout, très « bon enfant » et se noie, finalement, dans une sorte de chamaillerie bien inoffensive. Les fleurets sont mouchetés et il s’en faut de beaucoup pour que l’aimable comédie satirique ne devienne une véritable analyse sociologique des enjeux de l’époque et des classes sociales.

C’est le « Vous permettez monsieur » de Salvatore Adamo, qui sera d’ailleurs diffusé en fin de spectacle, avec cette fameuse candeur douce-amère du chanteur belge : pas trop de piment dans la sauce, s’il vous plaît, de façon à ce que tout le monde puisse rire sans se sentir trop directement visé.

Un spectacle agréable mais qui n’échappe pas réellement aux clichés du boulevard le plus commun.

autrice Manon Rony

mise en scène Manon Rony

avec Pénélope Perdereau, Xavier Thiam, Julien Héteau, Salomé Mandelli

production Théâtre le Funambule Montmartre

durée 1h15

jusqu’au 26 avril 2026

Théâtre Le Funambule Montmartre, 53 rue des Saules- 75018 Paris

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Nous sommes en 1916, en pleine première guerre mondiale, plongés dans un caf conc’ parisien où la très grande danseuse, Mata Hari, va donner son ultime spectacle. Une légende nous est présentée avec laquelle on peut converser, échanger et trinquer.

Autour de Mata Hari gravitent la tenancière de l’établissement, un serveur, un aviateur russe, une mystérieuse étrangère et un commissaire qui n’est autre que le chef des services secrets français : ce sont ces cinq-là qui expliquent la situation au groupe de spectateurs dont ils ont la charge, et les poussent, les incitent, les conseillent, jusqu’à leur proposer d’écouter les conversations, de questionner les protagonistes et même de dérober des documents. Les spectateurs sont ainsi autant d’enquêteurs chargé de résoudre le mystère pesant autour du personnage de la célèbre danseuse : serait-elle vraiment, comme on le dit, une espionne ? Serait-elle un agent double ? Que faut-il penser de la légende qui l’entoure ? Quelles sont les motivations des autres protagonistes ?

Pas de salle à proprement parler, pas de scène et aucune séparation entre les comédiens et les spectateurs, mais uniquement des individus dans le même navire de l’immersion : une sorte de Cluedo grandeur nature et qui n’attend que notre faculté d’imagination, de déduction et d’amusement.

Sur le papier, c’est passionnant. Dans la réalité, ça l’est nettement moins. Le parti-pris adopté, vingt pour cent de canevas fixé et quatre-vingt pour cent d’improvisation, fait parfois flotter l’intérêt de l’ensemble. Et, au final, l’intrigue proposée est des plus minces. On a vraiment du mal à s’intéresser à ces personnages cousus d’un fil visiblement blanc et l’on déambule de la salle au bar et au cabinet de Mata Hari sans trop bien savoir ce qu’on y cherche. Mais serait-il vraiment possible d’autrement faire ?

Auteur : Tara Caillet

Artiste(s) : Carlotta Antonucci, Tara Caillet, Jimmy Condaminas, Etienne Faure, Joanna Flahault, Antoine Ody, Axel Stein-Kurdzielewicz

Mise en scène : Tara Caillet

Les samedis à 16h30, jusqu’au 25 avril 2026

Au Vieux Carré – 59 rue de Montreuil – 75011 Paris

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