Primé pour son scénario au 77e festival de Cannes, le deuxième film de Coralie Fargeat est bourré de références au genre ; on salue la prouesse de l’auteur-réalisatrice et des acteurs malgré la dernière demi-heure « too much »

Synopsis : « Avez-vous déjà rêvé d’une meilleure version de vous-même ? Vous devriez essayer ce nouveau produit : THE SUBSTANCE
Il a changé ma vie. Il permet de générer une autre version de vous-même, plus jeune, plus belle, plus parfaite.
Respectez les instructions : VOUS ACTIVEZ une seule fois ; VOUS STABILISEZ chaque jour ; VOUS PERMUTEZ tous les sept jours sans exception.
Il suffit de partager le temps. C’est si simple, qu’est-ce qui pourrait mal tourner ? »

Il y a de La métamorphose de Franz Kafka, du Portrait de Dorian Gray d’Oscar Wilde, de La mouche de David Cronenberg, de l’Elephant Man de David Lynch, de l’Alien de Ridley Scott voire un couloir angoissant tout tiré de Shining (Stanley Kubrick) et sans doute bien plus encore, au gré de votre culture. On apprécie dès les premières minutes les scènes courtes ingénieuses purement cinématographiques qui nous résument la substance et l’héroïne star déchue d’Hollywood, ainsi que son employeur (Dennis Quaid). Elisabeth (Demi Moore) nous apparaît d’abord telle une Jane Fonda, reconvertie dans une émission d’aérobic télévisée à succès. Cela fait un peu vintage, mais elle a l’air bien dans ses baskets, toujours aussi jolie, souple et class à la cinquantaine (Demi Moore a en réalité 61 ans). Tout va basculer très vite. Coralie Fargeat joue de l’image, des lumières et du son à pleine puissance, tout comme ses acteurs qui se donnent à fond. Dennis Quaid est écœurant, au moyen de gros plans, d’accoutrements kitsch, de mimiques et d’attitudes malotrues ponctuées de réflexions misogynes et vénales. Demi Moore a eu un sacré courage pour aller au bout de son personnage et revêtir la monstruosité révulsante qui grandit de façon exponentielle. Margaret Qualley , qui joue le double de Demi (sans jeu de mots) est entière (sans jeu de mots) dans son jeu et nous convainc, avec son regard troublant à la Eva Green. On apprécie le contraste entre la bimbo du XXIe siècle qui alterne avec la star has-been du XXe siècle. Au-delà de l’horreur, c’est un film féministe qui porte un regard sur l’image de la femme dans la société, et sur la société de l’image à l’ère des gravures de mode format influenceurs, des selfies et des réseaux sociaux. Ce film est extrêmement cru, et cruel. La dernière demi-heure, dans nos retranchements, on voudrait juste que la spirale infernale, presque grotesque, s’arrête. Mais Coralie Fargeat ne le voit pas de cet œil. Le spectacle digéré, à la réflexion, on respecte son choix de nous pousser à bout.

« The substance » de Coralie Fargeat, avec Demi Moore, Margaret Qualley, Dennis Quaid – Durée : 2h20 – Sortie : 6/11/2024

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Comme une série à bout de souffle : du réchauffé qui ne nous a pas impressionné

Synopsis : « Alors qu’il entreprend des fouilles dans une station spatiale abandonnée, un groupe de jeunes voyageurs se retrouve confronté à la forme de vie la plus terrifiante de l’univers… »

La recette Alien est connue, et il y a bien tous les ingrédients. Enfin, de notre point de vue de non spécialiste absolu, puisqu’il faut l’avouer, on s’était arrêté aux quatre premiers films. Le premier Alien, le huitième passager de Ridley Scott (1979) restera donc pour nous cultissime et vénéré. On avait l’affiche dans sa chambre d’ado, avec cet œuf aux couleurs et texture de satyre puant, le champignon ; excusez cette référence de mycologue en herbe à l’époque. Avec la mention glaçante : « Dans l’espace, personne ne vous entend crier. » L’Alien inaugural, celui du huis clos, de l’atmosphère sous haute tension, celui de la fantastique Sigourney Weaver dans le rôle de Ripley et de la scène où la bête s’extirpe du regretté John Hurt (qui sera juste après Elephant Man de David Lynch (1980), et c’est là la toute première fois que le Xénomorphe s’extirpe d’un humain ; pourtant c’est un film où on ne voit quasiment rien du monstre jusqu’à la fin, laissant la place à la suggestion, qui ouvre l’imaginaire à toutes les horreurs, parfois bien pire que la réalité que l’on nous montre à coups d’effets spéciaux pour imprimer autant notre esprit que la pellicule. Pour les trois épisodes suivants de la saga, tournés sur une décennies à partir de 1986, on a la chance de garder Sigourney Weaver et de se voir succéder à la réalisation des pointures, dans l’ordre James Cameron, David Fincher et Jean-Pierre Jeunet. L’auteur d’origine Ridley Scott reprend la main pour les Alien 5 et 6 dans les années 2010, qu’on n’a donc pas vus.
La plongée directe dans l’épisode 7, Romulus, était donc pleine d’espoir, presque 30 ans après notre dernier passage en salle pour Alien, la résurrection. On espérait être surpris par la façon dont le réalisateur, l’uruguayen Federico Alvarez, spécialiste des films d’horreur, saurait de renouveler cette saga, et par les apports de la technologie du XXIe siècle. Or on a rien vu de bien original. Une atmosphère sombre à la Blade Runner, des gentils humains, un androïde déchiqueté pas gentil, et une mise en route un peu lente à notre goût. Le scénario est hyper classique, avec une forte impression de déjà-vu, qui oblitère tout effet de surprise. On nous sert du xénomorphe sous toutes les coutures, on en est presque blasé, de même que ses extirpations hors des humains qui ne nous font ni chaud ni froid. Le modèle de créature exposé à la fin du film sort bien du lot, mais encore une fois, ça ne casse pas des briques. L’impression au final : Romulus aurait été très bien au format jeu vidéo. Une petite mention spéciale quand même pour David Jonsson, l’acteur britannique qui incarne l’androïde protecteur de l’héroïne du film. Ses yeux au regards expressifs nous ont captivés, à défaut du reste.

« Alien : Romulus » de Federico Alvarez, avec  Cailee Spaeny, David Jonsson, Archie Renaux, Isabela Merced
– durée 1h59- Sortie : 14/08/2024

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Edgar Allan Poe, qui aurait eu 214 ans le 19 janvier 2023, reste l’une des figures littéraires les plus reconnaissables et les plus populaires au monde.

Son visage, avec ses yeux enfoncés, son énorme front et ses cheveux noirs ébouriffés, orne des sacs fourre-tout, des tasses à café, des T-shirts et des boîtes à lunch. Il apparaît sous la forme d’un mème, arborant un col relevé et des lunettes d’aviateur comme Edgar Allan Bro, ou reprenant la « Bohemian Rhapsody » en marmonnant « Je suis juste un garçon Poe, personne ne m’aime », tandis qu’un corbeau sur son épaule ajoute « C’est juste un garçon Poe d’une famille Poe ».

Netflix a cherché à tirer parti de la popularité de l’écrivain, en lançant récemment le film à suspense « The Pale Blue Eye« , qui présente Poe en tant que cadet de West Point, où il a passé moins d’un an avant d’être traduit en cour martiale. Netflix propose également une mini-série inspirée de Poe, « La chute de la maison Usher« , dont la sortie est prévue en 2023.

Mais en tant que spécialiste d’Edgar Poe, je me demande parfois si l’attrait de Poe ne tient pas moins à la puissance et à la complexité de sa prose qu’à une attirance pour l’idée de Poe.

Après tout, les créations littéraires les plus célèbres de Poe ont tendance à être des méchants antipathiques. Il y a des psychopathes qui commettent des meurtres apparemment sans motif dans « The black cat » et « The tell-tale heart » {« Le cœur révélateur » en français, ndlr] ; des protagonistes qui maltraitent les femmes dans « Ligeia » et « La chute de la maison Usher » ; et des personnages qui exercent une vengeance cruelle et fatale sur des victimes involontaires dans « The Cask of Amontillado » et « Hop-Frog« .

Les personnages dégénérés dont Poe invite les lecteurs à habiter les perspectives ne s’alignent pas exactement sur un moment culturel caractérisé par le mouvement #MeToo, les espaces sécurisés et les avertissements de déclenchement.

En même temps, la conception de Poe en tant qu’écrivain semble puiser dans une affection culturelle pour les outsiders, les non-conformistes et les outsiders qui finissent par prouver leur valeur.

Une diffamation qui rate son coup

L’idée de Poe l’outsider commence avec sa mort en 1849, qui est accueillie par un avis cruel dans la New York Tribune : « Cette annonce en surprendra plus d’un, mais peu en seront affligés. »

L’auteur de l’avis de décès, qui s’est avéré être Rufus W. Griswold, ami de longue date et rival constant de Poe, a affirmé que le défunt avait « peu ou pas d’amis » et a procédé à une diffamation généralisée à base d’exagérations et de demi-vérités.

Aussi étrange que cela puisse paraître, Rufus Griswold était également l’exécuteur littéraire de Poe, et il a développé la nécrologie sous forme d’essai biographique qui accompagnait les œuvres collectées de Poe. Si c’était un stratagème marketing, il a fonctionné. Les amis dont Griswold prétendait que Poe était dépourvu prirent sa défense, et les journalistes passèrent des décennies à débattre de l’identité réelle de l’homme.

Du vivant de Poe, la plupart des lecteurs découvraient son œuvre par le biais de magazines, et il était rarement bien payé. Mais l’édition de Griswold a connu 19 tirages au cours des 15 années qui ont suivi la mort de Poe, et ses récits et poèmes n’ont cessé d’être réimprimés et traduits depuis lors.

Le portrait diffamatoire de Griswold, ainsi que le sujet sinistre des histoires et des poèmes de Poe, influencent encore la façon dont les lecteurs le perçoivent. Mais il a également produit une réaction soutenue ou une contre-image de Poe en tant que héros tragique, artiste torturé et incompris qui était trop bon – ou, en tout cas, trop cool – pour son monde.

En traduisant les œuvres de Poe en français dans les années 1850 et 1860, le poète français Charles Baudelaire a promu son héros comme une sorte de visionnaire contre-culturel, en décalage avec une Amérique moraliste et matérialiste. Le Poe de Baudelaire privilégiait la beauté à la vérité dans sa poésie et, dans ses romans, voyait à travers les piécettes d’amélioration de soi qui étaient populaires à l’époque pour révéler « la méchanceté naturelle de l’homme« . Poe a touché une corde sensible chez les écrivains européens et, alors que sa stature internationale augmentait à la fin du XIXe siècle, les critiques littéraires américains se sont inquiétés de son manque d’appréciation « à domicile« .

L’histoire de l’outsider Poe prend son envol

Au début du XXe siècle, le décor était planté pour qu’Edgar Poe soit considéré comme un éternel outsider. Et Poe est souvent apparu sur scène à cette époque, comme le sujet de plusieurs mélodrames biographiques qui le dépeignaient comme une figure tragique dont le manque de succès était davantage dû à un environnement culturel et éditorial hostile qu’à ses propres défaillances.

Cette image est apparue sur le grand écran dès 1909 dans le court métrage de D.W. Griffith « Edgar Allen Poe« . Alors que Virginia, la femme de Poe, se languit sur un lit de malade, le poète s’aventure à vendre « Le Corbeau ». Après avoir essuyé refus et mépris, il parvient à vendre son manuscrit et rentre chez lui avec des provisions pour sa femme malade, mais découvre qu’elle est morte.

Des films ultérieurs dépeignent également Edgar Poe comme étant incompris ou sous-apprécié de son vivant. Un biopic très inexact, « The Loves of Edgar Allan Poe« , sorti en 1942, se termine par une voix off qui déclare : « …le public était loin de se douter que le manuscrit de « Le Corbeau », qu’il avait tenté en vain de vendre pour 25 dollars, atteindrait des années plus tard le prix de 17 000 dollars auprès d’un collectionneur« .

Dans la vraie vie, alors qu’une première version de « Le Corbeau » a été refusée par un éditeur, Edgar Poe n’a eu aucun mal à vendre le poème, qui a fait immédiatement sensation.

Mais ici, « Le Corbeau » devient un substitut de Poe lui-même, quelque chose de sombre et de mystérieux que, selon la légende, les gens de l’époque d’Edgar Poe n’ont pas su apprécier.

Poe est un écrivain obscur et un détective amateur dans le film de 1951 « The Man with a Cloak » [« L’homme au menteau noir » en français, ndlr], qui se termine par un tenancier de saloon laissant la pluie effacer l’encre d’une reconnaissance de dette qu’Edgar Poe lui a donnée. Au verso du billet se trouve un manuscrit du poème « Annabel Lee« , alors que son porteur déclare : « Ce nom ne vaudra jamais rien. Même pas dans un siècle. »

Bien sûr, le public qui regarde ce film presque exactement 100 ans après la mort de Poe en sait plus.

Les plantes les plus intéressantes poussent à l’ombre

Ce qui nous amène à « The Pale Blue Eye », dans lequel Henry Melling joue le rôle du cadet Poe, un paria doté d’une intelligence aiguë pour résoudre les crimes. Sous un jour nouveau rafraîchissant, ce jeune Edgar Poe n’est pas un artiste torturé ou une figure hantée et sombre. Il est cependant malmené par ses pairs et sous-estimé par ses supérieurs ; encore une fois, c’est un outsider que les téléspectateurs veulent soutenir.

En ce sens, le Poe de « The Pale Blue Eye » correspond bien à son image contemporaine, qui imprègne également les premiers épisodes de « Wednesday« , la série dérivée de la Famille Addams de Netflix qui se déroule à la Nevermore Academy et qui regorge de références à Edgar Poe.

La directrice de la Nevermore Academy – une école pour marginaux semblable à Poudlard – se réfère à Edgar Poe comme à « notre plus célèbre ancien élève« , ce qui explique pourquoi la course de bateaux annuelle de l’école est la Poe Cup et pourquoi une statue de Poe garde un passage secret.

La protagoniste délicieusement antisociale, Mercredi, jouée par Jenna Ortega, est une paria parmi les parias, la figure d’Edgar Poe dans une école dont le nom évoque Edgar Poe. Dans une scène, un professeur compatissant l’exhorte à ne pas perdre « la capacité de ne pas laisser les autres vous définir. C’est un don« . Elle ajoute : « Les plantes les plus intéressantes poussent à l’ombre. »

Lorsque John Lennon a chanté « Man, you should have seen them kicking Edgar Allan Poe » [« Mec, tu aurais dû les voir frapper Edgar Allan Poe », ndlr] dans « I am the Walrus« , il n’avait pas besoin de dire qui lui donnait des coups de pied ni pourquoi. Le fait est qu’Edgar Poe méritait mieux ; les plantes les plus intéressantes poussent à l’ombre, sans être aimées et mal aimées.

Et c’est exactement la raison pour laquelle tant de personnes, les écrivains et les artistes en herbe, mais aussi tous ceux qui se sentent seuls et incompris, voient un peu d’eux-mêmes dans l’image fatiguée mais sage d’Edgar Poe.

Image d’en-tête : illustration d’Egar Poe par Nick Lehr

Texte paru initialement en anglais dans The Conversation, traduit par la Rédaction. La traduction étant protégée par les droits d’auteur, ce article traduit n’est pas libre de droits. Nous autorisons la reproduction avec les crédits appropriés : « Citizen4Science/Science infuse » pour la version française avec un lien vers la présente page.

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