Librement inspiré d’une correspondance philosophique sur la vie qui bascule avec l’imprévu de la maladie, le nouveau film de Ryūsuke Hamaguchi (titre original : ‘All of a sudden‘ réunit Virginie Efira et l’actrice japonaise Tao Okamoto dans l’intimité d’un EHPAD. Un drame sur la vie et la mort abordé avec délicatesse, où la grâce de la mise en scène et la prouesse du jeu dépassent la barrière des langues.

Synopsis : « Directrice d’un établissement pour personnes âgées, Marie-Lou tente d’y instaurer une philosophie de soins innovante basée sur l’écoute et la dignité des résidents, malgré la réticence d’une partie de ses équipes. Sa rencontre avec Mari, une metteuse en scène japonaise qui se bat contre un cancer, va bouleverser sa trajectoire. En nouant une amitié profonde, les deux femmes engagent ensemble un combat pour “rendre possible l’impossible”.

Il faut accepter de ralentir, de déposer les armes de laisser le temps prendre son temps pour entrer dans Soudain. Le cinéaste japonais Ryūsuke Hamaguchi, couronné d’un Oscar pour ‘Drive My Car’, pèse à nouveau chaque seconde pour livrer un film d »une grande humanité. LIbrement inspiré du livre « Quand la vie prend un tournant inattendu‘, recueil de lettres poignantes entre la philosophe Makiko Miyano et l’anthropologue Maho Isono, le récit abandonne la forme épistolaire pour transposer son propos au cœur d’un EHPAD en France. C’est là que le destin de Marie-Lou, directrice engagée qui se débat contre la lourdeur du système, percute celui de Mari, une dramaturge japonaise atteinte d’un cancer incurable. Dans ce rôle de femme malade à la gravité lumineuse, la comédienne Tao Okamoto, vue à Hollywood dans ‘Wolverine’ ou ‘Batman v Superman, trouve une partition d’une pureté bouleversante, incarnant avec élégance cette dignité face à l’inéluctable. Mais ce qui transforme l’expérience en une sorte de vertige cinématographique tient au face-à-face entre ces deux femmes et au dispositif insensé imaginé par le réalisateur. Virginie Efira, qui prouve une fois de plus qu’elle est une sacrée actrice, s’est jetée à corps perdu dans le projet en apprenant l’intégralité de ses répliques japonaises en pure phonétique. Entraînée pendant des mois par un coach linguiste, puis soumise à la méthode fameuse d’Hamaguchi faite de répétitions neutres jusqu’à ce que la diction devienne un pur réflexe organique, Virginie Efira débite la langue de Mishima avec une fluidité naturelle déconcertante alors qu’elle n’en parle pas un traître mot dans la vie. Par la suite, le récit bascule dans une deuxième phase pleine de sens et de poésie : chacune se met à parler dans sa propre langue maternelle, et le miracle bilingue opère avec une fluidité déconcertante, donnant le spectacle de la naissance d’une amitié aussi soudaine et puissante qu’un coup de foudre. Là où beaucoup de mélodrames auraient sombré dans la démonstration théorique ou les violons larmoyants sur la fin de vie, Hamaguchi déploie son art du rythme, du silence et de l’espace. Rien n’est surligné, beaucoup est suggéré par des scènes de soin et d’activités avec les pensionnaires de l’EHPAD. Beaucoup est dit aussi, sur la politique, la philosophie de la vie et l’éthique, entre les deux héroÏnes qui s’exposent mutuellement leur vision du monde, y compris à coup de schémas sur un paperboard dans la nuit feutrée d’une garde à l’EHPAD. Sans jamais chercher à faire de la belle image pour le plaisir, la caméra capte la vulnérabilité des corps et la force des liens qui se tissent quand tout vacille. C’est un cinéma de l’urgence douce, un hymne vibrant à la rencontre et aux cadeaux imprévisibles de la vie même face à l’inéluctable.

‘Soudain de Ryūsuke Hamaguchi avec Virginie Efira, Tao Okamoto, Héloïse Janjaud, Heidi Becker-Babel, Marie Bunel, Jean-Charles Clichet, Jérôme Chappatte, Rose Bourdon

durée 3h15
Sortie 12 août 2026

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C’est alors que, dans la loge de Louison, vont se succéder tous les autres comédiens et collaborateurs du spectacle : la maladroite Karine, assistante à la mise en scène, le trop consensuel et très conventionnel Pierre, le metteur en scène, la Diva sur le retour, Laurence, qui vient faire profiter de sa grande expérience et l’assistant personnel de Grégoire, Tonio, qui n’est plus étonné par rien.

On connaît la longue litanie des arguments qui sont utilisés dans ce genre d’occasion et qui ont permis à plus d’un Patrick Bruel de bénéficier d’un silence poli et gêné durant bien des années : il est célèbre et tu n’es rien, personne ne va te soutenir, tu vas ruiner toi-même ta carrière, il apporte trop au spectacle pour se passer de lui, le projet repose sur sa notoriété, etc.

Il faudra à Louison bien de l’énergie et de la force de conviction pour s’opposer à cette avalanche de discours fatalistes et relativistes : il est si facile de mettre la poussière sous le tapis.

Tel est le point de départ et l’essentiel de la pièce de Coralie Lascoux. La cause est noble, certes, et l’on ne peut que soutenir une telle démarche. Oui mais, si le thème est excellent, la pièce en revanche ne l’est pas. Une fois passées les premières vingt minutes, les personnages s’engluent dans une répétition sans intérêt, l’intrigue ne progresse pas, et l’on n’éprouve plus que lassitude pour la mésaventure de la pauvre Louison. Que dire aussi de cette parenthèse grotesque, en plein milieu du spectacle, imaginant les hommes confrontés aux mêmes demandes sexuelles déplacées et remarques blessantes dans les castings professionnels ? C’en est si mauvais qu’on a le sentiment d’assister à un spectacle de patronage ou à une mauvaise pièce plus ou moins bricolée par une troupe amateur au fin fond du Cantal.

Coralie Lascoux (qui tient le rôle de Laurence) semble une personnalité attachante et sympathique, elle est capable d’auto-dérision ( c’est vrai qu’elle a un petit air de Karine Viard, comme elle s’en amuse elle-même) mais elle devrait apprendre que ce n’est hélas pas avec les bons sentiments que l’on fait du bon théâtre.

autrice Coralie Lascoux
mise en scène Coralie Lascoux assistée de Chloé Fleury
avec Camille Remy, Emilie Pfeffer, Thomas Lempire, Coralie Lascoux et Thomas Pelikan
création lumières Florian Guerbe
production Le Ricochet Théâtre

durée 1 h 05

Jusqu’au 30 août 2026

Théâtre Le Funambule Montmartre, 53 rue des Saules- 75018 Paris

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Le tapis au sol est riche, le canapé paraît moelleux, la vaisselle raffinée indique l’aisance, la chaîne Hifi et les livres connotent la culture, le vin blanc est déjà ouvert et au frais dans un seau à champagne. Nous sommes dans un milieu privilégié où l’argent n’est pas un problème ; il n’y aura d’ailleurs aucune allusion à une quelconque difficulté sociale, puisque, chez Pinter, les personnages sont concentrés sur leurs préoccupations les plus intimes.

Sur un fond de percussions quelque peu africaines, un couple, homme et femme, exécute dans la pénombre une sorte de farandole joyeuse aux allures sexuelles, puis il disparaît.

Lorsque le silence revient, le mari, Richard, rentre chez lui, comme tous les soirs à la même heure,  pose son attaché-case et sa veste de costume, se sert l’apéritif du soir. Tout est calme, convenu et bourgeois. Madame, Sarah, apparaît pour l’accueillir avec douceur et amabilité. Il est élégant et chic, elle est belle, soignée et souriante. Ils vivent dans un univers lisse de convenances et de politesse obligée.

Peut-être, à peine, le vernis de ces convenances s’effrite-t-il un instant lorsqu’il est fait allusion au fait que Madame ait un amant et qu’il était présent l’après-midi même. Encore un peu plus effrité lorsqu’on apprend que Monsieur a une maîtresse et que cette dernière se trouve être une prostituée. Serions-nous face à un ménage à trois ou à quatre ? Auquel cas, la pièce ne serait qu’une nouvelle variation sur le thème archi connu du vaudeville, avec amant dans le placard, porte qui claque, et conventions sociales malmenées sans danger ?

On se doute bien, avec Pinter, qu’il n’en est rien. Même dans une œuvre de jeunesse, L’amant date de 1962, Harold Pinter s’y entendait mieux que personne pour bousculer les règles traditionnelles du théâtre bourgeois. Et il donne ici une brillante démonstration de son art d’explorer les arcanes perverses du couple occidental.

Harold Pinter savait montrer à quel point les apparences sont fragiles et comme, dans les structures familiales modernes, l’amour n’est jamais que l’accouplement provisoire de deux solitudes et de deux névroses.

La belle mise en scène spectaculaire et très chorégraphiée de Grégoire Besançon met en valeur le texte tout à la fois terriblement quotidien et parfaitement incisif de Pinter.

La belle mise en scène spectaculaire et très chorégraphiée de Grégoire Besançon met en valeur le texte tout à la fois terriblement quotidien et parfaitement incisif de Pinter. Et, le soir où nous avons assisté à la pièce, c’était lui-même, Grégoire Besançon, et la charmante Marie-Lou Seince qui incarnaient Richard et Sarah.

auteur Harold Pinter
mise en scène Grégoire Besançon
avec Dorothée Malfoy-Noël ou Marie-Lou Seince, Grégoire Besançon ou Lucas Valot
production Compagnie Mirage(s)

durée 1h10

Jusqu’au 27 août 2026

Théâtre Le Funambule Montmartre, 53 rue des Saules- 75018 Paris

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En décembre 1926, la célébrissime romancière anglaise Agatha Christie est portée disparue durant onze jours. Sa voiture est retrouvée vide de tout occupant au bord de l’étang de Silent Pool, tout près de sa propriété. Pas mal de légendes locales circulent au sujet de cet étang et qui, fatalement, sont relancées par la disparition d’Agatha Christie. La romancière sera finalement retrouvée mais bien des ombres demeurent dans ce fait divers.

Tel est le point de départ du nouveau spectacle de la Compagnie Les ballons rouges (qui nous enchanta naguère avec sa version de Léocadia de Jean Anouilh) : un mystère dans la vie de la Reine des mystères, un polar bien réel dans l’existence de celle qui signa les plus ingénieux polars de l’histoire littéraire, et comme une sorte de fascinante mise en abîme du fictionnel qui s’en viendrait surgir au sein même de la réalité.

De quoi frétiller par avance, d’autant plus lorsqu’on dispose d’une troupe d’excellents comédiens tout à la fois dynamiques et inventifs.

La mise en scène de la pièce, d’ailleurs, est absolument irréprochable. Le décor est composé de trois panneaux mobiles sur roulettes aux façades interchangeables et qui représentent les différents lieux de l’action et ils sont, ces panneaux, ingénieusement déplacés, écartés, rapprochés, pour créer une sorte de foisonnant parcours tout à la fois simple et efficace.

La pièce, de plus, est baigné par un humour qui va de la réplique cinglante mais polie jusqu’au burlesque. Il est toujours élégant de ne pas (trop) se prendre au sérieux.

Pour autant l’ensemble ne fonctionne pas. Le texte sans relief recrée une sorte d’énigme « à la manière de » qui adhère totalement aux poncifs du genre polar début XXe : démultiplication des fausses pistes, personnages exagérés et  grotesques afin d’être rapidement identifiés, duo d’enquêteur constitué du lourdaud prétentieux et de la fine mouche discrète, évocation systématiques des avancées de l’enquête pour ne pas égarer le spectateur, léger détail révélateur suffisamment évident pour que le dit spectateur se sente aussi malin que les enquêteurs, etc. Si bien que, très vite, on en vient à un sentiment de lassitude et de répétition : certains gags d’ailleurs ne se privent pas de revenir si souvent qu’ils n’en sont plus si drôles.

Quelle étrange idée que d’avoir récréé, ni plus ni moins, du Agatha Christie, avec une bribe de la vie de celle-ci ? La penserait-on, Agathe Christie, si dépourvue d’imagination qu’elle se soit contentée, toute son œuvre durant, de reproduire ce qui se produisait autour d’elle ? N’y aurait-il absolument aucune modification entre ce qui se déroule dans la réalité et la façon dont s’organise la fiction ?

On suit, avec un peu d’ennui, les aventures du superintendant Kenward, de l’Inspectrice Hastings, de la vieille anglaise charmante mais quelque peu folle Nan Gardner, du snob éditeur Collins, du mari Archibald Christie qui ne succombe plus aux charmes de sa romancière d’épouse, et l’on a du mal à comprendre l’intérêt de cette pochade élégante.

Ce n’est pas la très brève allusion à la condition des femmes dans l’Angleterre des années vingt qui va permettre de moderniser cette vieille chose un peu poussiéreuse (comme le sont par ailleurs devenues les histoires d’Agatha Christie) et que dire de cette évocation récurrente d’un pseudo ostracisme des anglais envers les écossais (les irlandais apprécieront) ? Un spectacle qui, manifestement, a été très travaillé pour un résultat, hélas, fastidieux et lassant.

De Carla Girod, Drys Penthier et Axel Stein-Kurdzielewicz
Mise en scène David Legras et Axel Stein-Kurdzielewicz
Avec La Compagnie des Ballons Rouges

Mercredi > samedi 21h| Dimanche 18h

Durée : 1h30

Jusqu’au 23 août 2026

Lucernaire, 53 rue Notre-Dame-des-Champs – 75006 Paris

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Elles sont quatre femmes réunies plus ou moins par hasard dans une belle propriété normande au bord de la mer. Céleste est la maîtresse de maison, belle femme d’âge un peu mûr mais qui porte encore beau et reçoit, comme elle le fait souvent, sa grande amie Hortense, même âge, même condition sociale et qui, d’emblée, raconte sa rencontre, dans le train, avec un bel instituteur dont elle est immédiatement tombée amoureuse, oubliant ipso facto qu’elle était déjà mariée. Les deux aristocrates vont être rejointes par Coralie, la nièce de Céleste, qui tient à lui raconter un événement fâcheux : elle si sage, si pudique, si comme il faut, a expérimenté une relation tarifiée avec un inconnu, uniquement par curiosité. Et Coralie n’est pas venue seule puisqu’elle présente Zoé, sa grande amie, laquelle est comédienne en une époque où la frontière entre l’actrice et la prostituée reste de l’ordre de la nuance.

Les quatre femmes ne se connaissent guère, deux sont très jeunes, les deux autres plus âgées, elles ne sont pas exactement de la même condition sociale, mais qu’importe ? La seule condition du petit séjour balnéaire était de ne surtout pas faire venir un homme. Non pas qu’elles n’aiment pas les hommes, bien au contraire, mais elles veulent rester « entre elles » pour évoquer leurs expériences, se raconter leurs vies, se livrer sans censure.

Et cette collection de petits secrets entre femmes, en l’occurrence, c’est une série de courts récits de Guy de Maupassant, réunis les uns à la suite des autres comme une sorte de patchwork théâtral.

Telle est, d’emblée, la première limite de cette « pièce », celle de ne pas être précisément une pièce : non pas un texte conçu pour la scène mais une suite de nouvelles, contes et récits, que chaque personnage, à son tour, va présenter comme  une confidence faite à une amie ou un ragot rapporté à propos d’une voisine ou d’une sœur. Le procédé est redondant : il faut que je vous dise, il faut que je vous dise… Et c’est ainsi que chacune son tour exécute son petit numéro agrémenté, pour « faire vrai » de rires étouffés, de cris inutiles et de gestuelle exagérée. Il faut bien varier le ton, la hauteur des voix, les poses lascives pour faire oublier que l’on ne fait jamais que parler, sans faire, sans montrer, sans vivre. Et la petite mise en abîme qui survient en plein milieu, Coralie et Zoé jouent devant Céleste et Hortense, théâtre dans le théâtre, n’en vient que plus cruellement encore insister sur le caractère si peu théâtral de l’ensemble.

Quel que soit l’incontestable talent des quatre comédiennes, elles ont du mal à faire oublier à quel point la stratégie dramatique est parfaitement poussive.

Seconde limite, celle du contenu. Maupassant, on le sait, était ce qu’on nommait « un homme à femmes », expression bien adaptée à celui qui ne se maria jamais mais multiplia, sa vie durant, les aventures galantes, dans tous les milieux, allant jusqu’à contracter une syphilis dont il mourra dans des conditions épouvantables. Le regard de Maupassant sur les femmes est celui de son époque : il les considère comme de charmantes petits bêtes bavardes et ingénues, préoccupées par leurs dentelles et leur maquillage, et qui, tout en feignant d’être pudiques et timides, cachent une irrésistible attirance pour l’homme, le vrai, le moustachu, le viril. D’après Maupassant, la grande affaire des femmes est d’aller s’oublier un moment avec l’homme (la présence masculine hors scène de Joseph, le domestique, viril et obsédé sexuel) dans une meule de foin dont on rapporte d’ailleurs quelques fâcheux épis dans les cheveux.

On aura du mal à prendre pour postulat féministe avant l’heure, cette caricature de la gent féminine en volière adorable et qu’il faut endurer au nom du plaisir. A l’évidence, dans cet univers, si les femmes sont libres, c’est pour aller commettre quelques bêtises : ces animaux-là, au final, sont bien pires que les hommes, capables de coups de cœur, coups de tête, coups de folie.

Et l’on ne pourra que s’interroger sur l’intérêt de souligner ainsi les limites de la pensée d’un auteur, qui, par ailleurs, se trouve être un grand écrivain, mais pas vraiment un connaisseur de la psyché féminine.

Que dire, enfin, de l’anachronique présence, en plein milieu du décor, d’un poste de TSF style années 1940, alors que l’action est censée se dérouler quelques temps après la parution de Madame Bovary de Flaubert (1857) ? S’agissait-il de traduire visuellement le caractère éternel de la pensée de Maupassant ? Mais alors pourquoi pas un PC connecté sur Internet ?

De Guy de Maupassant
Adaptation Roger Defossez
Mise en scène Gwenhaël de Gouvello
Avec Eurydice El-Etr ou Nancy Loïs, Marie Grach, Karine Pinoteau et Alexandra Sarramona
Scénographie Emilien Andro
Lumières Jean Christophe Violo
Costumes Maxence Rapetti-Mauss

Jusqu’au 23 août 2026

Lucernaire, 53 rue Notre-Dame-des-Champs – 75006 Paris

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Anne Consigny a choisi d’adapter ‘Barrage contre le Pacifique’.

‘Barrage contre le Pacifique’ , c’est Duras avant Duras. La grande Marguerite n’avait pas encore, en écrivant ce court roman, trouvé son style à elle, sa voix à elle, sa musique à elle : elle n’était pas encore devenue cette parole inégalée qu’on reconnaît entre mille, comme celle de Proust ou celle de Flaubert. Pour autant, si la facture est plus classique, ‘Barrage contre le Pacifique’ est un texte fluide et dense à la fois, dans lequel une mère courage affronte l’inexorable montée des eaux venant ravager ses terres cultivées. Cela se passe quelque part dans les années trente, et dans une Indochine coloniale qui n’était pas tendre pour les femmes, et surtout les femmes seules. Cette mère qui ne sera jamais nommée doit, de plus, élever ses enfants, Joseph et Suzanne, dans des conditions financières problématiques et elle aura fort à faire pour protéger sa fille des assauts douteux de Monsieur Jo, ce riche propriétaire du nord.

Anne Consigny est une interprète idéale, avec sa longue silhouette à la fois frêle et forte, capable de mimer sans excès, de bercer sans mièvrerie et de gronder sans colère : elle peut largement se permettre de briser le quatrième mur sans pour autant endommager l’atmosphère de magie du spectacle.

Elle n’a besoin de rien autour d’elle, un plateau nu, un chapeau de paille, un escabeau de bois et une boule à facettes, pour dire l’étouffante chaleur de l’Indochine, le charme désuet des cabarets à colons et les aléas de l’agriculture tropicale. Un peu de fumée pour rendre la chaleur de sauna qui règne dans l’air, et le reste, tout le reste, sera créé magiquement par sa silhouette, sa danse, ses gestes et ses mimiques.

Anne Consigny dans ‘Barrage contre le Pacifique’ de Marguerite Duras, c’est du grand art sous sa forme la plus dépouillée et la plus naturelle.

Adaptation, mise en scène et interprétation : Anne CONSIGNY
Assistante mise en scène : Cécile BAYLE – BARREYRE
Conception Lumière : Patrick CLITUS
Son : François TURPIN
Costume : Cidalia DA COSTA
Conseillère Artistique : Pascale CONSIGNY

Du mardi au samedi à 19h, jusqu’au 11 juillet 2026

Théâtre Poche Montparnasse – 75 boulevard du Montparnasse – 75006 Paris

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La Marquise de Sévigné, on le sait, n’avait, à l’origine aucune volonté littéraire et aucun désir de publication. Comme elle était séparée de sa fille, à cause du mariage de cette dernière avec le Comte de Grignan, originaire de la Drôme provençale, elle se résolut à lui écrire tous les jours pour maintenir entre elles le lien affectueux. Étant donné que la Marquise de Sévigné fréquentait plus ou moins la Cour de Versailles ainsi que bon nombre d’artistes et d’intellectuels de son époque, l’ensemble des missives, réunies par la suite, constitue une sorte de journal quotidien des nouvelles de la famille royale et de la société parisienne.

Certes, la prose est agréable et bien tournée. Certes, certaines anecdotes sont amusantes, et l’on sourit de cette jeune femme qui vendit sa liberté et sa virginité pour devenir Duchesse et bénéficier ainsi du privilège de s’asseoir sur un tabouret en présence de la famille royale alors que tout le monde devait rester debout. Ou encore de cette autre Marquise prête à sacrifier sa pudeur pour être jetée nue en pleine mer, remède considéré, à l’époque, comme tout à fait salutaire contre les attaques de la rage. Certes, la bonne Marquise nous distraie à citer Descartes, détester Racine et écouter Bourdaloue, mais il est néanmoins difficile, comme le voudrait Sébastien Laplaque, d’en faire une égérie avant l’heure du féminisme, une sorte de chantre de l’égalité républicaine, une ancêtre des modernes influenceuses du Web et de considérer sa correspondance comme l’Instagram du grand siècle.

Quelle que soit la bonne volonté de Béatrice Agenin et de Sébastien Laplaque, la Marquise de Sévigné continue à n’être que naphtaline et vieilles dentelles.

Lettres choisies et commentées par Sébastien Lapaque
Lecture des lettres par Béatrice Agenin
Lumière : Yves Angelo

Théâtre Poche Montparnasse – 75 boulevard du Montparnasse – 75006 Paris

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L’intranquillité est l’adaptation du Livre de l’Intranquillité, le journal intime que tenait Pessoa, et qui ne fut publié qu’en 1982, bien après sa mort. Même son nom, Pessoa, n’apparaissait pas dans ses écrits, il multipliait les pseudonymes et allait jusqu’à imaginer la biographie de ses doubles littéraires : il tenait, lui, à l’anonymat, sachant, au fond de lui, qu’il écrivait une œuvre, mais ne tenant pas spécialement à ce que cela se sache. Il préférait de loin demeurer anonyme dans les petites rues de Lisbonne qui fut son domaine, son quotidien et son tombeau, et qu’aujourd’hui encore hante son ombre.

Il n’y avait, à priori, rien d’évident dans le fait de réaliser une adaptation pour la scène du Livre de l’intranquillité, de transformer ces réflexions à voix intérieure d’un solitaire en matière de théâtre. Le pari est magistralement réussi par l’adaptateur et metteur en scène Jean-Paul Sermadiras, qui, en outre, se paye le luxe d’apparaître quelques secondes dans le spectacle et dans un rôle muet mais marquant.

Fernando Pessoa pratiquait, au quotidien, pour lui-même, comme une sorte d’exercice stoïcien, une métaphysique à hauteur d’homme. Il proclamait, en permanence, l’impossibilité totale de croire en Dieu ou de croire en l’Humanité, ces deux postures lui paraissant le comble du faux et de la complaisance. Cet homme du début XX e siècle, né et élevé dans un univers traditionnel, s’en était échappé seul, à force d’étude, de songe et d’analyse, et semblait avoir deviné les errances et les tourments des générations futures, les nôtres.

Thierry Gibault et Olivier Ythier, les deux comédiens, égrainent magnifiquement la prose tout à la fois souple et envoûtante du poète lisboète. Ils balancent en permanence entre les Vladimir et Estragon de Beckett et les Dupont Dupond d’Hergé, métamorphosant le monologue intérieur en échange luxuriant, fait d’ivresses et de désenchantements, sans aucunement se dispenser d’humour. Une grande leçon de théâtre et de poésie.

• Avec : Olivier Ythier & Thierry Gibault
• Et la voix de Maria de Medeiros
• Lumières : Jean-Luc Chanonat
• Création sonore : Evgueni Galperine et Salmi Elahi
• Costumes : Cidalia da Costa
• Vidéo : Ludovic Lang
• Traduction : Françoise Laye
• Mise en scène et adaptation : Jean-Paul Sermadiras
• durée 1h15

Jusqu’au 30 mai 2026, à 20h

Le Cent, 100 rue de Charenton – 75012 Paris

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Bien sûr, il ne sait pas, ce Philippe-là, qu’un jour il deviendra Philippe Besson, écrivain célèbre et célébré.

Pour l’instant, dans sa province tranquille, cet adolescent est mal dans sa peau, mal dans sa vie, et il tombe éperdument amoureux de Thomas, qu’il a juste croisé au lycée.

Au fond de la scène, c’est  la chambre de Philippe : un tapis ovale  plein de coussins dont certains pailletés, plein de livres bien entendu, et juste une lampe de bureau. Et dans cette chambre, dans le secret de cette chambre, il parle de son amour, il s’en parle à lui-même et il en parle à Pensée, son alter ego féminin, son double fantasmé, idéal, absolu, sa jumelle de rêve. C’est Anne-Laure Ségla qui joue le rôle de Pensée, splendide danseuse sculpturale, aussi noire de peau que Philippe est blanc, aussi folle qu’il est sage, aussi tentatrice qu’il est inhibé. Elle le pousse, sans cesse, à gommer ses peurs, à solder ses complexes, à franchir ses limites pour vivre vraiment sa vie.

Et la magie du spectacle nous offre un Philippe vivant enfin son amour fou dans une suite éblouissante de numéros chantés, dansés, ambiancés, rythmés, magnifiés, si bien que rarement on a vu, sur une scène, une adaptation théâtrale d’un texte romanesque aussi réussie et enthousiasmante. A vrai dire cela n’a plus guère les allures d’un roman mais bien plutôt d’une véritable orgie pour les pupilles et les tympans.

Il faut bien dire que le metteur en scène, Valentin Nerdenne (également interprète du rôle principal) n’a pas lésiné sur les moyens : pendant qu’en fond de scène les deux garçons emmitouflés sous un drap, tels deux fantômes complices, miment un acte amoureux, la noire silhouette féline d’ Anne-Laure Ségla, sanglée dans une torride robe rouge, se livre à un ballet sulfureux sur le « Great gig in the sky » du Pink Floyd…

Mais la fête ne dure pas, la beauté des sentiments se fane, l’automne de la raison succède à l’été des passions : cet amour-là était de ceux qui n’étaient pas simple à vivre en 1984. C’est en  1990 seulement que l’OMS  va rayer l’homosexualité de la liste des maladies mentales : 1990, c’est avant-hier, et même si la situation des gays et lesbiennes est un peu plus simple de nos jours, il n’est pas certain que, pour autant, les difficultés aient totalement disparu.

« Arrête avec tes mensonges » était la ritournelle habituelle de la mère de Philippe, sans se douter qu’elle s’adressait à un futur écrivain et comme si elle voulait brimer, en lui, l’imagination, cette fée intérieure. Mais c’est également la ritournelle que l’on voudrait, encore et toujours, clamer haut et fort à ceux qui s’avisent encore de dicter des comportements personnels, intimes, sexuels aux autres.

C’est l’histoire d’un homme amoureux : rien ne devrait au fond être plus simple au monde.

Du 6 au 30 mai 2026

Mercredi et jeudi à 21h15, vendredi et samedi à 19h

Durée 1h20

Texte Valentin Nerdenne, adapté du roman de Philippe Besson
Mise en scène Valentin Nerdenne
Distribution Anne-Laure Ségla, Corentin Etienne, Thomas Laurent, Valentin Nerdenne
Scénographie Salomé Bégou et Eliott Petit
Costumes Maison U&l et Valentin Nerdenne
Création lumière Téné Niakaté et Coline Thuissard
Création sonore Greg Bette
Équipe technique Coline Thuissard

Théâtre de Belleville, 16 passage Piver- 75011 Paris

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Telles sont donc les données de la tragédie : le pouvoir impose au peuple des lois ou des décrets, au nom d’une certaine rigueur morale ou d’une certaine nécessité politique, mais certains, parfois, parmi les plus chétifs, parmi les plus humbles, refusent d’appliquer ces lois ou ces décrets. Les valeurs humaines s’opposent aux diktats institutionnels, l’âme s’oppose au pouvoir, l’humanité à l’ordre.

On imagine sans mal la résonance que dût avoir la pièce d’Anouilh dans la France de 1944. L’œuvre est créée au Théâtre de l’Atelier, le 4 février 1944, dans un pays occupé depuis quatre années. La guerre prive Paris d’électricité, et, il a beau faire très froid cet hiver-là, le toit du théâtre est percé afin de pouvoir jouer à la lumière du jour. On raconte que Suzanne Flon, qui tenait le rôle d’Ismène, était obligée de porter un pantalon de ski sous sa robe de soirée pour résister au froid.

Dans ce contexte de l’occupation, l’appel à la désobéissance civile que professait Anouilh devait sonner comme un vrai coup de tonnerre. Difficile, pour les spectateurs, de ne pas songer à la situation politique du pays, devant ce récit édifiant d’une femme seule qui résiste aux ordres d’un Roi et à la passivité d’un pays.

Aujourd’hui encore, Antigone est une héroïne qui parle à tous, dans toutes les situations où des minorités opprimées tentent de faire entendre leur voix face aux mesures imposées par les puissants. Les Antigone, aujourd’hui, portent un gilet jaune.

En 2026, au Poche Montparnasse, Didier Long propose une mise en scène épurée à l’extrême. Les six comédiens présents en permanence sur la scène, soit « éteints » assis, en fond de scène, sur des cubes inégaux, soit « éveillés » à l’avant-scène, tiennent tous les rôles et se répartissent également celui du chœur antique, et, en plus, ils assurent la bande-son faite de mélopées, de chants traditionnels et de percussions.

Si Hermine Granville, dans le rôle d’Antigone, manque quelque peu de présence tragique, en revanche Eric Laugérias campe un Créon impressionnant, et, dans l’ensemble, ce spectacle est crédible et émouvant.

Photos : Sébastien Toubon, Copyright

De Jean ANOUILH

Mise en scène Didier LONG

Avec Éric LAUGÉRIAS

Hermine GRANVILLE

Cassandre de KERRAOUL

Valérie VOGT ou Séverine VINCENT

Robin HAIRABIAN

Antony COCHIN ou Didier LONG

Jusqu’au 12 juillet 2026, du mardi au samedi à 21h, le dimanche à 17h

Théâtre Poche Montparnasse – 75 boulevard du Montparnasse – 75006 Paris

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