Sauf que, sauf que Fabienne trouve à redire : un couple heureux, à notre époque, c’est démodé, ringard, has been. De nos jours, on se sépare, on divorce, on se trompe, on change de sexualité, on fait tout … sauf s’aimer à long terme.

Quelle solution ? C’est simple, il suffit de trouver une maîtresse à monsieur et un amant à madame, et enfin, enfin, ils deviendront, à leur tour, un « couple normal ». Ils font mentalement le tour des connaissances et se décident : ce sera Anne-Sophie pour lui, ce sera Etienne pour elle.

Mais, à la suite d’un très surprenant malentendu (totalement invraisemblable mais ce n’est qu’un détail), au lieu de vivre leur adultère tranquillement et chacun de son côté, ils ont imaginé, elle comme lui, d’inviter leur partenaire respectif à la maison.

Les voilà donc réunis, madame, monsieur, la maîtresse, l’amant, dans une distribution qui n’est pas sans évoquer celle de la plus pure tradition du théâtre de boulevard le plus éculé. Nous sommes « Au théâtre ce soir », ou quasi, retour dans les années soixante-dix…

Le reste de la pièce va consister en  l’énumération fastidieuse de toutes les caractéristiques de la société actuelle (symbolisées, ces caractéristiques, par le fait que madame et monsieur se décident enfin à se tromper mutuellement) comme autant de désastres potentiels qui menacent l’humanité. Tout y passe et rien ne trouve grâce aux yeux de l’auteur : le véganisme, les réseaux sociaux, la bisexualité, la libération des mœurs, le libertinage amoureux, l’art contemporain, la biodynamie (même les vins ne sont plus ce qu’ils étaient), les nouvelles technologies, les smartphones, le poly amour, l’IA. Même Sandrine Rousseau se fait égratigner au passage (peut-être, à travers elle, les féministes sont-elles visées sans qu’on ose aller trop loin ?) !

On a même droit, en fin de pièce, à un monologue pesant et nostalgico-réactionnaire sur la musique qui était tout de même autre chose à l’époque de Chet Baker, sur le cinéma qui n’a jamais été aussi fin et drôle que réalisé par les Marx brothers et sur l’amour qui n’est plus ce qu’il était…

Voici donc des gens qui font du théâtre à la façon dont Cnews fait de la politique, c’est à dire en allant gratter au fin fond de l’humanité ce qu’il y a de plus facile, de moins raisonné, de plus apparemment évident. Le texte est à peu près aussi vide qu’un discours d’Emmanuel Macron et pourrait, sans faillir, être plébiscité par Pascal Praud : on fait comme si l’intégralité de tous les mécanismes d’émancipation de l’individu, comme si la remise en cause des relations bourgeoises et traditionnelles, omettaient la vérité supérieure de l’amour avec un grand A majuscule.

Cette pièce est le triomphe de l’approximatif et du ringard le plus absolu : c’est le bon sens populaire qui s’en prend à l’évolution des mentalités, c’est l’eau de rose contre les crises de sociétés, c’est la fleur bleue contre Schopenhauer. Ça sent le vieillot, le douteux, le moisi, ce regret du bon vieux temps où l’on s’aimait sans se poser de questions… Comme si, justement, l’intelligence, le bon sens et la pertinence ne consistaient pas à se poser sans cesse des questions.

auteur Simon Diken
mise en scène Vincent Messager
avec Paul Belmondo, Alexandra Vandernoot, Isabelle Laporte, Erwin Zirmi
création lumières Thierry Ravillard

durée 1 h 25

Jusqu’au 22 septembre 2026

Les lundis, samedis et dimanches. 14h30,16h30 et 19h00

Apollo Théâtre, 18 rue du Faubourg du Temple 75011 Paris

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C’est alors que, dans la loge de Louison, vont se succéder tous les autres comédiens et collaborateurs du spectacle : la maladroite Karine, assistante à la mise en scène, le trop consensuel et très conventionnel Pierre, le metteur en scène, la Diva sur le retour, Laurence, qui vient faire profiter de sa grande expérience et l’assistant personnel de Grégoire, Tonio, qui n’est plus étonné par rien.

On connaît la longue litanie des arguments qui sont utilisés dans ce genre d’occasion et qui ont permis à plus d’un Patrick Bruel de bénéficier d’un silence poli et gêné durant bien des années : il est célèbre et tu n’es rien, personne ne va te soutenir, tu vas ruiner toi-même ta carrière, il apporte trop au spectacle pour se passer de lui, le projet repose sur sa notoriété, etc.

Il faudra à Louison bien de l’énergie et de la force de conviction pour s’opposer à cette avalanche de discours fatalistes et relativistes : il est si facile de mettre la poussière sous le tapis.

Tel est le point de départ et l’essentiel de la pièce de Coralie Lascoux. La cause est noble, certes, et l’on ne peut que soutenir une telle démarche. Oui mais, si le thème est excellent, la pièce en revanche ne l’est pas. Une fois passées les premières vingt minutes, les personnages s’engluent dans une répétition sans intérêt, l’intrigue ne progresse pas, et l’on n’éprouve plus que lassitude pour la mésaventure de la pauvre Louison. Que dire aussi de cette parenthèse grotesque, en plein milieu du spectacle, imaginant les hommes confrontés aux mêmes demandes sexuelles déplacées et remarques blessantes dans les castings professionnels ? C’en est si mauvais qu’on a le sentiment d’assister à un spectacle de patronage ou à une mauvaise pièce plus ou moins bricolée par une troupe amateur au fin fond du Cantal.

Coralie Lascoux (qui tient le rôle de Laurence) semble une personnalité attachante et sympathique, elle est capable d’auto-dérision ( c’est vrai qu’elle a un petit air de Karine Viard, comme elle s’en amuse elle-même) mais elle devrait apprendre que ce n’est hélas pas avec les bons sentiments que l’on fait du bon théâtre.

autrice Coralie Lascoux
mise en scène Coralie Lascoux assistée de Chloé Fleury
avec Camille Remy, Emilie Pfeffer, Thomas Lempire, Coralie Lascoux et Thomas Pelikan
création lumières Florian Guerbe
production Le Ricochet Théâtre

durée 1 h 05

Jusqu’au 30 août 2026

Théâtre Le Funambule Montmartre, 53 rue des Saules- 75018 Paris

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Le tapis au sol est riche, le canapé paraît moelleux, la vaisselle raffinée indique l’aisance, la chaîne Hifi et les livres connotent la culture, le vin blanc est déjà ouvert et au frais dans un seau à champagne. Nous sommes dans un milieu privilégié où l’argent n’est pas un problème ; il n’y aura d’ailleurs aucune allusion à une quelconque difficulté sociale, puisque, chez Pinter, les personnages sont concentrés sur leurs préoccupations les plus intimes.

Sur un fond de percussions quelque peu africaines, un couple, homme et femme, exécute dans la pénombre une sorte de farandole joyeuse aux allures sexuelles, puis il disparaît.

Lorsque le silence revient, le mari, Richard, rentre chez lui, comme tous les soirs à la même heure,  pose son attaché-case et sa veste de costume, se sert l’apéritif du soir. Tout est calme, convenu et bourgeois. Madame, Sarah, apparaît pour l’accueillir avec douceur et amabilité. Il est élégant et chic, elle est belle, soignée et souriante. Ils vivent dans un univers lisse de convenances et de politesse obligée.

Peut-être, à peine, le vernis de ces convenances s’effrite-t-il un instant lorsqu’il est fait allusion au fait que Madame ait un amant et qu’il était présent l’après-midi même. Encore un peu plus effrité lorsqu’on apprend que Monsieur a une maîtresse et que cette dernière se trouve être une prostituée. Serions-nous face à un ménage à trois ou à quatre ? Auquel cas, la pièce ne serait qu’une nouvelle variation sur le thème archi connu du vaudeville, avec amant dans le placard, porte qui claque, et conventions sociales malmenées sans danger ?

On se doute bien, avec Pinter, qu’il n’en est rien. Même dans une œuvre de jeunesse, L’amant date de 1962, Harold Pinter s’y entendait mieux que personne pour bousculer les règles traditionnelles du théâtre bourgeois. Et il donne ici une brillante démonstration de son art d’explorer les arcanes perverses du couple occidental.

Harold Pinter savait montrer à quel point les apparences sont fragiles et comme, dans les structures familiales modernes, l’amour n’est jamais que l’accouplement provisoire de deux solitudes et de deux névroses.

La belle mise en scène spectaculaire et très chorégraphiée de Grégoire Besançon met en valeur le texte tout à la fois terriblement quotidien et parfaitement incisif de Pinter.

La belle mise en scène spectaculaire et très chorégraphiée de Grégoire Besançon met en valeur le texte tout à la fois terriblement quotidien et parfaitement incisif de Pinter. Et, le soir où nous avons assisté à la pièce, c’était lui-même, Grégoire Besançon, et la charmante Marie-Lou Seince qui incarnaient Richard et Sarah.

auteur Harold Pinter
mise en scène Grégoire Besançon
avec Dorothée Malfoy-Noël ou Marie-Lou Seince, Grégoire Besançon ou Lucas Valot
production Compagnie Mirage(s)

durée 1h10

Jusqu’au 27 août 2026

Théâtre Le Funambule Montmartre, 53 rue des Saules- 75018 Paris

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Le fil conducteur de l’ensemble est d’une ténuité qui rivalise avec le néant : Sophie est dans la rue, en train de téléphoner, et elle est abordée par un homme dont elle suppose qu’il s’agit d’un dragueur mais qui se révèle être Rémi, son ancien camarade de classe au collège, vingt-cinq ans auparavant. À ce moment précis, et sans qu’on l’ait sollicité, un Dieu invisible et facétieux intervient et leur redonne vaguement l’apparence qu’ils avaient, l’un et l’autre, à l’époque de leur adolescence. Certes, Rémy est encore barbu, et, hormis le port d’un jean et d’un sweat trop grands, les signes extérieurs d’adolescence ne sont pas flagrants, mais soit…

Dès lors, voilà les deux compères partis à s’interroger et à interroger la salle : qu’est-ce donc que l’adolescence ? Comment parlent les adolescents d’aujourd’hui ? À quoi rêvent-ils ? Qu’espèrent-ils ?

Le but ultime de cette pochade aussi légère qu’une bulle de Champomy abandonnée dans la nature depuis belle lurette semble être de nous convaincre que :  1 l’adolescence est éternelle, 2 c’est seulement un passage de la vie, 3 cela ne dure pas longtemps. Le programme, on le voit, est d’une telle densité qu’à côté on en viendrait à considérer le Blanche-Neige de Walt Disney pour une relecture de Kant.

Outre cette série de découvertes fondamentales que même Cyril Hanouna aurait été capable d’énumérer, on a, de surcroît, droit à un certain nombre de clichés passe partout sur la grande difficulté d’être parent aujourd’hui, la triste fascination des jeunes pour les écrans, l’insurmontable inutilité de l’école et la déprimante personnalité des enseignants.

Nous nous trouvons devant une sorte de Guignol revisité dans lequel on n’alerterait plus le héros sur la présence du méchant gendarme mais on alerterait l’ado sur celle du méchant parent : attention, les enfants, vous allez me dire si la maman a réagi d’une façon qui vous convienne, sinon on l’oblige à tout changer !

L’ensemble est plat comme la Beauce aux abords de Chartres et à peu près aussi édifiant que les paroles d’une chanson de Didier Barbelivien. Ce n’est pas parce qu’on veut faire un spectacle tout public que l’on est, pour autant, obligé de passer par les voies de la démagogie et des pire clichés sur l’éducation, l’enfance et l’adolescence.

Écriture et mise en scène Coralie Lascoux
avec Coralie Lascoux et Jérôme Bruno 
production Le Ricochet Théâtre
durée 1h15

Jusqu’au 30 août 2026

Théâtre Le Funambule Montmartre, 53 rue des Saules- 75018 Paris

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L’intranquillité est l’adaptation du Livre de l’Intranquillité, le journal intime que tenait Pessoa, et qui ne fut publié qu’en 1982, bien après sa mort. Même son nom, Pessoa, n’apparaissait pas dans ses écrits, il multipliait les pseudonymes et allait jusqu’à imaginer la biographie de ses doubles littéraires : il tenait, lui, à l’anonymat, sachant, au fond de lui, qu’il écrivait une œuvre, mais ne tenant pas spécialement à ce que cela se sache. Il préférait de loin demeurer anonyme dans les petites rues de Lisbonne qui fut son domaine, son quotidien et son tombeau, et qu’aujourd’hui encore hante son ombre.

Il n’y avait, à priori, rien d’évident dans le fait de réaliser une adaptation pour la scène du Livre de l’intranquillité, de transformer ces réflexions à voix intérieure d’un solitaire en matière de théâtre. Le pari est magistralement réussi par l’adaptateur et metteur en scène Jean-Paul Sermadiras, qui, en outre, se paye le luxe d’apparaître quelques secondes dans le spectacle et dans un rôle muet mais marquant.

Fernando Pessoa pratiquait, au quotidien, pour lui-même, comme une sorte d’exercice stoïcien, une métaphysique à hauteur d’homme. Il proclamait, en permanence, l’impossibilité totale de croire en Dieu ou de croire en l’Humanité, ces deux postures lui paraissant le comble du faux et de la complaisance. Cet homme du début XX e siècle, né et élevé dans un univers traditionnel, s’en était échappé seul, à force d’étude, de songe et d’analyse, et semblait avoir deviné les errances et les tourments des générations futures, les nôtres.

Thierry Gibault et Olivier Ythier, les deux comédiens, égrainent magnifiquement la prose tout à la fois souple et envoûtante du poète lisboète. Ils balancent en permanence entre les Vladimir et Estragon de Beckett et les Dupont Dupond d’Hergé, métamorphosant le monologue intérieur en échange luxuriant, fait d’ivresses et de désenchantements, sans aucunement se dispenser d’humour. Une grande leçon de théâtre et de poésie.

• Avec : Olivier Ythier & Thierry Gibault
• Et la voix de Maria de Medeiros
• Lumières : Jean-Luc Chanonat
• Création sonore : Evgueni Galperine et Salmi Elahi
• Costumes : Cidalia da Costa
• Vidéo : Ludovic Lang
• Traduction : Françoise Laye
• Mise en scène et adaptation : Jean-Paul Sermadiras
• durée 1h15

Jusqu’au 30 mai 2026, à 20h

Le Cent, 100 rue de Charenton – 75012 Paris

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Entre deux pénibles entrechats, l’homme finit par avouer qu’il n’est autre que Robert Bouvier lui-même, soit le directeur du théâtre de Neufchâtel, et que, la troupe du Kirov, initialement prévue pour venir donner une représentation, étant encore bloquée à la frontière, il s’est dévoué, lui, le directeur, pour assurer le remplacement.

Maintenant que le stratagème est dévoilé, Robert Bouvier décide, pour un peu meubler l’attente, de nous raconter sa vie.

Tel est le point de départ, et le prétexte, du spectacle.

Robert Bouvier dans son propre rôle va nous narrer par le menu, sans ordre ni façon, comment il est devenu directeur du théâtre de Neufchâtel, puis comment il est devenu comédien (donc vraiment sans ordre!).

Certes, les anecdotes sont, pour certaines, savoureuses, certes on apprécie de connaître, un peu, l’envers du décor, certes le parcours du petit Suisse devenu grand directeur est édifiant, certes le personnage est sympathique, mais on avouera que l’intérêt demeure des plus limités.

Robert Bouvier s’essaye, à son tour, à un exercice qui semble devenu des plus tendances dans le petit monde de la création théâtrale contemporaine : le seul en scène sur fond autobiographique avec démultiplication des personnages campés, à chaque fois, par un changement à vue, un accessoire signifiant, une modification posturale ou un accent typique. Mais le seul en scène est un art délicat et qui exige une rigueur magistrale ; il exige, cet art, de soigneusement éviter les deux écueils de la virtuosité et du surjeu, entre Charybde et Scylla.

C’est un Suisse bien sympathique, Robert Bouvier, et l’on s’en voudrait de le lui reprocher : ça va bien se passer, on l’espère pour lui !

• auteur Joëlle Bouvier, Robert Bouvier et Simon Romang
• mise en scène Joëlle Bouvier et Simon Romang
• avec Robert Bouvier 
• création lumières Pascal Di Mito
• musique originale Lucas Warin
• production Compagnie du Passage
• durée 1h20

Jusqu’au 9 juin 2026 – lundi et mardi, 9h ou 21h

Théâtre Le Funambule Montmartre, 53 rue des Saules- 75018 Paris

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Bien sûr, il ne sait pas, ce Philippe-là, qu’un jour il deviendra Philippe Besson, écrivain célèbre et célébré.

Pour l’instant, dans sa province tranquille, cet adolescent est mal dans sa peau, mal dans sa vie, et il tombe éperdument amoureux de Thomas, qu’il a juste croisé au lycée.

Au fond de la scène, c’est  la chambre de Philippe : un tapis ovale  plein de coussins dont certains pailletés, plein de livres bien entendu, et juste une lampe de bureau. Et dans cette chambre, dans le secret de cette chambre, il parle de son amour, il s’en parle à lui-même et il en parle à Pensée, son alter ego féminin, son double fantasmé, idéal, absolu, sa jumelle de rêve. C’est Anne-Laure Ségla qui joue le rôle de Pensée, splendide danseuse sculpturale, aussi noire de peau que Philippe est blanc, aussi folle qu’il est sage, aussi tentatrice qu’il est inhibé. Elle le pousse, sans cesse, à gommer ses peurs, à solder ses complexes, à franchir ses limites pour vivre vraiment sa vie.

Et la magie du spectacle nous offre un Philippe vivant enfin son amour fou dans une suite éblouissante de numéros chantés, dansés, ambiancés, rythmés, magnifiés, si bien que rarement on a vu, sur une scène, une adaptation théâtrale d’un texte romanesque aussi réussie et enthousiasmante. A vrai dire cela n’a plus guère les allures d’un roman mais bien plutôt d’une véritable orgie pour les pupilles et les tympans.

Il faut bien dire que le metteur en scène, Valentin Nerdenne (également interprète du rôle principal) n’a pas lésiné sur les moyens : pendant qu’en fond de scène les deux garçons emmitouflés sous un drap, tels deux fantômes complices, miment un acte amoureux, la noire silhouette féline d’ Anne-Laure Ségla, sanglée dans une torride robe rouge, se livre à un ballet sulfureux sur le « Great gig in the sky » du Pink Floyd…

Mais la fête ne dure pas, la beauté des sentiments se fane, l’automne de la raison succède à l’été des passions : cet amour-là était de ceux qui n’étaient pas simple à vivre en 1984. C’est en  1990 seulement que l’OMS  va rayer l’homosexualité de la liste des maladies mentales : 1990, c’est avant-hier, et même si la situation des gays et lesbiennes est un peu plus simple de nos jours, il n’est pas certain que, pour autant, les difficultés aient totalement disparu.

« Arrête avec tes mensonges » était la ritournelle habituelle de la mère de Philippe, sans se douter qu’elle s’adressait à un futur écrivain et comme si elle voulait brimer, en lui, l’imagination, cette fée intérieure. Mais c’est également la ritournelle que l’on voudrait, encore et toujours, clamer haut et fort à ceux qui s’avisent encore de dicter des comportements personnels, intimes, sexuels aux autres.

C’est l’histoire d’un homme amoureux : rien ne devrait au fond être plus simple au monde.

Du 6 au 30 mai 2026

Mercredi et jeudi à 21h15, vendredi et samedi à 19h

Durée 1h20

Texte Valentin Nerdenne, adapté du roman de Philippe Besson
Mise en scène Valentin Nerdenne
Distribution Anne-Laure Ségla, Corentin Etienne, Thomas Laurent, Valentin Nerdenne
Scénographie Salomé Bégou et Eliott Petit
Costumes Maison U&l et Valentin Nerdenne
Création lumière Téné Niakaté et Coline Thuissard
Création sonore Greg Bette
Équipe technique Coline Thuissard

Théâtre de Belleville, 16 passage Piver- 75011 Paris

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C’est que, tout à la fois et perpétuellement, la vie s’arrête et la vie continue, le spectacle s’achève mais le spectacle reprend, le grand spectacle de la vie, ou bien la vie, elle-même, vécue comme un spectacle. Ce n’est plus possible de faire de la danse ? Elle en a passé l’âge ? Peu importe, elle va faire autre chose, jouer du piano, chanter, jouer la comédie…

C’est à ce grand spectacle pour une femme seule que nous convie Kelly Rivière, le grand spectacle de la vie d’une femme qui se trouve se nommer Kelly Rivière, première étape d’un jeu de mise en abîme qui va se poursuivre sous nos yeux, et avec notre complicité de quatrième mur, une heure vingt durant.

La vie ne serait-elle qu’un rêve ? Le rêve devient-il parfois la vie ? Aller retour fascinant aux allures de pirouette de la pensée, d’autant plus évident dans l’univers des gens du spectacle.

Kelly Rivière va nous conter, par le menu, dans le détail, mais non sans ellipses habiles et force traits d’humour, les aléas de l’existence d’une intermittente du spectacle, la quarantaine passée, maman d’un petit Liam, et qui enchaîne les castings peu probants, les dates mal payées, les simili embauches s’avérant de redoutables pièges pour qui ne peut pas prétendre à la réussite exemplaire d’une Catherine Frot.

Tout en détaillant son cas particulier, Kelly Rivière rend hommage, de façon plus générale, à tous les petits, les sans grades, les stars à demi éteintes de la scène et du music-hall, tous ceux qui font ce métier sans en récolter vraiment les fruits, seulement parce qu’ils ne plus tout jeunes, ou pas assez résilients, ou qu’ils ont la malchance, tel Debronckart, cité dans le spectacle, de se prénommer Jacques à l’époque où triomphe Brel.

Kelly Rivière convoque sur la scène tous ceux qui, parmi ses proches, l’ont encouragée (la grand-mère paternelle, Mamie Nana, son meilleur ami, Max, son père, son fils) tous ceux qui l’ont franchement découragée (sa mère, sa belle-mère) et la foule des petits dictateurs du métier, directeurs de casting sans aucune indulgence, metteurs en scène mégalomanes, etc. Elle a réuni la grande foule de ceux qui s’étonnent qu’on puisse avoir envie de jouer la comédie, de danser, de chanter, de créer, alors que le succès n’est pas évident, pas immédiat, pas fulgurant.

Et ils sont, du coup, nombreux, sur la scène, ils sont nombreux dans sa tête à elle, Kelly Rivière, et elle nous les campe, tous, à elle toute seule, ceux qui lui ont fait un signe de la main comme ceux qui lui ont décoché des coups de pied en traître, avec une énergie, une vivacité et un enthousiasme communicatifs. On sent bien qu’elle n’en veut à personne et que tous, à leur manière, ont contribué à construire cette personnalité atypique et généreuse.

On sent bien que, décidément, pour Kelly Rivière, la vie n’est jamais que le rêve qu’on avait pu en faire, à l’avance, et que l’on a décidé de poursuivre. Une belle leçon d’optimisme et d’humanité.

Durée 1h20

Vendredi à 19h – Samedi à 18h30

Jusqu’au 27 juin 2026

De et avec Kelly Rivière
Collaboration à l’écriture/dramaturgie David Jungman
Collaboration artistique Maïa Sandoz
Regards complices Jalie Barcilon, Sarah Siré
Collaboration à la chorégraphie Gilles Nicolas
Travail piano-chant Susy Firth
Lumières Laurent Schneegans
Création son Vincent Hulot
Scénographie Estelle Gautier
Costumes Elisabeth Cerqueira

Théâtre Actuel La Bruyère – 5, rue La Bruyère – 75009 Paris

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Ce soir-là, à Grignan, l’orage menace et le tonnerre retentit de plus en plus violemment, lorsque Sophie reçoit la visite inattendue de Pierre-Abdul Khalzidi, un étrange journaliste qui se dit envoyé par le New-York Times. L’homme parle français parfaitement et sans une once d’accent, mais il faut dire qu’il est né d’une mère française et d’un père palestinien, ce qui le place à cheval entre plusieurs cultures différentes.

Pierre-Abdul est venu pour enquêter sur Paul Chardin, non pas le musicien, que tout le monde connaît à travers ses enregistrements, mais l’homme, qui est demeuré plus secret.

Dans un premier temps, Sophie et Pierre-Abdul vont se livrer à une sorte de duel à fleurets mouchetés, s’opposant très nettement sur les raisons et les buts de l’enquête : faut-il fouiller le passé à tout prix, comme le font si souvent les américains, ou le taire, comme le font trop souvent les français ?

Puis ils vont s’associer, s’entraider, travailler à chercher la vérité.

Paul Chardin, aux côtés de son ami et mentor Cortot, participa-t-il activement à « l’épuration de la musique » pendant les années de l’occupation ? Procéda-t-il réellement à la mise à l’index, l’arrestation et la déportation de musiciens juifs français ? Et, dans sa propre famille, fut-il l’instigateur de l’arrestation de son demi-frère, François, tout à la fois communiste et résistant, et à la déportation de sa belle sœur, juive, et de ses neveux ?

Tout au long de la minutieuse et palpitante enquête, les fantômes de la famille vont être convoqués, soit sous la forme incarnée de deux comédiens qui campent le père et le grand-père de Sophie, soit sous la forme fantasmatique de projections vidéos. C’est un peu comme si les sculptures de soie de Sophie prenaient ainsi formes humaines, celles des personnages du passé familial, et que la légèreté de la soie peu à peu se densifie de la pesanteur de la grande Histoire et des petites histoires emmêlées. Sophie créait des poupées désincarnées, Paul-Abdul va lui apporter de la matière charnelle pour que les fantômes puissent s’emparer de l’espace, le traverser, et, enfin, disparaître à jamais. On assiste ainsi à une sorte de séance analytique en œuvre ou à un exorcisme laïque dont la morale serait : il faut revisiter le passé pour permettre au présent d’exister totalement.

Tout dans ce spectacle est une profondeur émouvante : depuis le jeu des comédiens, tous remarquables, les apparitions fantomatiques très bien réalisées, la mise en scène brillante et jusqu’à la bande son frémissante d’émotion signée Mme Miniature.

↘ Production : Reine Blanche Productions
TEXTE=Élisabeth Bouchaud, adaptation du roman Le livre de raison de Jacques Attali (Ed. Fayard)
MISE EN SCÈNE=Élisabeth Bouchaud + Benoît Di Marco
JEU=Adrien Madinier + Matila Malliarakis + Isis Ravel + Nicolas Vial
AVEC LA PARTICIPATION DE=Élisabeth Bouchaud + Benoît Di Marco + Hervé Dubourjal + Clémentine Lebocey
SCÉNOGRAPHIE=Luca Antonucci
CRÉATION LUMIÈRES=Philippe Sazerat
CRÉATION VIDÉO=Thomas Bouvet
CRÉATION SON=Mme Miniature + Tom Beauseigneur
COSTUMES=Thelma Di Marco Bourgeon + Élise Massih Mevel

Du 16 avril au 17 mai 2026

Théâtre de la Reine Blanche,2 bis Pass. Ruelle- 75018 Paris

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Rien n’a encore été dit mais la tension dramatique est déjà présente.

Lui, c’est Alexeï Navalny, le principal opposant au régime de Poutine, l’homme qui a osé se présenter aux élections présidentielles, qui a osé tenir tête au régime. Elle, c’est Yulia, la compagne de toujours d’Alexeï, le soutien de ses combats, son inspiratrice, sa force autant que son épouse. Et l’on est quelque part,  à Berlin, un jour de janvier 2021. Alexeï a décidé de repartir à Moscou. Il vient de l’apprendre à Yulia. Alexeï a subi une tentative d’empoisonnement, il se remet à peine et difficilement de 18 jours de coma et il sait, pertinemment, qu’à peine arrivé à Moscou, il se retrouvera incarcéré, sommairement jugé, inévitablement condamné, perdu.

Alexeï et Yulia : ils sont deux, deux contre le temps qui cogne, deux contre la mort qui rode, deux contre la folie de certains hommes. Et voilà qu’il lui annonce qu’il va partir, qu’il va la quitter, qu’il va mourir. Et elle ne veut pas, elle s’oppose, elle veut le retenir. À tout prix.

Sous leurs pieds, un grand rectangle, semblable à un tatami ou à un ring de boxe, de couleur rouge, sur lequel ils vont et viennent, vêtus de noir, comme s’ils s’affrontaient à grand coups de mots, d’idées, d’arguments.

D’un côté le devoir, la fidélité à ses principes, la nécessité morale de l’engagement, de l’autre la vie, le bonheur, le droit de garder autour de soi les bras de celle qu’on aime. Le choix est impossible…

Leur partition, à tous deux, est rude, courageuse, essentielle. Les échanges verbaux sont âpres et poétiques à la fois, comme dans les meilleurs moments des Justes de Camus, lorsque l’échange philosophique se drape de l’émotion du vécu et des sentiments humains. Il y a là de quoi alimenter une thèse d’état en plusieurs milliers de pages et de quoi pleurer le restant de ses jours. Et cela nous parle, à nous, de la nécessité de résister, de la légitimité de mourir pour ses convictions à défaut de pouvoir vivre pour son bonheur.

Ce texte bouleversant, qui est l’œuvre à quatre mains de Sabrina Kouroughil et Gaëtan Vassart, est né d’une absence de texte : cette pièce vient d’une pièce qui n’est plus. Dans son journal de prison, Alexeï Navalny regrette énormément qu’on lui confisque tous ses écrits, et, en particulier, un dialogue auquel il tenait et qu’il avait composé en reconstituant le dialogue qu’il avait eu avec son épouse, Yulia, la veille de son retour en Russie. Le dialogue original est retourné au néant, détruit par la dictature de Poutine. Mais ce spectacle, l’œuvre de Sabrina et Gaëtan, le fait renaître : un très bel exemple de phénix théâtral !

Texte, mise en scène et jeu Sabrina Kouroughli et Gaëtan Vassart
Conseil dramaturgique Marion Stoufflet
Lumières Erik Priano
Son Christophe Séchet

Théâtre de Belleville, 16 passage Piver- 75011 Paris

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