Entre deux pénibles entrechats, l’homme finit par avouer qu’il n’est autre que Robert Bouvier lui-même, soit le directeur du théâtre de Neufchâtel, et que, la troupe du Kirov, initialement prévue pour venir donner une représentation, étant encore bloquée à la frontière, il s’est dévoué, lui, le directeur, pour assurer le remplacement.

Maintenant que le stratagème est dévoilé, Robert Bouvier décide, pour un peu meubler l’attente, de nous raconter sa vie.

Tel est le point de départ, et le prétexte, du spectacle.

Robert Bouvier dans son propre rôle va nous narrer par le menu, sans ordre ni façon, comment il est devenu directeur du théâtre de Neufchâtel, puis comment il est devenu comédien (donc vraiment sans ordre!).

Certes, les anecdotes sont, pour certaines, savoureuses, certes on apprécie de connaître, un peu, l’envers du décor, certes le parcours du petit Suisse devenu grand directeur est édifiant, certes le personnage est sympathique, mais on avouera que l’intérêt demeure des plus limités.

Robert Bouvier s’essaye, à son tour, à un exercice qui semble devenu des plus tendances dans le petit monde de la création théâtrale contemporaine : le seul en scène sur fond autobiographique avec démultiplication des personnages campés, à chaque fois, par un changement à vue, un accessoire signifiant, une modification posturale ou un accent typique. Mais le seul en scène est un art délicat et qui exige une rigueur magistrale ; il exige, cet art, de soigneusement éviter les deux écueils de la virtuosité et du surjeu, entre Charybde et Scylla.

C’est un Suisse bien sympathique, Robert Bouvier, et l’on s’en voudrait de le lui reprocher : ça va bien se passer, on l’espère pour lui !

• auteur Joëlle Bouvier, Robert Bouvier et Simon Romang
• mise en scène Joëlle Bouvier et Simon Romang
• avec Robert Bouvier 
• création lumières Pascal Di Mito
• musique originale Lucas Warin
• production Compagnie du Passage
• durée 1h20

Jusqu’au 9 juin 2026 – lundi et mardi, 9h ou 21h

Théâtre Le Funambule Montmartre, 53 rue des Saules- 75018 Paris

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Entre 17 000 et 40 000 fêtards, un terrain militaire truffé d’obus et une loi qui attend au Sénat : le Teknival près de Bourges n’a pas seulement fait frémir le territoire berruyer… il l’a placé au cœur d’une France qui cherche où mettre sa jeunesse.

Le 1er mai 2026, des dizaines de milliers de personnes ont convergé vers un champ de tir militaire entre Bourges et Cornusse, dans le Cher, pour le plus grand rassemblement techno non autorisé de ces dernières années. Pendant quatre jours, le département a été au cœur d’une actualité nationale tentaculaire, mêlant liberté de fête, risque explosif, bras de fer législatif et mobilisation sanitaire silencieuse. Trois angles pour comprendre ce qui s’est vraiment passé.

Une fête qui se mérite, et qui se revendique

Les teknivals ne naissent pas du vide. Depuis 1993 et l’arrivée du collectif britannique Spiral Tribe en France, la culture free party a posé ses murs de son dans des champs, des hangars et des friches, portée par une philosophie simple : la fête doit être gratuite, autogérée et hors de portée du marché du loisir. Le Teknival de Cornusse 2026, officiellement baptisé « Frenchtek 33 », s’inscrit dans cette longue tradition, mais avec une dimension inédite.

Car cette édition n’était pas seulement une fête. C’était aussi un acte politique. Les organisateurs, réunis sous le collectif Tekno Anti Rep, ont choisi délibérément le 1er mai et le Polygone de tir de la Délégation générale de l’armement pour adresser un message au Parlement : non à la loi RIPOST, ce texte en cours d’examen au Sénat qui entend criminaliser toute rave party non déclarée. Leur communiqué, diffusé sous forme de faux arrêté préfectoral, clin d’oeil ironique aux autorités, ne laissait aucun doute sur leurs intentions.

Ce que révèle cet événement va pourtant au-delà de la provocation. Comme le souligne le chercheur Fabrice Raffin dans une analyse publiée, les teknivals rassemblent avant tout des jeunes d’origine modeste « à qui les politiques culturelles ne s’adressent qu’à la marge » et à qui « la fête est largement confisquée par l’industrie du loisir ». Derrière les stéréotypes, une réalité sociologique que l’événement de Cornusse a rendue visible à tout le pays.

Loi RIPOST : punir ou réguler ?

Le timing du Teknival de Cornusse n’est pas anodin. Le 9 avril 2026, l’Assemblée nationale adoptait en première lecture la proposition de loi RIPOST, acronyme de « Réponse Immédiate aux Phénomènes troublant l’Ordre Public et la Tranquillité de nos concitoyens », portée par la députée Horizons Laetitia Saint-Paul. Le texte est désormais entre les mains du Sénat.

Ce que prévoit concrètement ce texte est considérable. Organiser un événement rave party gratuit non déclaré deviendrait un délit passible de deux ans d’emprisonnement et 30 000 euros d’amende, avec comparution immédiate possible et saisie sur-le-champ du matériel et des véhicules. Les simples participants seraient quant à eux visés par une amende forfaitaire de 300 euros. En comparaison, le droit actuel ne prévoit qu’une contravention de 1 500 euros pour les organisateurs, la saisie du matériel ne pouvant intervenir qu’après la fin de l’événement.

Le ministre de l’Intérieur Laurent Nuñez s’est rendu sur place à Cornusse le dimanche 3 mai pour durcir le message. Au total, plus de 20 000 contrôles et 3 500 procès-verbaux ont été dressés avant la fin de l’événement, selon ICI France Berry.

La réponse politique n’a pas tardé à se polariser. À gauche, la députée écologiste Sandrine Rousseau a dénoncé sur France Info une « logique de répression contre-productive ». À droite, les critiques ont pointé le « laxisme » de l’État face à un rassemblement massif sur un site militaire. Entre ces deux positions, une question de fond reste ouverte : une loi plus sévère empêchera-t-elle réellement les teknivals, ou les rendra-t-elle simplement plus clandestins et moins sûrs ?

Les coulisses sanitaires : préparer le pire sans le provoquer

Pendant que le débat politique enflait, une autre mobilisation se jouait en silence dans les coulisses du système de santé du Cher. Cette dimension, peu couverte par les médias nationaux, est pourtant celle qui révèle peut-être le mieux ce que l’incident a exigé du territoire.

Nous avons pu consulter un dossier fort intéressant qui vient de publier l’ARS Centre-Val de Loire destinés aux professionnels de santé de la région (« Lettre Pro » 8 mai 2026) dans laquelle deux urgentistes témoignent : la Dr Marie-Céline Mazuir, cheffe du service SAMU-Urgences du Centre hospitalier de Bourges et le Dr Mohamed Saïdani, médecin urgentiste au SAMU 35, mobilisé en renfort depuis Rennes.

Le récit qu’ils dressent est celui d’une anticipation méthodique face à l’incertitude. Dès les premières heures, le CH de Bourges a activé le niveau 1 du Plan de gestion des tensions hospitalières, ouvert un événement SI-VIC pour anticiper un afflux massif de victimes, et transmis l’alerte au SAMU zonal de Rennes. Des lits ont été libérés, des transferts anticipés, des rappels de personnels préparés. Non pas parce que la catastrophe était certaine, mais précisément parce qu’elle ne l’était pas.

« Accueillir un afflux massif de patients, sans en connaître ni le moment ni l’ampleur, est un paradoxe que les équipes savent gérer », résume la Dr Mazuir pour la Lettre Pro de l’ARS. Le Dr Saïdani complète : « On ne se prépare pas à ce qui va arriver, mais à ce qui pourrait arriver. » Le scénario redouté était celui d’une explosion de munitions enfouies dans les zones boisées du Polygone, risque réel, puisque des démineurs ont effectivement dû intervenir après la découverte d’un obus en bordure du site.

Au final, le bilan sanitaire a été contenu : 33 blessés, dont 5 cas graves liés à la consommation de stupéfiants. Un résultat que la Dr Mazuir attribue autant à la chance qu’à la préparation collective, pompiers, SAMU et réserve sanitaire travaillant en équipes mixtes sur un poste médical avancé installé en plein champ. « Cette reconnaissance mutuelle des compétences, rare dans l’exercice quotidien, est l’une des réussites majeures de cette mobilisation », conclut-elle.

Le Teknival de Cornusse restera dans les mémoires du Cher comme bien plus qu’un fait divers festif. Il a mis en lumière, simultanément, la vitalité d’une culture populaire que les politiques peinent à saisir, les limites d’un arsenal juridique à la recherche de son équilibre entre répression et régulation, et la capacité silencieuse d’un territoire à protéger ses habitants, même ceux qui s’y installent sans y être invités. Trois visages d’une même France, réunis le temps d’un week-end de mai dans un champ du Berry.



Illustration d’en-tête : Andrea pour Science infused

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Bien sûr, il ne sait pas, ce Philippe-là, qu’un jour il deviendra Philippe Besson, écrivain célèbre et célébré.

Pour l’instant, dans sa province tranquille, cet adolescent est mal dans sa peau, mal dans sa vie, et il tombe éperdument amoureux de Thomas, qu’il a juste croisé au lycée.

Au fond de la scène, c’est  la chambre de Philippe : un tapis ovale  plein de coussins dont certains pailletés, plein de livres bien entendu, et juste une lampe de bureau. Et dans cette chambre, dans le secret de cette chambre, il parle de son amour, il s’en parle à lui-même et il en parle à Pensée, son alter ego féminin, son double fantasmé, idéal, absolu, sa jumelle de rêve. C’est Anne-Laure Ségla qui joue le rôle de Pensée, splendide danseuse sculpturale, aussi noire de peau que Philippe est blanc, aussi folle qu’il est sage, aussi tentatrice qu’il est inhibé. Elle le pousse, sans cesse, à gommer ses peurs, à solder ses complexes, à franchir ses limites pour vivre vraiment sa vie.

Et la magie du spectacle nous offre un Philippe vivant enfin son amour fou dans une suite éblouissante de numéros chantés, dansés, ambiancés, rythmés, magnifiés, si bien que rarement on a vu, sur une scène, une adaptation théâtrale d’un texte romanesque aussi réussie et enthousiasmante. A vrai dire cela n’a plus guère les allures d’un roman mais bien plutôt d’une véritable orgie pour les pupilles et les tympans.

Il faut bien dire que le metteur en scène, Valentin Nerdenne (également interprète du rôle principal) n’a pas lésiné sur les moyens : pendant qu’en fond de scène les deux garçons emmitouflés sous un drap, tels deux fantômes complices, miment un acte amoureux, la noire silhouette féline d’ Anne-Laure Ségla, sanglée dans une torride robe rouge, se livre à un ballet sulfureux sur le « Great gig in the sky » du Pink Floyd…

Mais la fête ne dure pas, la beauté des sentiments se fane, l’automne de la raison succède à l’été des passions : cet amour-là était de ceux qui n’étaient pas simple à vivre en 1984. C’est en  1990 seulement que l’OMS  va rayer l’homosexualité de la liste des maladies mentales : 1990, c’est avant-hier, et même si la situation des gays et lesbiennes est un peu plus simple de nos jours, il n’est pas certain que, pour autant, les difficultés aient totalement disparu.

« Arrête avec tes mensonges » était la ritournelle habituelle de la mère de Philippe, sans se douter qu’elle s’adressait à un futur écrivain et comme si elle voulait brimer, en lui, l’imagination, cette fée intérieure. Mais c’est également la ritournelle que l’on voudrait, encore et toujours, clamer haut et fort à ceux qui s’avisent encore de dicter des comportements personnels, intimes, sexuels aux autres.

C’est l’histoire d’un homme amoureux : rien ne devrait au fond être plus simple au monde.

Du 6 au 30 mai 2026

Mercredi et jeudi à 21h15, vendredi et samedi à 19h

Durée 1h20

Texte Valentin Nerdenne, adapté du roman de Philippe Besson
Mise en scène Valentin Nerdenne
Distribution Anne-Laure Ségla, Corentin Etienne, Thomas Laurent, Valentin Nerdenne
Scénographie Salomé Bégou et Eliott Petit
Costumes Maison U&l et Valentin Nerdenne
Création lumière Téné Niakaté et Coline Thuissard
Création sonore Greg Bette
Équipe technique Coline Thuissard

Théâtre de Belleville, 16 passage Piver- 75011 Paris

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C’est que, tout à la fois et perpétuellement, la vie s’arrête et la vie continue, le spectacle s’achève mais le spectacle reprend, le grand spectacle de la vie, ou bien la vie, elle-même, vécue comme un spectacle. Ce n’est plus possible de faire de la danse ? Elle en a passé l’âge ? Peu importe, elle va faire autre chose, jouer du piano, chanter, jouer la comédie…

C’est à ce grand spectacle pour une femme seule que nous convie Kelly Rivière, le grand spectacle de la vie d’une femme qui se trouve se nommer Kelly Rivière, première étape d’un jeu de mise en abîme qui va se poursuivre sous nos yeux, et avec notre complicité de quatrième mur, une heure vingt durant.

La vie ne serait-elle qu’un rêve ? Le rêve devient-il parfois la vie ? Aller retour fascinant aux allures de pirouette de la pensée, d’autant plus évident dans l’univers des gens du spectacle.

Kelly Rivière va nous conter, par le menu, dans le détail, mais non sans ellipses habiles et force traits d’humour, les aléas de l’existence d’une intermittente du spectacle, la quarantaine passée, maman d’un petit Liam, et qui enchaîne les castings peu probants, les dates mal payées, les simili embauches s’avérant de redoutables pièges pour qui ne peut pas prétendre à la réussite exemplaire d’une Catherine Frot.

Tout en détaillant son cas particulier, Kelly Rivière rend hommage, de façon plus générale, à tous les petits, les sans grades, les stars à demi éteintes de la scène et du music-hall, tous ceux qui font ce métier sans en récolter vraiment les fruits, seulement parce qu’ils ne plus tout jeunes, ou pas assez résilients, ou qu’ils ont la malchance, tel Debronckart, cité dans le spectacle, de se prénommer Jacques à l’époque où triomphe Brel.

Kelly Rivière convoque sur la scène tous ceux qui, parmi ses proches, l’ont encouragée (la grand-mère paternelle, Mamie Nana, son meilleur ami, Max, son père, son fils) tous ceux qui l’ont franchement découragée (sa mère, sa belle-mère) et la foule des petits dictateurs du métier, directeurs de casting sans aucune indulgence, metteurs en scène mégalomanes, etc. Elle a réuni la grande foule de ceux qui s’étonnent qu’on puisse avoir envie de jouer la comédie, de danser, de chanter, de créer, alors que le succès n’est pas évident, pas immédiat, pas fulgurant.

Et ils sont, du coup, nombreux, sur la scène, ils sont nombreux dans sa tête à elle, Kelly Rivière, et elle nous les campe, tous, à elle toute seule, ceux qui lui ont fait un signe de la main comme ceux qui lui ont décoché des coups de pied en traître, avec une énergie, une vivacité et un enthousiasme communicatifs. On sent bien qu’elle n’en veut à personne et que tous, à leur manière, ont contribué à construire cette personnalité atypique et généreuse.

On sent bien que, décidément, pour Kelly Rivière, la vie n’est jamais que le rêve qu’on avait pu en faire, à l’avance, et que l’on a décidé de poursuivre. Une belle leçon d’optimisme et d’humanité.

Durée 1h20

Vendredi à 19h – Samedi à 18h30

Jusqu’au 27 juin 2026

De et avec Kelly Rivière
Collaboration à l’écriture/dramaturgie David Jungman
Collaboration artistique Maïa Sandoz
Regards complices Jalie Barcilon, Sarah Siré
Collaboration à la chorégraphie Gilles Nicolas
Travail piano-chant Susy Firth
Lumières Laurent Schneegans
Création son Vincent Hulot
Scénographie Estelle Gautier
Costumes Elisabeth Cerqueira

Théâtre Actuel La Bruyère – 5, rue La Bruyère – 75009 Paris

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En Corée du Sud, le gouvernement distribue des poupées robotisées aux personnes âgées isolées. L’indignation est facile. La question de fond, elle, est moins confortable.

750 000 personnes en mort sociale

Avant de parler de poupées, parlons du chiffre que tout le monde préfère esquiver. Selon le baromètre 2025 des Petits Frères des Pauvres, 750 000 personnes âgées en France se trouvent aujourd’hui en situation de « mort sociale » : aucun contact humain, aucune interaction, aucune présence. Ce chiffre a progressé de 150 % en huit ans. Pas 15 %. Cent cinquante pour cent.

Ce n’est pas une statistique abstraite. Ce sont 750 000 personnes qui se lèvent le matin sans que personne ne leur parle, qui mangent seules, qui se couchent seules, parfois pendant des semaines. En France, pays autoproclamé de la fraternité. En Corée du Sud, environ dix personnes âgées se suicident chaque jour selon les études régionales. Les deux pays, pourtant si différents culturellement, partagent le même drame silencieux. C’est dans ce contexte, et uniquement dans ce contexte, que la poupée Hyodol doit être examinée.

Ce qu’est vraiment Hyodol

Plus de 12 000 robots Hyodol ont été déployés auprès de personnes âgées vivant seules en Corée du Sud, la majorité via des programmes gouvernementaux de protection sociale, environ 1 000 autres achetés à titre privé par des familles au prix d’environ 879 dollars pour le dernier modèle. L’âge moyen des utilisateurs est de 82 ans, ce qui indique que le robot s’adresse principalement aux personnes les plus vulnérables.

Concrètement : la poupée propose des exercices, rappelle les prises de médicaments et les repas, propose des quiz pour stimuler la mémoire, joue de la musique. Et surtout : si elle ne détecte plus aucun son pendant plusieurs heures, elle alerte un proche. Ce dernier point n’est pas anecdotique. Pour une personne seule qui fait une chute la nuit, c’est potentiellement une question de vie ou de mort.

Le design enfantin a été choisi délibérément. Le PDG de l’entreprise la fabricant a expliqué que l’apparence facilite la création de liens et rend la technologie plus accessible aux personnes peu à l’aise avec elle. Ce choix mérite cependnat d’être interrogé, car une personne de 85 ans n’est pas un enfant, et il y a dans ce design un présupposé sur le grand âge qui peut légitimement déranger. La question du consentement éclairé de personnes souffrant de démence à l’utilisation d’un dispositif de surveillance reste entière.

Résultats scientifiques : une étude clinique préliminaire mais sérieuse

La couverture médiatique de Hyodol se cantonne généralement à l’habituelle polarisation entre témoignages émus et réactions indignées. Que dit la recherche scientifique ?

Une étude clinique a été publiée en décembre 2025 dans Journal of Clinical Medicine, par des chercheurs de l’Université Yonsei. 278 participants ont été évalués sur leurs symptômes dépressifs, leur niveau de solitude, leur observance médicamenteuse et leur acceptation du « robot d’assistance social » . Hyodol, conçu pour incarner la relation grand-parent/petit-enfant, soutient en continu le bien-être émotionnel, la gestion de la santé et les routines quotidiennes, sur la base des principes d’activation comportementale et d’une approche centrée sur la personne.

Les résultats sont positifs sur plusieurs indicateurs : réduction mesurable des symptômes dépressifs, amélioration de l’observance médicamenteuse, taux d’acceptation élevé. La rigueur commande cependant de signaler les limites : étude préliminaire, sans groupe contrôle randomisé solide, sur une population spécifique. Les résultats sont encourageants, pas définitifs. D’autres études avec des méthodologies plus robustes sont nécessaires.

Attention au faux dilemme

C’est ici que le débat public déraille systématiquement, et qu’il faut nommer le biais cognitif en cause. Le raisonnement dominant dans les réactions à Hyodol est un faux dilemme : soit la poupée, soit la présence humaine. Comme si les deux s’excluaient mutuellement. Comme si distribuer des Hyodol signifiait renoncer définitivement au lien humain.

Ce n’est pas ainsi que fonctionne la réalité. Un dispositif qui alerte les secours en cas de chute n’empêche pas les visites d’aidants. Un rappel automatique de médicaments ne remplace pas une conversation avec un médecin. Et surtout : pour les 750 000 personnes en mort sociale qui n’ont aujourd’hui strictement aucun contact humain, la question n’est pas « poupée ou humain ». C’est « poupée ou rien ». Poser le problème autrement, c’est se donner bonne conscience à peu de frais.

Mais le faux dilemme cache en réalité quelque chose de plus profond, d’ordre techno-sociologique : la peur du remplacement de l’humain par la machine, et celle de l’indiscernabilité. Hyodol ne fait pas la taille d’un humain. Elle fait quarante centimètres. Ce n’est pas un hasard. Ce format mignon, enfantin, clairement non humain, est une réponse calibrée au tabou de l’androïde, cette angoisse viscérale que provoque tout ce qui ressemble à un humain sans l’être. Un robot à taille humaine, capable de conversation, susciterait une tout autre réaction. Nous avons analysé cette question de fond dans un article dédié : « IA : quand les robots humanoïdes seront-ils indiscernables des humains ? » La frontière entre outil et simulacre humain est précisément ce qui structure nos peurs, bien plus que l’utilité réelle du dispositif.

Cette peur sélective mérite d’être interrogée. Personne ne s’indigne des montres connectées qui mesurent la fréquence cardiaque des personnes âgées et alertent les proches en cas d’anomalie. Personne ne dénonce les piluliers connectés qui envoient une notification si le médicament n’a pas été pris. Ce sont exactement les mêmes fonctions que Hyodol, dans un boîtier rectangulaire et silencieux. La seule différence est le visage, les grands yeux, la voix d’enfant. C’est le corps, même miniature, même non humain, qui déclenche le malaise. Pas la surveillance. Pas la technologie. L’apparence d’une présence.

Le Hyodol sans corps est partout, et personne n’en parle

Ce constat mène directement à une réalité que les commentateurs évitent soigneusement, sans doute parce qu’elle touche trop près. Des millions de personnes seules, âgées ou non, ont déjà leur Hyodol. Il s’appelle ChatGPT, Claude ou Gemini. Sans corps, sans poupée, accessible sur n’importe quel smartphone. Une fraction silencieuse mais réelle de leurs utilisateurs s’en sert non pas pour rédiger des emails ou résumer des documents, mais simplement pour avoir quelqu’un à qui parler : une présence disponible à trois heures du matin, sans jugement, sans impatience, qui répond toujours.

Ce phénomène est documenté, discret, et profondément révélateur. Il signifie que le remplacement de l’humain par la machine dans la relation de compagnie est déjà là, massif, mondial, et parfaitement accepté socialement parce qu’il est invisible. On ne voit pas l’écran de smartphone ou de la montre connectée d’un voisin solitaire qui parle à l’IA que ces objets contient. Mais on voit la poupée coréenne posée sur la table de nuit d’une grand-mère. C’est bien la poupée qui choque.

La vraie question que pose Hyodol n’est donc pas éthique au sens étroit. Elle est sociologique et politique. Dans quelle société vivons-nous pour que des millions de personnes, de tout âge, trouvent dans une machine une présence que leur entourage ne leur offre plus ? Et qu’allons-nous faire, collectivement, pour que la réponse à la solitude ne soit pas uniquement, ni d’abord, technologique ?

La France fonce contre le même mur

Face au vieillissement rapide de la population, ces robots poupées ont été adoptés par des gouvernements locaux comme solution, car cette évolution démographique entraîne une pression importante sur les secteurs de la santé, des pensions, ainsi que sur une main d’oeuvre qui se réduit. Remplacez « Corée du Sud » par « France » dans cette phrase : elle reste exacte mot pour mot.

La France vieillit. Les déserts médicaux s’étendent. Les aidants familiaux s’épuisent. Les EHPAD coûtent des sommes inaccessibles pour une grande partie des familles. Et 750 000 personnes sont déjà en mort sociale, aujourd’hui, sans qu’aucune poupée robotique ne soit en cause. Hyodol n’est pas la réponse. Mais la question à laquelle Hyodol répond est déjà la nôtre. Et s’indigner d’une poupée coréenne tout en regardant ailleurs sur la réalité de l’isolement de centaines de milliers de personnes âgées, c’est le genre de confort moral facile qu’on peut avoir envie de pointer du doigt.

Illustration d’en-tête : image extraite du site internet coréen Hyodol

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Simplement, c’est vite dit : encore fallait-il deviner que ce texte, savoureux comme un ragoût d’exception mijoté par un chef, pouvait, tel quel ou presque, s’imposer sur une scène. Encore fallait-il être sensible au fait qu’en racontant l’histoire de l’infortunée Félicité, Flaubert en avait systématiquement adopté le point de vue et que, tout aussi bien, pour parodier une formule célèbre, il aurait pu déclarer : « Félicité, c’est moi ».

Félicité, elle porte un nom qui la destine d’emblée aux honneurs quand sa vie n’en sera que la négation absolue. Elle est fille de rien, née de pas grand-chose, sans culture ni éducation, ne sachant ni lire ni écrire et pas davantage compter, n’ayant pour tout bien sur cette terre que son bon sens et sa bonhomie : bref, un cœur simple !

Et Félicité, elle qui ne sait rien faire, va consacrer ses forces et sa vie à faire pour les autres : pour un ingrat goujat rencontré par hasard, pour sa maîtresse Madame Aubain, pour les enfants de celle-ci, Paul et Virginie, pour son neveu, Victor, et enfin pour Loulou, qui n’est autre qu’un perroquet.

Et à ces êtres qu’elle sert, qu’elle aide, qu’elle aime, Félicité va donner une valeur sacrée : son véritable Dieu à elle, ce n’est pas celui des églises, ce sera celui ou celle à qui elle va offrir de l’amour, au point de confondre son dernier amour terrestre, le perroquet Loulou, avec l’Esprit saint des Évangiles.

Et si cette femme ne sait rien des choses de l’esprit, rien de ce qui doit se faire ou se dire dans le beau monde, rien de ce qui marque et impressionne en société, en revanche, cette femme sait aimer les autres, au point de risquer sa vie face à un taureau furieux, au point d’affronter la nuit, les kilomètres de marche, le danger, pour aider, soutenir, encourager.

Et sur les grandioses et amères déchirures d’archet du 14^e quatuor de Schubert, dans un décor épuré de planches de bois disposées en croix, Isabelle Andréani, outre son immense talent de comédienne, use de son embonpoint sympathique, tour à tour grotesque et touchant, pour nous raconter cette histoire bouleversante : rien peut-être au monde n’est plus complexe à comprendre qu’un cœur de femme lorsqu’il est simple !

Photos : Laurencine Lot

Adaptation : Isabelle Andréani

Mise en scène : Xavier Lemaire

Avec : Isabelle Andréani

Scénographie : Caroline Mexme

LES DIMANCHES à 15h, jusqu’au 31 avril

Théâtre Poche Montparnasse – 75 boulevard du Montparnasse – 75006 Paris

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Le Sénat a adopté le 9 avril 2026 à la quasi-unanimité (209 voix contre 2) la proposition de loi mettant fin à toute obligation sexuelle dans le mariage.

Cette réforme, symbolique mais décisive, clarifie le Code civil et protège explicitement le consentement. Elle révèle surtout un basculement profond : le mariage cesse d’être une communauté de corps pour devenir une union d’individus souverains.

Racines historiques et construction jurisprudentielle

Le « devoir conjugal » n’a jamais été inscrit dans le Code civil de 1804. Il est né d’une lecture extensive de l’article 215 ( » communauté de vie ») et de l’article 212 (respect, fidélité, secours). Les juges y ont vu, pendant plus d’un demi-siècle, une « communauté de lit » héritée du droit canonique.

Entre 1980 et 2000, 124 décisions judiciaires ont retenu le refus de relations sexuelles comme faute ; 46 autres ont été recensées entre 2006 et 2022. Ces demandes étaient majoritairement portées par des hommes contre leurs épouses.

La culture populaire du XIXe siècle parlait sans gêne de « viol légal ».

La réforme met fin à cette fiction judiciaire vieille de deux siècles.

L’impact concret sur les contentieux de divorce

Jusqu’à présent, le refus prolongé de relations intimes pouvait fonder un divorce pour faute aux torts exclusifs (article 242).

La cour d’appel de Versailles l’avait encore fait en 2019 dans l’affaire H.W., condamnée par la CEDH le 23 janvier 2025. Les chiffres montrent que ces cas restaient minoritaires au sein des divorces pour faute (6 à 10 % du total), mais ils n’étaient pas négligeables. Les difficultés probatoires (comment prouver l’absence de relations ?) limitaient souvent les succès, pourtant la menace pesait. La nouvelle loi interdit explicitement de fonder un divorce pour faute sur l’absence ou le refus de relations sexuelles. Elle supprime un outil de pression symbolique et psychologique, particulièrement dans les procédures conflictuelles.

Les juges devront désormais s’appuyer sur d’autres fautes (violences, abandon du domicile, adultère) ou opter pour le divorce par altération définitive du lien conjugal après un an de séparation.

Dimension philosophique : du communautaire à l’individualiste

Cette réforme achève une mutation philosophique majeure. Le mariage traditionnel reposait sur une conception communautaire : les époux s’appartenaient mutuellement, le corps devenant une sorte de bien commun au service de la perpétuation familiale.

Aujourd’hui, le droit consacre une vision individualiste : chaque conjoint reste propriétaire de son intégrité corporelle. Le consentement n’est plus présumé par le mariage, il doit être libre, éclairé et révocable à tout instant. Comme le soulignait la CEDH, « tout acte sexuel non consenti est une forme de violence sexuelle ».

Le législateur aligne ainsi le Code civil sur la dignité humaine et la liberté sexuelle, transformant le mariage d’un contrat d’autorité en association choisie d’autonomies égales.

Lecture genrée : #MeToo et l’asymétrie persistante

La réforme porte une marque genrée évidente. Les statistiques doctrinales montrent que les hommes étaient les principaux demandeurs de divorce pour manquement au devoir conjugal. Cette asymétrie reflète une représentation traditionnelle où la disponibilité sexuelle féminine était attendue.

Le mouvement #MeToo et la loi du 6 novembre 2025 sur le consentement ont accéléré le changement. Pourtant, des enquêtes récentes (citées par la ministre Aurore Bergé) indiquent que 26 % des hommes reconnaissent avoir douté du consentement de leur partenaire et 24 % jugent encore « normal » qu’une femme accepte « par devoir ». La réforme protège davantage les femmes, souvent plus vulnérables dans les dynamiques de pouvoir conjugal, tout en rappelant que le consentement vaut pour tous.

Sociologie : vers les unions libres et le consentement permanent

Cette évolution s’inscrit dans un contexte de recul relatif du mariage. Si le nombre de mariages remonte légèrement (autour de 245 000 à 270 000 par an récemment), les unions libres et les PACS progressent fortement depuis vingt ans. Les couples choisissent des formes plus souples, où le consentement n’est jamais présumé.

La réforme accompagne ce mouvement, car elle rend le mariage moins contraignant, plus proche des réalités contemporaines. Elle signale que l’engagement matrimonial n’équivaut plus à une renonciation à l’autonomie corporelle. Dans une société où l’individualisme prime, le sexe devient une négociation permanente, même et surtout dans le couple légitime.

La bataille sémantique et le positionnement européen

Le débat sénatorial du 9 avril s’est focalisé sur les mots : « relations sexuelles » ou « relations intimes » ? La version finale retient une rédaction claire excluant toute obligation. Cette querelle linguistique révèle une tension entre tradition juridique et réalisme contemporain.

En Europe, la France rattrape ses voisins : Allemagne, Espagne, Italie ont depuis longtemps écarté cette fiction. La CEDH impose une harmonisation via l’article 8. Aux États-Unis, les conjugal rights ne sont plus contraignants ; en Asie, des résistances persistent (Inde, Chine). La France se place désormais dans le peloton de tête des démocraties du consentement.

En supprimant une norme obsolète, le législateur ne fragilise pas le mariage : il le modernise. Il affirme que l’amour et l’engagement ne reposent plus sur un devoir, mais sur un consentement renouvelé. Le Code civil rejoint enfin la société qu’il régit

Illustration d’en-tête : Massimo Botturi

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Ce sera la table de la cuisine et, tout autour, trois chaises, alors que pourtant, lorsque le rideau se lève, ils ne sont que deux, la mère et le fils.

Comme si cette troisième chaise, forcément vide, n’était présente que pour évoquer le fantôme du père défunt, ce gynécologue qui se targuait de trop bien connaître les femmes. A moins que cette troisième chaise ne soit destinée à accueillir celle dont il va être question, quelque peu fantomatique elle aussi puisqu’elle apparaîtra pour mieux disparaître, l’invitée du fils, sa compagne de vie qu’il est venu, lui, le fils, présenter à sa mère.

« Une femme », telle sera la toute première réplique de la pièce, prononcée sur un ton tout à la fois interrogateur, étonné et suspicieux. C’est que, si le fils évoque la survenue dans sa vie de cette femme, Colette, l’interrogation, l’étonnement, la suspicion viennent du fait que, jusqu’à présent, dans la vie de ce fils artiste, écrivain, créateur, et puis perturbé, angoissé, traumatisé, il n’avait été question que d’hommes.

Alors ils s’en vont, la mère et le fils, détricoter l’intégralité de la grande tapisserie complexe de l’enfance, des heurts et malheurs, des jalousies et des peurs, des incidents et des maladresses qui ont fait sa vie à lui, à ce fils, qui font nos vies à tous.

Derrière les comédiens, l’espace est barré par un très long rideau de fils qui cache sans cacher, masque sans masquer, et derrière lequel ils vont, à tour de rôle, parfois même ensemble, s’évader, se réfugier, s’isoler : derrière ce rideau si peu rideau, c’est tout à la fois l’espace de la maison, les souvenirs, les lieux un peu abandonnés, là où se rangent les verres à vin qu’on n’a pas sorti depuis longtemps, et le passé qu’on n’a pas trop envie de sortir, et la larme qu’on n’a pas envie de voir couler, et l’inconscient, et le trop conscient…

Les grandes illusions, ce sont un peu toutes celles que ce fils a pu se faire durant sa vie, l’illusion d’avoir chassé les démons de l’enfance, l’illusion d’avoir pu se reconstruire, ou bien l’illusion de « normalité sociale » que peut représenter cette jeune fille présentée à la mère.

En composant ce dialogue incisif entre une mère et son fils, Arthur Dreyfus ne pouvait que l’interpréter lui-même tant ce texte comporte d’éléments autobiographique qui semblent encore fortement résonner en lui. C’est doux amer comme l’existence, tendre comme une lettre d’amour mais sévère comme un constat d’huissier : un très beau texte magnifiquement interprété par l’auteur et par la sublime Hélène Alexandridis.

Lundi-Vendredi à 19h30
Samedi 11 à 16h30
Samedi 18 à 16h30

Jusqu’au 18 avril 2026

Texte Arthur Dreyfus
Mise en scène Laurent Charpentier assisté par Yann Pichot 
Scénographie Gaspard Pinta
Création lumière Laïs Foulc
Création sonore Madame Miniature et Samuel Robineau

Durée : 1h15

Avec Hélène Alexandridis, Arthur Dreyfus, Louise Hardouin et Laurent Charpentier

Théâtre Les Plateaux Sauvages :- 5 rue des Plâtrières 75020 Paris

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Elle travaille dans une association à but humanitaire qui distribue de la nourriture aux nécessiteux, les rejetés du monde qui, eux, ont de sérieuses raisons de complexer. Elle est entourée, dans le boulot, dans un coin de Belleville, de tout un aréopage de collègues féminines sous la direction d’une patronne acariâtre et autoritaire, plus un factotum venu d’ailleurs, Axel, dont elle est secrètement amoureuse. La pauvrette est une lectrice assidue d’Eugène Onéguine, qui la fait littéralement rêver d’un monde meilleur, et, dans sa vie, depuis toujours, elle n’arrive pas à dire ce qu’elle pense, surtout si elle pense « Non », et, au surplus, elle est affublée d’un drôle de prénom : Cyrana.

Mais c’est surtout l’histoire d’une jeune et sympathique comédienne qui s’est créée, à elle toute seule, un « seule en scène » sur mesure en prenant comme idée centrale : Cyrano avait un grand nez, Cyrana, elle, a de grosses fesses. On passe du tarin aux miches. Et c’est sur cette base, qu’on avouera quelque peu fragile, qu’elle a bâti une heure et quart de spectacle et qu’elle tient, toute seule, le rôle principal, Cyrana, mais aussi toutes les collègues de Cyrana, et le factotum dont elle est amoureuse, et la patronne irascible, et la foule des nécessiteux.

Pour que l’ensemble puisse à peu près tenir debout et se lire, elle donne à ses personnages des expressions outrancières, des accents caractéristiques, des postures acrobatiques et un vocabulaire fleuri. C’est plein de gouaille et d’énergie, et l’on comprend évidemment pourquoi Jean-Pierre Jeunet (dans certains films duquel Juliette Wiatr est apparue) a été séduit : lui qui adore les caricatures ambulantes ne pouvait qu’adhérer au projet. Il ajoute la voix off venant commenter l’action et qui est devenue une sorte de marque de fabrique de sa création, plus quelques éclairages criards pour bien souligner le propos.

Mais l’ensemble tourne à vide et s’avère rapidement lassant : hormis une tirade des nez devenue tirade des fesses et qui peut engendrer un sourire, le reste de « l’adaptation » et de la modernisation de Cyrano de Bergerac reste dépourvu d’intérêt. L’opposition entre l’apparence disgracieuse de Cyrano et l’extrême raffinement de son expression verbale et écrite trouvait sa place dans le cadre de la préciosité, situation d’époque : difficile de croire, aujourd’hui, à une relation amoureuse qui se fonderait sur la galanterie du vocabulaire et des formules. Nous sommes à l’ère d’Internet, du porno en vente libre et de l’amour abonné à Meetic. C’est un peu étrange de gommer, comme le fait Juliette Wiatr,  ce qui constitue la densité même de la société actuelle. Rostand était nettement plus subtil mais n’est, hélas, pas Rostand qui veut !

• Texte : Juliette Wiatr
• Mise en scène : Jean-Pierre Jeunet et Pierre-Louis Gallo
• Interprétation : Juliette Wiatr
• Durée: 1h15

Du 25 mars au 11 avril 2026 avec dates exceptionnelles les samedis 18 et 25 avril à 21h et les dimanches 19 et 26 avril à 17h.

Théâtre La Manufacture des Abbesses :- 7 rue Véron 75018 Paris

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Tel est le postulat de départ de cette pièce qui nous conte la détresse du couple, le terrifiant cheminement médical dans l’univers du cancer, l’horreur du décès, l’extrême difficulté du deuil et de la reconstruction.

Ils sont cinq sur la scène, quatre femmes et un homme, pour incarner les parents du bébé et tout l’entourage : les proches, les parents des parents, les médecins, le personnel soignant, les parents des autres enfants, les amis…

Certes, le sujet est touchant et fort : il était par conséquent superflu de recourir au pathos pour le traiter. C’est pourtant le parti-pris qui a été choisi par la compagnie « Les Wonderbiches » pour entreprendre ce ballet morbide autour d’un bébé poupée de chiffon qu’on enlace, qu’on embrasse, qu’on ausculte, qu’on caresse, qu’on soigne, qu’on pique, qu’on veut réparer, etc.

L’ensemble est sympathique et l’on voit bien que les comédiens déploient toutes leurs forces et leurs capacités mais il demeure peu convaincant. Et que dire, que penser, de cet espace scénique limité, côté jardin et côté cour, par des cordes comme un ring de boxe ? Le spectacle, d’ailleurs, commence, de façon très incongrue, par deux comédiennes en train de s’échauffer sur ce supposé ring. On voit la métaphore bien entendu, « la vie est une lutte, un perpétuel combat, il faut se relever à chaque fois, ne pas céder à l’adversaire, être fort, etc » mais justement, la métaphore est tellement évidente qu’elle en devient lourde à être ainsi tout le long rappelée par le dispositif scénique.

Quant à la progression dramatique, elle est accidentée, peu lisible, emplie de moments qui n’apportent rien et font retomber le petit peu d’émotion qui était né au moment du décès de l’enfant.

Le témoignage écrit par Chloé Duperrin, le livre qui est à l’origine de la pièce, est sans nul doute important, pour elle, et l’adaptation et la mise en scène de Cécile Parichet sont louables, et généreux, mais que peut nous apporter un tel spectacle ? L’exemple individuel est bien entendu émouvant, comme le serait n’importe quel récit d’un moment de vie délicat fait par n’importe lequel d’entre nous, les humains, mais en quoi cet exemple peut-il nous concerner et déboucher sur une prise de conscience ou un désir de changement ? Ce n’est pas avec des bons sentiments qu’on fait de bons spectacles.

• De : Chloé Duperrin
• Adaptation : Cécile Parichet
• Mise en scène : Cécile Parichet
• Avec : Alexi Ridgway, Cécile Parichet, Yelu Bao, Sarah Eskenazi, Marine Manec’h, Julien Massetti, Romane Noulé

Jusqu’au 5 mai 2026

Théâtre Le Funambule Montmartre, 53 rue des Saules- 75018 Paris

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